Alina Pinsky Gallery

Alina Pinsky Gallery Postwar & Contemporary

  | 𝙄𝙜𝙤𝙧 𝙎𝙠𝙖𝙡𝙚𝙩𝙨𝙠𝙮“Once, he lived in the house of the Buendía family from One Hundred Years of Solitude, where insomnia ...
03/08/2026

| 𝙄𝙜𝙤𝙧 𝙎𝙠𝙖𝙡𝙚𝙩𝙨𝙠𝙮

“Once, he lived in the house of the Buendía family from One Hundred Years of Solitude, where insomnia erased the names of things. Later, he hid among the shadows in Van Gogh’s room — the very Bedroom in Arles — which is why the walls here are slightly askew, as if the dream were already beginning to unravel,” says Igor Skaletsky.

In this work, literary myth folds into painterly memory. The bed is no longer a place of rest, but a shelter for a small ghost suspended between sleep, disappearance, and borrowed memories.

Photo: Igor Skaletsky, 𝘈 𝘉𝘦𝘥 𝘧𝘰𝘳 𝘢 𝘛𝘪𝘳𝘦𝘥 𝘎𝘩𝘰𝘴𝘵, 2026



« Autrefois, il vivait dans la maison de la famille Buendía, dans Cent ans de solitude, là où l’insomnie effaçait les noms des choses. Plus t**d, il s’est caché parmi les ombres de la chambre de Van Gogh — celle de La Chambre à Arles — c’est pourquoi les murs semblent ici légèrement désaxés, comme si le rêve commençait déjà à se défaire », raconte Igor Skaletsky.

Ici, le mythe littéraire se mêle à la mémoire picturale. Le lit n’est plus un lieu de repos, mais un refuge pour un petit fantôme suspendu entre le sommeil, la disparition et les souvenirs des autres.

Photo : Igor Skaletsky, 𝘜𝘯 𝘭𝘪𝘵 𝘱𝘰𝘶𝘳 𝘶𝘯 𝘧𝘢𝘯𝘵𝘰̂𝘮𝘦 𝘧𝘢𝘵𝘪𝘨𝘶𝘦́, 2026

  | 𝙉𝙖𝙩𝙖𝙨𝙝𝙖 𝙃𝙖𝙗𝙖𝙧𝙤𝙫𝙖Natasha Habarova’s nudes did not appear all at once. She first painted still lifes, textures, and an...
30/07/2026

| 𝙉𝙖𝙩𝙖𝙨𝙝𝙖 𝙃𝙖𝙗𝙖𝙧𝙤𝙫𝙖

Natasha Habarova’s nudes did not appear all at once. She first painted still lifes, textures, and animals. There were, of course, portraits and self-portraits—some unforgettable—yet the body had always followed a parallel course, persistent as a secret passion.

Her formal education in monumental painting left a lasting mark: a rigorous professional eye for suspended movement, for the relationship between large and small volumes, and for the particular expressive power of voids and “architectural excesses.” Her studies invariably possess the completeness of monumental paintings. Her large-scale works painted from life, in turn, always retain something of the study.

— Liudmila Bredihina, “𝘉𝘰𝘶𝘯𝘥𝘢𝘳𝘪𝘦𝘴 𝘰𝘧 𝘵𝘩𝘦 𝘉𝘰𝘥𝘺 𝘢𝘯𝘥 𝘓𝘪𝘮𝘪𝘵𝘴 𝘰𝘧 𝘚𝘦𝘯𝘴𝘪𝘣𝘪𝘭𝘪𝘵𝘺”, excerpt from the exhibition catalogue.



Обнаженное тело в работах Наташи Хабаровой появилось не сразу. Были у неё натюрморты, фактуры, животные. Конечно, были портреты и автопортреты (некоторые незабываемы), но тело всегда «шло параллельно», не отпускало, как тайная страсть.

Обучение монументальной живописи не прошло даром, навсегда оставив строгий профессиональный взгляд на остановленное движение, соотношение больших и малых объемов, особую выразительность пустот и «архитектурных излишеств». Ее этюд – всегда законченная монументальная картина. Ее большие картины с натуры – всегда немного этюд.

  | 𝙀𝙫𝙜𝙚𝙣𝙮 𝙈𝙪𝙯𝙖𝙡𝙚𝙫𝙨𝙠𝙮Derniers jours pour visiter l’exposition “𝘓𝘦𝘴 𝘚𝘱𝘦𝘤𝘵𝘳𝘦𝘴 𝘦𝘵 𝘭𝘦𝘴 𝘌́𝘨𝘢𝘳𝘦́𝘴 𝘥𝘦 𝘗𝘢𝘳𝘪𝘴” d’Evgeny Muzalevsk...
26/07/2026

| 𝙀𝙫𝙜𝙚𝙣𝙮 𝙈𝙪𝙯𝙖𝙡𝙚𝙫𝙨𝙠𝙮

Derniers jours pour visiter l’exposition “𝘓𝘦𝘴 𝘚𝘱𝘦𝘤𝘵𝘳𝘦𝘴 𝘦𝘵 𝘭𝘦𝘴 𝘌́𝘨𝘢𝘳𝘦́𝘴 𝘥𝘦 𝘗𝘢𝘳𝘪𝘴” d’Evgeny Muzalevsky, qui se tient jusqu’au 31 juillet dans notre espace parisien.



Last days to visit Evgeny Muzalevsky’s solo show “𝘛𝘩𝘦 𝘞𝘳𝘢𝘪𝘵𝘩𝘴 𝘢𝘯𝘥 𝘚𝘵𝘳𝘢𝘺𝘴 𝘰𝘧 𝘗𝘢𝘳𝘪𝘴”, on view until July 31st.

𝙇𝙚𝙨 𝙎𝙥𝙚𝙘𝙩𝙧𝙚𝙨 𝙚𝙩 𝙡𝙚𝙨 𝙀́𝙜𝙖𝙧𝙚́𝙨 𝙙𝙚 𝙋𝙖𝙧𝙞𝙨 | Evgeny Muzalevsky Solo show
► April 23 - June 25, 2026
⊣ 11, rue Pastourelle, Paris 3

  | 𝙉𝙖𝙩𝙖𝙨𝙝𝙖 𝙃𝙖𝙗𝙖𝙧𝙤𝙫𝙖In her practice, Natasha Habarova often works on old canvases that she describes as “traumatized.” W...
24/07/2026

| 𝙉𝙖𝙩𝙖𝙨𝙝𝙖 𝙃𝙖𝙗𝙖𝙧𝙤𝙫𝙖

In her practice, Natasha Habarova often works on old canvases that she describes as “traumatized.” Worn and weathered, these surfaces heighten the atmosphere of existential anxiety that permeates her work.

Tears, abrasions, and imperfections become metaphors for the exposure and vulnerability of the human body.

The solo show “𝘚𝘦𝘯𝘵𝘪𝘮𝘦𝘯𝘵𝘢𝘭” by Natasha Habarova is on view at Alina Pinsky Moscow until September 5th, 2026!

23/07/2026

| 𝙀𝙫𝙜𝙚𝙣𝙮 𝙈𝙪𝙯𝙖𝙡𝙚𝙫𝙨𝙠𝙮

Dans “Schimmelzeichnen (Dessin à la moisissure)”, Evgeny Muzalevsky nous présente une toile ressemblant à une esquisse instantanée, semblable à une image saisie dans un journal intime.

Les lignes vives et expressives dessinées par Muzalevsky incarnent une certaine corporéité, dont les motifs ne sont pas sans rappeler les estampes japonaises érotiques “shunga”. Ils se mêlent à des figures à peine lisibles, ainsi qu’à deux mots allemands inscrits sur la toile de manière volontairement fragmentaire : Auswirkung et Einflüss, tous deux liés à la notion d’influence.



In “Schimmelzeichnen (Mould Drawing)”, Evgeny Muzalevsky presents a canvas resembling a spontaneous sketch, akin to an image captured in a personal diary.

The vivid and expressive lines drawn by Muzalevsky embody a certain physicality, with motifs reminiscent of Japanese “shunga” erotic prints. These motifs intermingle with barely discernible figures, and two German words inscribed by the artist on the canvas, in a deliberately fragmentary manner: “Auswirkung” and “Einflüss”, both linked to the concept of influence.

Video © The Farm

  | 𝙈𝙞𝙘𝙝𝙖𝙚𝙡 𝘾𝙝𝙚𝙧𝙣𝙞𝙨𝙝𝙤𝙫In 1961, Michael Chernishov formulated the principle of “doubling,” first realized in the work Dou...
19/07/2026

| 𝙈𝙞𝙘𝙝𝙖𝙚𝙡 𝘾𝙝𝙚𝙧𝙣𝙞𝙨𝙝𝙤𝙫

In 1961, Michael Chernishov formulated the principle of “doubling,” first realized in the work Doubling I: its symmetry is deliberately shifted toward the edge of the pictorial field, while each subsequent element is scaled in a 1:2 ratio.

Returning to geometric abstraction in 1976, the artist developed this method into a rigorous system of mechanically determined relationships. Through radically simple means, Chernishov explored balance, structural tension, and the illusion of infinity, affirming form as a space in which meaning arises not from outside, but from the very logic of construction.



En 1961, Michael Chernishov formule le principe du « doublement », réalisé pour la première fois dans l’œuvre Doublement I : la symétrie y est volontairement déplacée vers le bord du champ pictural, tandis que chaque élément suivant est agrandi selon un rapport de 1:2.

Revenu à l’abstraction géométrique en 1976, l’artiste développe cette méthode comme un système rigoureux de relations mécaniquement déterminées. Par des moyens radicalement simples, Chernishov explore l’équilibre, la tension structurelle et l’illusion de l’infini, affirmant la forme comme un espace où le sens ne vient pas de l’extérieur, mais naît de la logique même de la construction.

Michael Chernishov, 𝘋𝘰𝘶𝘣𝘭𝘪𝘯𝘨, 1976
Gouache on cardboard
36 х 45 cm

  | 𝙄𝙜𝙤𝙧 𝙎𝙠𝙖𝙡𝙚𝙩𝙨𝙠𝙮In Igor Skaletsky’s “𝘛𝘩𝘦 𝘖𝘯𝘦 𝘞𝘩𝘰 𝘔𝘪𝘴𝘵𝘰𝘰𝘬 𝘵𝘩𝘦 𝘚𝘩𝘰𝘳𝘦𝘴”, one can read a reference to Andrei Tarkovsky’s S...
17/07/2026

| 𝙄𝙜𝙤𝙧 𝙎𝙠𝙖𝙡𝙚𝙩𝙨𝙠𝙮

In Igor Skaletsky’s “𝘛𝘩𝘦 𝘖𝘯𝘦 𝘞𝘩𝘰 𝘔𝘪𝘴𝘵𝘰𝘰𝘬 𝘵𝘩𝘦 𝘚𝘩𝘰𝘳𝘦𝘴”, one can read a reference to Andrei Tarkovsky’s Solaris, where the ocean-planet becomes a mirror of memory and conscience, returning to the human subject what has been repressed, forgotten, or never fully lived through.

Here, the shore is not a geographical line but a threshold between reality and recollection. The figure mistakes not land for water, but the limits of his own experience: a shifting zone in which the visible merges with the inner world, and the past takes form once again.

The work’s palette, reminiscent of a photographic negative, deepens this sensation: the image seems to emerge from the depths of memory, retaining its distortions, shadows, and residual glow.

Photo : Igor Skaletsky, 𝘛𝘩𝘦 𝘖𝘯𝘦 𝘞𝘩𝘰 𝘔𝘪𝘴𝘵𝘰𝘰𝘬 𝘵𝘩𝘦 𝘚𝘩𝘰𝘳𝘦𝘴, 2026



Dans l’œuvre d’Igor Skaletsky 𝘊𝘦𝘭𝘶𝘪 𝘲𝘶𝘪 𝘢 𝘤𝘰𝘯𝘧𝘰𝘯𝘥𝘶 𝘭𝘦𝘴 𝘳𝘪𝘷𝘦𝘴, se lit une référence à Solaris d’Andreï Tarkovski, où la planète-océan devient un miroir de la mémoire et de la conscience, restituant à l’être humain ce qui avait été refoulé, oublié ou jamais pleinement vécu.

Le rivage n’est pas ici une ligne géographique, mais un seuil entre réalité et souvenir. Le personnage ne confond pas la terre et l’eau, mais les limites de sa propre expérience : cette zone instable où le visible se mêle au monde intérieur, et où le passé reprend forme.

La palette de l’œuvre, évoquant un négatif photographique, accentue cette sensation : l’image semble se révéler depuis les profondeurs de la mémoire, conservant ses distorsions, ses ombres et sa lueur résiduelle.

Photo : Igor Skaletsky, 𝘊𝘦𝘭𝘶𝘪 𝘲𝘶𝘪 𝘢 𝘤𝘰𝘯𝘧𝘰𝘯𝘥𝘶 𝘭𝘦𝘴 𝘳𝘪𝘷𝘦𝘴, 2026

  | 𝙀𝙫𝙜𝙚𝙣𝙮 𝙈𝙪𝙯𝙖𝙡𝙚𝙫𝙨𝙠𝙮L’approche d’Evgeny Muzalevsky repose sur la collision des images — trouvées, personnelles, histori...
08/07/2026

| 𝙀𝙫𝙜𝙚𝙣𝙮 𝙈𝙪𝙯𝙖𝙡𝙚𝙫𝙨𝙠𝙮

L’approche d’Evgeny Muzalevsky repose sur la collision des images — trouvées, personnelles, historiques, déjà chargées de la mémoire des autres.

Il fait dialoguer bande dessinée contre-culturelle, photographie documentaire, motifs issus de l’histoire de l’art et traces de la culture urbaine, les transformant en structures proches du collage, où l’image demeure à la fois reconnaissable et instable. Entre le geste spontané et la source visuelle préalablement choisie se déploie un espace de tension, dans lequel l’artiste interroge non seulement le pouvoir de l’image, mais aussi la possibilité d’y résister — par la forme, la matérialité et l’acte même de peindre.



Evgeny Muzalevsky’s approach is built on the collision of images — found, personal, historical, and already charged with the memory of others.

He brings together countercultural comics, documentary photography, motifs from art history, and traces of street culture, transforming them into collage-like structures in which the image is both recognizable and unstable. Between the spontaneous gesture and the preselected visual source, a space of tension emerges, in which the artist explores not only the power of the image, but also the possibility of resisting that power — through form, materiality, and the very act of painting.

  | 𝙉𝙖𝙩𝙖𝙨𝙝𝙖 𝙃𝙖𝙗𝙖𝙧𝙤𝙫𝙖 (𝙨𝙤𝙡𝙤 𝙨𝙝𝙤𝙬)The exhibition “𝘚𝘦𝘯𝘵𝘪𝘮𝘦𝘯𝘵𝘢𝘭” traces the evolution of Natasha Habarova’s artistic languag...
01/07/2026

| 𝙉𝙖𝙩𝙖𝙨𝙝𝙖 𝙃𝙖𝙗𝙖𝙧𝙤𝙫𝙖 (𝙨𝙤𝙡𝙤 𝙨𝙝𝙤𝙬)

The exhibition “𝘚𝘦𝘯𝘵𝘪𝘮𝘦𝘯𝘵𝘢𝘭” traces the evolution of Natasha Habarova’s artistic language over the past decade: from portraiture to the depiction of figures, and subsequently toward a more distilled, almost abstract form. Yet this shift does not signify a rejection of representation.

Corporeality does not disappear from her work; rather, it becomes a painterly structure that retains an almost tactile presence. Even at the furthest edge of abstraction, Habarova remains an artist of physical form—a territory where dematerialization is understood not as the loss of the image, but as the revelation of its inner essence.

On view at Alina Pinsky Moscow until September 5th, 2026!



Выставка “𝘚𝘦𝘯𝘵𝘪𝘮𝘦𝘯𝘵𝘢𝘭” прослеживает эволюцию художественного языка Наташи Хабаровой за последние десять лет: от портрета к изображению фигур, затем - к более синтезированной, почти абстрактной форме. Однако этот переход не означает отказа от изобразительного начала.

Телесность в её работах не исчезает, она становится живописной структурой, сохраняющей почти тактильную осязаемость. Даже в предельном приближении к абстракции Хабарова остаётся художницей физической формы - территории, где дематериализация понимается не как утрата образа, а как раскрытие его внутренней сущности.

Выставку можно увидеть в галерее Alina Pinsky в Москве — до 5 сентября 2026 года.

Photos :

Address

Пречистенка, 28
Moscow
119034

Opening Hours

Monday 12:00 - 20:00
Tuesday 11:00 - 20:00
Wednesday 12:00 - 20:00
Thursday 12:00 - 20:00
Friday 12:00 - 20:00
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