Cine AlexCronopio

12/04/2026

Las delicias del jardín.
Fernando Colomo es, para mi gusto, uno de los directores más entrañables de España. Desde Tigres de Papel y aquellas primeras películas que vi suyas, como ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?, Alegre ma non troppo o El efecto mariposa, ya dejaba claro ese sello suyo: historias que te hacen sentir bien. Divertidas, cotidianas, con tramas sencillas pero muy bien hilvanadas y dirigidas.

Luego vendrían El próximo Oriente y la sin palabras -y muy suya-Isla Bonita. Colomo ha ido construyendo un estilo muy propio, que ha evolucionado con los años, sí, pero que en esta película vuelve a su cine más íntimo, más reconocible, más suyo.
En Las delicias del jardín Fermín, un pintor abstracto venido a menos, atraviesa una crisis personal y económica complicada. Aunque al principio se resiste, termina aceptando la propuesta de su galerista -y exesposa- para participar en un concurso reinterpretando el icónico tríptico de El jardín de las delicias de El Bosco. Su hijo por coincidencias del destino se une a su padre en esta aventura. Por cierto es su hijo de verdad.

Aquí hay chistes sencillos, pero tan bien colocados y tan bien dichos que te arrancan carcajadas. Colomo dirige y protagoniza, con hijo incluido, y acompañado por la siempre genial Carmen Machi. Por otro lado hay cierta oda y burla a la vez al arte, ese que a veces es tan sublime como caprichoso, y hasta chapucero y sobrevalorado. Recuerdo una vez estar en un museo y ver exhibida una caja de zapatos, el título al frente decía en su nota de presentación "Caja de zapato", y 3 pendejos mirándola con profunda concentración.

Y es que Colomo, con casi 80 años, se mueve con una soltura envidiable: tiene la experiencia que dan los años, pero mantiene un ritmo casi adolescente. Hay momentos de edición súper chulos, escenas que cruzan la pantalla de lado a lado desde citas de Tinder del hijo, hasta caminatas del propio Colomo con una banda callejera que son pura delicia.
Hay una escena en particular en las que los dos deciden ir juntos al museo del Prado -donde se encuentra la obra- drogados. Genial.

Aquí Colomo me recuerda un poco a Woody Allen, pero a la española, con su propia mirada e identidad. Y ojo, no es imitación, es afinidad con sello propio.

Colomo se mueve de una forma tan natural dentro del contexto no-actor que su naturalidad sin artificios de actor profesional le da un toque tan fresco como real, es como él mismo Woody Allen en sus películas, o hasta aquel Tommy Muñiz en Lo que le pasó a Santiago de Jacobo Morales. Hay algo real y tierno en estas actuaciones.

La película es como ese plato rico que no se hace pesado: lo disfrutas, te deja buen sabor de boca y te vas a casa ligero, con una sonrisa y pensando de vez en cuando en ese momento sabroso.

Altamente recomendada.

WIESNER DISTRIBUTION
Cinthia Wiesner Caribbean Cinemas Puerto Rico
Fine Arts Cinema Café at Popular Center

17/03/2026

Pillion.
Pillion es una ópera prima sorprendentemente madura: una película valiente, directa y libre de prejuicios que se atreve a explorar la sexualidad, la soledad y el deseo sin complejos. La historia gira alrededor de Ray, un hombre que vive una aparente “carencia emocional” que en realidad es un estilo de vida escogido, donde los roles de amo y sumisión rigen su forma de relacionarse -que no es realmente una carencia, sino una forma aprendida y escogida de habitar el mundo- y Collin, un chamaco con tímido, con una vida bastante monótoan y de aparente fragilidad, al que la vida le cambia completamente al conocer al impactante Ray. Y su relación se convierte en un juego de roles, donde uno ya está habituado y para el otro es un mundo completamente nuevo. Doloroso, frustrante por un lado, y excitante y morboso por el otro. Al fin y al cabo, la película es un estudio íntimo sobre la identidad, el deseo y las múltiples formas del amor.

Una de las capas más interesantes que trabaja la película es la exploración de las dinámicas de poder emocional entre ambos personajes. La historia se acerca a relaciones donde alguien asume un rol de poder y otro uno de sumisión -dinámicas que no se plantean como imposiciones, sino como uno de consentimiento y descubrimiento personal. Pillion usa estas dinámicas como vehículo para hablar de vulnerabilidad, de rendirse emocionalmente, de encontrar libertad en lugares inesperados. Este componente simbólico, lejos de ser central por su morbo, funciona como espejo de las necesidades profundas de ambos personajes: Ray desde su control silencioso, Collin desde su deseo de encontrar a alguien que lo vea, lo sostenga y lo confronte. O si es posible, que lo ame también. Quizás están al fin y al cabo buscando cosas distintas, pero solo en el camino lo van a comprender.

Alexander Skarsgård, como Ray, ofrece una interpretación magnética. Hay una frialdad contenida que no nace de la apatía, sino de una humanidad muy específica: la de quien ha decidido mantener al mundo a cierta distancia para poder sostener su propia vida. Su distancia es un lenguaje, una forma de ternura invertida. Es extraordinario. Harry Melling, por su parte, construye un Collin maravilloso. Lo que en la superficie parece fragilidad es, en realidad, una valentía aún no descubierta por él mismo. Melling transmite con enorme precisión esa mezcla de torpeza, deseo, timidez y hambre de vida que hace que su búsqueda de la felicidad sea profundamente conmovedora. Su interpretación es simplemente honesta.

Un elemento que me llamó especialmente la atención fue el rol de los padres de Collin. La película nunca convierte su homosexualidad en un punto de conflicto. No es debate, no es trauma. Lo que les preocupa no es a quién ama su hijo, sino si es feliz. Ese enfoque tan simple -y tan necesario- demuestra una madurez narrativa que pocas historias q***r se permiten: dejar de convertir la identidad en un problema y enfocarse en lo que realmente importa.

Hace poco tuve una conversación con una pareja de conocidos -g**s, un poco entitled- que me dijeron que películas como Pillion “dañan la reputación de la comunidad”. Casi me da un infarto. Intenté explicarles que esa “comunidad” que defienden va muchísimo más allá de su vida de pareja con perro de marca incluido, empeñados en heteroconvertir su relación. El mundo es demasiado amplio para reducirlo a un molde, y todos tenemos derecho a una ventana que nos permita vernos representados. Presiento que me van a pichar la próxima vez que me vean 🙄.

Al final, Pillion es un canto a la libertad personal y que no siempre viene acompañada de grandes discursos, sino de decisiones pequeñas, íntimas, a veces dolorosas. El último día entre Ray y Collin es quizá una de las despedidas más dulces que he visto.

Pillion no es para todo el mundo ni pretende serlo, es como es y retrata a un grupo tal cual. No busca dramatismos, no busca complacer, no intenta forzar un final feliz como el que conocemos -la felicidad es subjetiva-. Lo que hace es honrar la importancia de esos encuentros que llegan a destiempo pero que, aun así, nos transforman. Es una película atrevida, sumamente sexual y dura, pero carente de resentimiento a la vez, donde no se juzga. Es buscar la felicidad individual para poder entonces entender la colectiva, otra parte del “colectivo” que también merece ser contada. Un “love story’ no convencional, en lo absoluto, y eso lo hace maravilloso.

15/03/2026

Aquí mis predicciones de todos los años para estos oscares, que son esta noche.

MEJOR PELÍCULA
• Bugonia
• F1
• Frankenstein
• Hamnet
• Marty Supreme
• One Battle After Another
• The Secret Agent
• Sentimental Value
• Sinners
• Train Dreams
En esta categoría tengo cinco películas que están prácticamente a la par y que me fascinaron por razones completamente distintas: Hamnet, Bugonia, One Battle After Another, Sentimental Value y Sinners. Todas diferentes, todas enormes.
Hamnet me desgarró. Ver una historia inspirada en la tragedia de Hamlet desde los ojos de la esposa del dramaturgo es una maravilla dolorosa; te agarra desde el comienzo, con uno de los desenlaces que más me ha conmovido. Jessie Buckley es otra cosa -pero de eso hablaré después. Esta película me llegó tanto que hasta con el tráiler me esmeleno.
Bugonia es comedia-drama satírica en su máxima expresión, muy en la línea de Yorgos, uno de mis directores favoritos. Este es totalmente mi tipo de película; me la disfruté y la repetí. Emma Stone está brillante como la CEO from hell, y Jesse Plemmmons -qué no entiendo cómo lo obviaron en la categoría de mejor actor secundario- junto a su sidekick. Un dúo convencido de que ella es una alienígena que planea destruir el mundo. Priceless. Poor Things sigue siendo mi favorita de Yorgos, pero esta es formidable.
One Battle After Another es todo lo que el buen cine debe ser. Todo funciona: el libreto, la puesta en escena, la cinematografía -esa escena de la carretera ya es un referente fílmico-. Corre con un ritmo acelerado, pero perfecto. DiCaprio, Benicio, Teyana y un Sean Penn monumental… una maravilla.
Sentimental Value me tocó por su sutileza. Es el dolor de las ausencias, del amor que persiste y por eso mismo hiere. Skarsgård, con esa actuación contenida, es extraordinario; y Renate Reinsve e Inga Ibsdotter están impecables.
Sinners toma una película de vampiros y la convierte en algo muchísimo más amplio: un ejercicio cinematográfico cabroncísimo. Música, tensión, drama y sarcasmo volando juntos como esos vampiros hambrientos -y nosotros dejándonos morder.
Las otras cinco… bueno. F1 está como coladita; asumo que es un guiño a su éxito en taquilla en estos momentos tan difíciles para el cine (¡vayan al cine!). Yo hubiera puesto Sorry, Baby, que amé.
Train Dreams es hermosa, pero no me absorbió por completo.
Marty Supreme me parece pretenciosa, formulada para ganar un Oscar.
Frankenstein tiene elementos buenos y otros muy flojos, con transiciones torpes y un melodrama que no me llegó.
The Secret Agent tiene actuaciones y ambientación espectaculares del Brasil de los 70’s, pero narrativamente no me conecta tanto como a quienes la veneran.

Predicciones
• Me gustaría que ganara: Cualquiera de mis cinco favoritas: Hamnet, Bugonia, One Battle After Another, Sentimental Value o Sinners.
• Va a ganar: One Battle After Another.

MEJOR ACTRIZ
Nominadas
• Jessie Buckley, Hamnet
• Rose Byrne, If I Had Legs I’d Kick You
• Kate Hudson, Song Sung Blue
• Renate Reinsve, Sentimental Value
• Emma Stone, Bugonia
Las cinco están excelentes, pero creo que todas quedan fuera de competencia frente a la desgarradora, intuitiva y sublime actuación de Jessie Buckley. Cada mirada suya comunica exactamente lo que siente; desde Sophie’s Choice -y aquella escena que jamás he vuelto a ver- no veía un rostro transmitir el dolor de esa manera. Una actuación hermosa en una película hermosa.

Predicciones
• Me gustaría que ganara: Jessie Buckley.
• Va a ganar: Jessie Buckley.

MEJOR ACTOR
Nominados
• Timothée Chalamet, Marty Supreme
• Leonardo DiCaprio, One Battle After Another
• Ethan Hawke, Blue Moon
• Michael B. Jordan, Sinners
• Wagner Moura, The Secret Agent
Aquí puede venir mi único “chasco”. Chalamet no está mal, pero -como la película- siento que todo está demasiado diseñado para ganar un Oscar, y eso se nota en todo momento. Creo que esto debería estar entre Leonardo DiCaprio, ingenioso y real, y Michael B. Jordan, con esos dos gemelos tan distintos que interpreta.

Predicciones
• Me gustaría que ganara: Leonardo DiCaprio.
• Va a ganar: Timothée Chalamet.

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Nominadas
• Elle Fanning, Sentimental Value
• Inga Ibsdotter Lilleaas, Sentimental Value
• Amy Madigan, Weapons
• Wunmi Mosaku, Sinners
• Teyana Taylor, One Battle After Another
Aquí tengo debilidad absoluta por Amy Madigan. Esa Aunt Gladys es, desde ya, uno de los personajes diabólicos más memorables. Me disfruté cada segundo de su actuación, es horrorosa, terrible, perversa, funny, magnética…. Una maravilla, punto. Ojalá la Academia premie una actuación dentro del género de terror (nunca olvidaré lo que le hicieron a Mia Goth con Pearl). Aunt Gladys ya es un personaje de culto.
De las demás, destaco a Inga Ibsdotter, casi novata con momentos brillantes, y a Teyana Taylor, por la fuerza tremenda que le mete a su personaje.
BLACK POWER! WOMEN POWER!

Predicciones
• Me gustaría que ganara: Amy Madigan.
• Va a ganar: Teyana Taylor.

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
• Benicio Del Toro, One Battle After Another
• Jacob Elordi, Frankenstein
• Delroy Lindo, Sinners
• Sean Penn, One Battle After Another
• Stellan Skarsgård, Sentimental Value
Creo que esto está entre Sean Penn y Stellan Skarsgård. Ambos están impresionantes, y escoger es difícil. Benicio está genial como siempre, pero tercero en mi lista. Me inclino por Penn: ese personaje lleno de prejuicios, racismo y rigideces, pero también de inseguridades, ambigüedades y contradicciones, es una maravilla.

Predicciones
• Me gustaría que ganara: Sean Penn.
• Va a ganar: Stellan Skarsgård.

MEJOR CASTING
Nominadas
• Hamnet
• Marty Supreme
• One Battle After Another
• The Secret Agent
• Sinners
Leonardo, Benicio, Sean Penn, Teyana, Regina Hall… ¿really?

Predicciones
• Me gustaría que ganara: One Battle After Another.
• Va a ganar: One Battle After Another.

WRITING (ORIGINAL SCREENPLAY)
Nominados
• Robert Kaplow, Blue Moon
• Jafar Panahi & Collaborators, It Was Just an Accident
• Ronald Bronstein & Josh Safdie, Marty Supreme
• Joachim Trier & Eskil Vogt, Sentimental Value
• Ryan Coogler, Sinners
Creo que esto está entre Sentimental Value y Sinners, aunque It Was Just an Accident podría convertirse en un spoiler. El guion de Sinners me fascinó: afilado, lírico, dark, terrorífico y sexy a la vez. Una narrativa que subvierte el género y lo eleva.

Predicciones
• Quiero que gane: Sinners.
• Va a ganar: Sinners.

WRITING (ADAPTED SCREENPLAY)
Nominados
• Will Tracy, Bugonia
• Guillermo del Toro, Frankenstein
• Chloé Zhao & Maggie O’Farrell, Hamnet
• Paul Thomas Anderson, One Battle After Another
• Clint Bentley & Greg Kwedar, Train Dreams
Amaría que ganaran Bugonia o Hamnet. Ambas toman material previo y lo transforman con creatividad y sensibilidad: Bugonia con su sátira elegante y retorcida; Hamnet con su desgarradora relectura emocional. Pero creo que esto se va con One Battle After Another, que también lo merece: Paul Thomas Anderson logra una adaptación magistralmente integrada al lenguaje visual, o sea al cine.

Predicciones
• Me gustaría que ganara: Hamnet.
• Va a ganar: Paul Thomas Anderson, One Battle After Another.

DIRECCIÓN
Nominados
• Chloé Zhao, Hamnet
• Josh Safdie, Marty Supreme
• Paul Thomas Anderson, One Battle After Another
• Joachim Trier, Sentimental Value
• Ryan Coogler, Sinners
Aquí los cuatro son excelentes (excluyo a Josh Safdie, que no está mal, pero no al nivel de los otros cuatro). El trabajo de Paul Thomas Anderson en One Battle After Another es, en muchos aspectos, impecable: la precisión del ritmo, la construcción de tensión, la manera en que controla cada elemento visual y emocional… una dirección soberbia, de autor, pero completamente accesible. Uno de sus mejores trabajos.

Predicciones
• Me gustaría que ganara: Paul Thomas Anderson.
• Va a ganar: Paul Thomas Anderson.

15/02/2026

Aida y Vuelta.
Siempre he pensado que las series exitosas deben saber cuándo irse con dignidad, sin dejarse embriagar por el éxito. Cuando no lo hacen, terminan estirando algo que ya estaba perfecto hasta donde tenía que llegar. S*x and the City es un ejemplo clarísimo: llegó en un momento ideal para la reivindicación de la mujer, su libertad sexual y su autonomía. Cada capítulo estaba bien pensado y funcionaba perfecto, sobre todo en su contexto. Pudo haber terminado ahí. Pero no.
Díganme qué aporta And Just Like That a la serie. Nada. Pregúntenle a Samantha. Vi un solo capítulo y supe -y el tiempo me dio la razón- que era una serie sin justificación, un intento de estirar algo que ya no daba más. Y luego vinieron unas películas que tampoco están al nivel creativo de la original. Un desastre.
En muchos casos es por razones económicas -como sospecho que pasó con las cuatro amigas- y en otros porque, al alargarlo, ni los propios libretistas saben cómo cerrar con lógica las tramas que ellos mismos abrieron. LOST es un buen ejemplo.
O casos como el de Will & Grace: ¿sabían que después de aquel final que saltaba años hacia el futuro después hicieron un comeback totalmente innecesario?
Hasta la fenomenal Aquí no hay quien viva, cayó en ese error cuando cambió de canal y convirtiéndose en la insufrible La que se avecina.

Creo que me alargué un chin, pero todo esto es para explicarles que eso no pasó con la maravillosa Aída. Desde 2005 nos hizo reír con un libreto extraordinario, políticamente incorrecto en el momento perfecto para serlo. Aída era genuinamente graciosa: cada personaje representaba -evidentemente exagerado- a alguien que podrías encontrar en cualquier barrio de clase trabajadora en España. Y lo mejor es que eran unos "pasotas" que no pretendían ganarse al público, pero lo lograban por pura autenticidad. Su libreto, su dirección y sus actuaciones eran hipnotizantes.

Pero los años pasaron, crecieron nuevas generaciones -las de cristal, el movimiento WOKE, que ojo, no critico; incluso comparto muchas de sus ideas-, pero la serie no podía moverse con esos nuevos tiempos. No podía volverse políticamente correcta de repente porque esa no era su esencia. ¿Y qué hizo? Se fue con dignidad. Antes de traicionarse, prefirió despedirse a tiempo.

La película Aída y vuelta, una joyita que vi hace poco (fans de la serie: vayan ya a verla. Y si no eres fan, también), muestra qué hubiera pasado si hubieran hecho una temporada más. Retoma a los personajes icónicos del barrio de Esperanza Sur, y mezcla realidad y ficción de forma fenomenal: una reunión del elenco original y una manera preciosa de cerrar el ciclo de un fenómeno de la cultura popular española.

Y qué bien lo hicieron. Dirigida por el mismísimo Paco León, lograron mantener la esencia que los hizo tan famosos y entrañables, pero adaptando lo necesario para que también se atemperara a nuestros tiempos. Me marcó especialmente la escena en la que un fan con rasgos suramericanos le pide una foto a Mariano Peña (Mauricio) porque lo admira ya que a él en la calle también le dicen “Machupichu”. En ese momento hay un silencio, una mirada entre los actores, una reflexión sin sermón. Saben que ese humor da gracia… y no. Una autocrítica elegante, sin discursos. Bravo.

Al final, la película se convierte en un tributo a la serie y la despide de la mejor manera: bien pensada, con dignidad y con la esencia intacta. Confieso que la escena final de Carmen Machi caminando por las calles de Madrid, ignorando a unos fans indiscretos, me movió. Ver a Aída marcharse con música mezclada con gritos fuera de lugar fue la forma perfecta de cerrar un capítulo que siempre fue así: caótico, humano, brillante.

Así se despide una diva: caminando hacia adelante, con la frente en alto, sin mirar atrás.
WIESNER DISTRIBUTION

03/11/2025

Bugonia.
Yorgos Lanthimos es como ese familiar raro pero brillante que cada año te cae con el regalo más ca**ón de todos. No sabes qué carajo hay dentro del paquete, pero la envoltura ya te tiene intrigado, y cuando lo abres… boom, sorpresa total. Otra vez. Otra joya. Otra locura.

Desde Dogtooth, su cine me intriga: incómodo, retorcido, y con una obsesión por mostrar lo peor de nosotros. The Lobster y Alps juegan con el absurdo emocional; The Favourite es una sátira chulísima con una reina majadera atrapada entre el deseo y el poder; Sacred Deer es una pesadilla quirúrgica; y Poor Things… simplemente UNA MARAVILLA SURREAL.
Emma Stone, te amo.

Y ahora Bugonia. La vi. Y me voló la fu***ng cabeza.
Es, sin duda, la mejor película del año so far. Y sí, ya es mi favorita junto a Poor Things (lo siento, no me voy a decidir por una sola, no puedo, no quiero).

Michelle Fuller (Emma Stone, delirante), CEO de una megacompañía farmacéutica, es secuestrada por Teddy Gatz y su primo Don, dos disfuncionales sociales con teorías bien fu**ed up. Teddy cree que Michelle es una alien malvada de una raza llamada “Andromedans” y su plan de secuestrarla está planteado para expulsarlos del planeta. ¿Más fu**ed up?.

No quiero hablar mucho más de la trama porque esta película merece verse lo más virgen posible, y tiene tantas curvas que caer en spoilers es bien fácil. Como siempre, Yorgos agarra nuevamente nuestros defectos -que no son pocos- y se burla de ellos, o al menos nos los restriega para que nos de algo de vergüenza. Y es que solo hay que asomarse por las redes o ver las noticias para entender lo viciosos que somos con la tierra, con la vida. Nuestras prioridades -las de nosotros mismos, los que habitamos y maltratamos sin conciencia algo que deberíamos cuidar- están tan mal dirigidas, y al fin y al cabo los que nos jodemos somos nosotros mismos. El capital está por encima de la vida, y eso no tiene sentido; y Yorgos agarra eso y mete el mega pellizco que se siente y duele. O en algunos momentos te hace unas cosquillas que te matan de la risa, hasta que te empiezan a molestar hasta que duelen.

La irreverencia creativa de este director logra llevar un mensaje tan poderoso mediante ideas tan surreales como viscerales y hasta violentas, y divertidas. Yup! Y aunque en este caso no es un guión suyo, es un remake de la película surcoreana Save the Green Planet! de Jang Joon-hwan (estos coreanos están cabrones), Yorgos usa esa base para crear otra película dentro de su mundo. Y nos mete en él.

Emma Stone me sorprende con cada película, jamás me imaginé que aquella chamaca de Zombieland iba a llegar no solo a dónde ha llegado, sino a los niveles de actuación que ha alcanzado. Ella logra transmitir primero la soberbia de una mujer enajenada por el poder, el dinero. Pero después su actuación es un punto clave en los giros de la película, cada palabra, gesto y mirada suya es crucial. Ella es el motor que puede elevar la película o dejarla caer, y evidentemente y como siempre, ella vuelve a elevar su actuación en otro gran personaje en su trayectoria. Michelle es diametralmente opuesto a Bella Baxter, aquella mujer maravillosa con cerebro de niña de Poor Things. Mientras Bella descubría el mundo con maravillosa ingenuidad, la de Bugonia lo “derrumba” buscando sus “intereses personales” … or not? En ambos casos, Emma Stone nuevamente -la musa de Yorgos- demuestra por qué es una de las mejores actrices de su generación.

Siempre he pensado que Jesse Plemons vino a tomar el espacio vacío que dejó Philip Seymour Hoffman. Aparte de su cierto parecido, Plemons -al igual que el de Capote, en su momento- tiene una capacidad de transmitir vulnerabilidad y fuerza con papeles introspectivos, ambiguos y emocionalmente densos. Y este es uno de esos casos, pero aportando matices adicionales que expanden todavía más su nivel actoral. Excelente.
Y cierra el trío con Aidan Delbis, un actor debutante que logra un personaje con excesos de vulnerabilidad representando a esas personas que siguen ciegamente a alguien en el que creen, una especie de Sancho Panza.

Mi favorita de este año, y en mi top list personal de mis favoritas desde ya. Les pido que no pregunten mucho de la película -hay spoilers inhumanos pululando por ahí- y vayan a verla ya.
Es de esas películas que con su ingenio te llevan por diferentes emociones, desde la carcajada hasta el “what the f**k”. Pero al fin y al cabo te deja ahí tira’o reflexionando mientras van subiendo los créditos finales.
Yo me quedé un rato en esa butaca entre alucinado, impactado y algo triste.

Altamente recomendada.

25/09/2025

👍👍👍 review soon

16/09/2025

The Long Walk.
Acabo de ver hace unos días lo que, para mí, es una de las grandes sorpresas del año: The Long Walk. Cuando vi el trailer, pensé que sería más de lo mismo: un reto extremo, muchos participantes, solo un ganador, sangre por todos lados, y un montón de gore. Y sí, todo eso está presente, pero esa es solo la superficie de una película que va mucho más allá.

Ambientada en un futuro -viendo cómo están las cosas- no tan lejano, The Long Walk nos presenta un Estados Unidos sumido en la decadencia y la pobreza. Cada año se celebra un sorteo voluntario en el que 50 jóvenes, uno por cada estado, se enfrentan en un ritual brutal: caminar sin detenerse. No hay meta, no hay descanso. Si un participante se detiene o no mantiene el ritmo, recibe tres advertencias. A la cuarta, es ejecutado. El último en quedar en pie gana una suma absurda de dinero y un deseo.

La premisa es sencilla, pero lo que eleva esta película es su guion impecable, una dirección poderosa y actuaciones sorprendentes de jóvenes prácticamente desconocidos. Lo que comienza como una competencia despiadada se transforma en una profunda metáfora de la vida y las decisiones que tomamos. Cada participante viene de un entorno distinto, con historias únicas, y aunque solo uno puede ganar, se va gestando entre algunos un sentido de comunidad, una chispa de esperanza. No para ellos como competidores, sino como símbolos de un país que ha perdido toda esperanza.

Los diálogos fluyen con naturalidad, sin manipulaciones ni discursos forzados. El director Francis Lawrence logra mantenernos cautivos en una historia que, en otras manos, podría haber caído en el tedio. Toda la película gira en torno a la caminata, pero gracias a su visión, la intensidad de los actores, y una dirección de arte y fotografía impecables, el interés nunca decae.

Los protagonistas Peter McVries y Raymond Garraty son excepcionales. Su química, sus silencios, sus parlamentos, todo construye una tensión emocional que te llega.
Y aquí va una nota personal: esta película me tocó profundamente. En medio de todo lo que hemos vivido últimamente -la muchacha del subway y la indiferencia de quienes la rodeaban, el genocidio en Palestina, las chamacas de Aibonito, el as*****to de Charlie Kirk, entre otras muchísimas cosas más- The Long Walk cobra una relevancia brutal. No hace apología a la violencia, pero sí nos pone frente a un espejo incómodo. Nos muestra, sin sermones, lo peligrosa que puede ser la ruta por la que estamos caminando.

Hay una escena al principio, tras apenas la segunda ejecución, donde uno de los protagonistas le dice al otro: “Espero que nos acostumbremos a esto”, y el otro responde: “Eso es lo que más miedo me da”. Ese diálogo sencillo encapsula el corazón de la película, y del mundo que habitamos hoy.

Basada en una novela de Stephen King, The Long Walk es una película dura, pero necesaria. Te sacude, te hace pensar, y sobre todo, te deja con una pregunta que no se responde fácilmente: ¿cuánto estamos dispuestos a normalizar?
Altamente recomendada.

13/09/2025

The Life of Chuck.
Hace unos días vi The Life of Chuck con grandes expectativas. Aunque su director, Mike Flanagan, nunca me ha parecido nada del otro mundo -de hecho, honestamente me parece bastante flojo- decidí darle una oportunidad por las buenas críticas en festivales y la recomendación de varios amigos.

La historia en sí es excelente. El concepto es bueno, las analogías que atraviesan la película están muy bien pensadas, y ese aire de incertidumbre constante me pareció interesante. Sin embargo, el problema fue que nunca logré conectar ni con la película ni con el mismo Chuck. En general, no me sentí involucrado como esperaba. Las escenas se alargaban más de lo necesario, y se notaba que era una decisión del director. A veces, más no es mejor. El baile en la plaza me pareció emotivo, pero el problema fue la incapacidad del director para saber cuándo cortar. El timing es clave, y en esta como en otras muchas escenas carecía -para mi entender- de uno on point.

Aunque las distintas etapas de Chuck -desde su infancia hasta la adultez- estaban bien interpretadas, el personaje me resultó acartonado. A pesar de su bondad y carisma, lo sentí forzado, y eso va más allá de las actuaciones: es un tema de cómo estaba escrito el personaje.

Como dije, amé el concepto detrás de la película (sin spoilers), pero nunca logró atraparme. Y eso me dio pena, porque quería que fuera todo lo contrario.

09/09/2025

Qué interesante mirar atrás a 1977. Ese doctor, claramente estaba adelantado a su tiempo: mostraba una combinación de profesionalismo, lógica y sensibilidad que resulta admirable incluso hoy. En medio de una sociedad marcada por el desconocimiento y los prejuicios, los padres de aquel joven -con sus propias limitaciones generacionales- lograron anteponer el amor por su hijo a pesar de los estigmas de aquella época. Y ese muchacho, qué valentía. Salir del clóset en ese contexto requería unos cojones que muchos no logran ni en tiempos más abiertos. La escena en que la reportera le ofrece la pastilla me conmovió.

CBS" PARENTS OF G**S "in 1977. Produced four years after homosexuality was declassified as an anxiety disorder and eight years after the Stonewall Riots, PAR...

17/08/2025

With Chef 1A – I just got recognized as one of their rising fans! 🎉

06/08/2025

Peliculas más overrated y han sido hasta oscarizadas🙄

1. Shakespeare in love (la peor)
2. Coda (wtf, buena para un domingo... BEST MOVIE?????)
3. Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (aquí me caerán chinches pero la odié)
4. Crash (aunque si me gusto, que le ganara a Brokeback Mountain fue un insulto a la inteligencia)

tantán