Artwork.House

Artwork.House Artwork.House to platforma łącząca artystów, architektów i kolekcjonerów sztuki.
(1)

Twórczość Kaliny Bańki-Kulki opiera się na pracy ze szkłem, które jest jej głównym medium i punktem wyjścia do dalszych ...
02/01/2026

Twórczość Kaliny Bańki-Kulki opiera się na pracy ze szkłem, które jest jej głównym medium i punktem wyjścia do dalszych poszukiwań. Artystka tworzy unikatowe obiekty i instalacje, w których materiał nie jest jedynie tworzywem, lecz aktywnym uczestnikiem procesu. Szkło narzuca tempo, wymaga precyzji i uważności, a jednocześnie pozostawia miejsce na nieprzewidywalność.

W swoich pracach artystka podejmuje tematy bliskie doświadczeniu codziennemu i osobistemu. Interesują ją relacje rodzinne, pamięć, dziedziczenie wzorców oraz emocjonalne przywiązanie do przedmiotów. Często sięga po formy inspirowane obiektami użytkowymi, nadając im nowe znaczenia i wydobywając z nich ukryty ładunek emocjonalny. Szkło staje się tu nośnikiem wspomnień, napięć i cichych historii.

Jej dorobek obejmuje liczne cykle, w których tradycyjne techniki szklarskie spotykają się z aktualnymi tematami społecznymi. Artystka pracuje m.in. w technikach fusingu, slumpingu, klasycznego witrażu malowanego ręcznie oraz sitodruku.

Bańka-Kulka konsekwentnie rozwija swoją praktykę artystyczną, łącząc działalność twórczą z dydaktyką. Jest autorką kilkunastu wystaw indywidualnych oraz uczestniczką licznych wystaw w kraju i za granicą. Jej prace znajdują się w kolekcjach muzealnych i prywatnych, a szkło pozostaje dla niej medium otwartym — wciąż oferującym nowe możliwości.

W jej twórczości szkło nie służy efektowi. Jest sposobem mówienia o tym, co kruche, powtarzalne i przekazywane dalej — czasem świadomie, a czasem zupełnie mimochodem.

Artwork House, 2026
Be a work in progress




31/12/2025

HAPPY NEW YEAR! ✨️🎉💥

Exhibition Notes no. 3 — Klára Hosnedlová, embrace, Hamburger BahnhofKlára Hosnedlová tworzy w  monumentalną instalację ...
21/11/2025

Exhibition Notes no. 3 — Klára Hosnedlová, embrace, Hamburger Bahnhof

Klára Hosnedlová tworzy w monumentalną instalację „embrace”, otwartą od maja 2025 do stycznia 2026.

To jej największa dotychczasowa praca: tkaniny (lniane i konopne dywany), ogromne hafty, organiczne reliefy oraz elementy ze szkła, betonu i żelaza. Motywy haftów pochodzą z filmów i performansów realizowanych przez artystkę w Berlinie. Tematy instalacji obejmują „dom” w znaczeniu emocjonalnym, utopię oraz codzienność w zmieniających się systemach politycznych, ze szczególnym odniesieniem do regionów Czech. Betonowe płyty i metalowe ściany nawiązują do architektury z czasów komunizmu, nadając całości historyczną perspektywę.

Współpraca z CHANEL jest częścią nowej, trzyletniej inicjatywy CHANEL Commission, umożliwiającej artystom realizację bardzo dużych, koncepcyjnych projektów w ogromnej sali muzeum (ok. 2,5 tys. m²). Instalacja Hosnedlovej nie tylko wypełnia przestrzeń, ale ją „przytula”: miękkie tkaniny kontrastują z surowością betonu, a subtelne dźwięki wprowadzają odbiorców w oniryczny, refleksyjny klimat.

Exhibition Notes to nasz nowy cykl – dzielimy się tym, co zobaczyliśmy, co nas poruszyło i dlaczego.



09/11/2025

Kolejna bardzo przykra i smutna wiadomość. Szczególnie dla nas. Właśnie zarówno Tomek Sikora jak i grupa Łódź Kaliska, którą wspołtworzył Andrzej Świetlik, poinformowali o jego odejsciu. 8 listopada Andrzej Świetlik zmarł. Nikt tak nie sportretował Grzegorza Ciechowskiego, Kory, Marka Grechuty czy Ryszarda Kapuścińskiego, jak Andrzej Świetlik. Pozostawił po sobie wiele wspomnień i jeszcze więcej fotograficznego dorobku. To właśnie Andrzej, Tomek i Jakub Winiarski powołali do życia, jedną z najpiękniejszych inicjatyw fotograficznych, gdzie profesjonaliści i amatorzy mogli się zobaczyć we wspólnej przestrzeni wystawienniczej, pokazać swoje prace, porozmawiać, wymienić się wiedzą i doświadczeniem, ponad 110 razy, na 4 kontynentach. Inicjatywą tą jest Galeria Bezdomna. Andrzeju, spoczywaj w spokoju, to była ogromna przyjemność, poznać Cię i przyglądać się Twojej pracy twórczej, zarówno na okładkach wielu wydawnictw muzycznych, jak i wspaniałych, oryginalnych i kreatywnych happeningów grupy Łódź Kaliska. 🕯️

Exhibition Notes  #01 — Yosh*tomo Nara w Hayward GalleryTego lata odwiedziliśmy wystawę Yosh*tomo Nara w londyńskiej Hay...
17/09/2025

Exhibition Notes #01 — Yosh*tomo Nara w Hayward Gallery

Tego lata odwiedziliśmy wystawę Yosh*tomo Nara w londyńskiej Hayward Gallery.

Świat Nary zamieszkują postacie pozornie niewinne – dziecięce, szeroko otwarte oczy, ale podszyte gniewem, kruchością i buntem. Jego obrazy wyrastają z powojennej japońskiej popkultury, a jednocześnie dotykają uniwersalnych stanów: osamotnienia, wrażliwości, cichego oporu.

Najmocniej zapadła nam w pamięć intymność skali: drobne rysunki i szkice, pokazane w brutalistycznym kontekście Southbank Centre, działały jak prywatne notatki pozostawione w przestrzeni – zarazem konfrontacyjne i czułe.

Exhibition Notes to nasz nowy cykl – dzielimy się tym, co zobaczyliśmy, co nas poruszyło i dlaczego.



Exhibition Notes #01 — Yosh*tomo Nara at Hayward Gallery

This summer, we visited Yosh*tomo Nara at London’s Hayward Gallery.

Nara’s world is populated by disarming figures – wide-eyed children, seemingly innocent yet charged with anger, fragility and defiance. His imagery draws on postwar Japanese pop culture, but also taps into universal states of alienation, vulnerability and quiet resistance.

What lingered most for us was the intimacy of scale: small drawings shown against the brutalist backdrop of the Southbank Centre felt like personal notes left behind – both confrontational and tender.

Exhibition Notes is our ongoing series – sharing what we’ve seen, what resonated, and why.
gallery

Emily Kame Kngwarreye to wyjątkowa artystka w historii australijskiej sztuki współczesnej. Przez większość życia zajmowa...
05/05/2025

Emily Kame Kngwarreye to wyjątkowa artystka w historii australijskiej sztuki współczesnej. Przez większość życia zajmowała się tradycyjnym życiem społeczności: hodowlą bydła, zbieraniem roślin, uczestnictwem w ceremoniach. Sztuką zajęła się dopiero w bardzo późnym wieku — zaczęła malować profesjonalnie, gdy miała ponad 70 lat.

Choć zaczęła późno, stworzyła imponujący dorobek – w ciągu ośmiu lat namalowała ponad trzy tysiące prac. Jej obrazy powstawały z głębokiego związku z ziemią, duchowością Aborygenów oraz opowieściami przodków, które w kulturze jej ludu nazywane są „Dreamtime”. Motywy w jej dziełach nie są realistyczne — są symboliczne. Przedstawiają rytmy natury, cykle życia, rośliny (szczególnie jam – dziką roślinę korzenną), ścieżki duchowe.

Jej technika była unikalna. Używała kropek, linii, gestów i warstw koloru, by wyrazić niewidzialne połączenia między człowiekiem, ziemią i czasem. Jej obrazy są jednocześnie abstrakcyjne i głęboko zakorzenione w tradycji. Nie malowała dla sztuki samej w sobie — malowała, by opowiadać historię swojej ziemi, by przekazać to, co niewyrażalne słowami.

Zmarła w 1996 roku, ale jej twórczość jest wciąż obecna w najważniejszych muzeach i kolekcjach sztuki na całym świecie. Dziś uważana jest za jedną z najwybitniejszych artystek współczesnych, a jej prace to nie tylko dzieła sztuki — to świadectwo życia, duchowości i głębokiej więzi z naturą.

Wystawa poświęcona Emily Kame Kngwarreye odbędzie się w w Londynie w dniach od 10 lipca 2025 roku do 11 stycznia 2026 roku. Będzie to pierwsza duża europejska prezentacja jej twórczości, obejmująca ponad 70 prac, w tym wiele nigdy wcześniej niepokazywanych poza Australią.

Artwork House, 2025
Be a work in progress

Twórczość Krzysztofa Grzybacza to nieustanne poszukiwanie nowych środków wyrazu, eksploracja formy i koloru oraz próba u...
05/04/2025

Twórczość Krzysztofa Grzybacza to nieustanne poszukiwanie nowych środków wyrazu, eksploracja formy i koloru oraz próba uchwycenia tego, co ulotne. Jego prace są silnie związane z emocjami, osobistymi doświadczeniami oraz otaczającą rzeczywistością, choć nigdy nie przedstawiają jej w sposób dosłowny.

Jednym z kluczowych źródeł inspiracji dla Grzybacza jest natura. Nie chodzi tu jednak o wierne odwzorowanie krajobrazów czy flory, lecz o uchwycenie ich esencji, rytmu i dynamiki. Jego obrazy często nawiązują do organicznych kształtów, swobodnego przepływu barw oraz kontrastów, które można odnaleźć w świecie przyrody.

Równie istotnym aspektem jego sztuki jest emocjonalność. Artysta wykorzystuje barwy i fakturę, aby oddać nastrój i napięcie danej chwili. W jego pracach można dostrzec zarówno harmonię, jak i chaos – elementy te przenikają się, tworząc kompozycje pełne ekspresji.

Pod względem technicznym Grzybacz nie ogranicza się do jednej metody. Stosuje zarówno farby olejne, jak i akrylowe, często łącząc różne techniki, co pozwala mu na eksperymentowanie z fakturą i strukturą obrazu. Dzięki temu jego prace nabierają wielowymiarowości i intensywności, angażując odbiorcę nie tylko wizualnie, ale i emocjonalnie.

W centrum jego twórczości znajduje się także człowiek – niekoniecznie w dosłownym przedstawieniu, lecz jako istota odczuwająca, interpretująca świat na swój własny sposób. Obrazy Grzybacza pozostawiają widzowi przestrzeń do refleksji, nie narzucając jednej interpretacji.

Malarstwo Grzybacza to więcej niż zbiór barw i form – to przestrzeń, w której widz konfrontuje się z własnymi emocjami i doświadczeniami. Jego obrazy nie dają gotowych odpowiedzi, lecz prowokują pytania, każąc zatrzymać się choć na chwilę i dostrzec to, co na co dzień umyka.

Artwork House, 2025
Be a work in progress



La Biennale di VeneziaPoczątek Nowego Roku skłania do podsumowań. To dobra okazja by wspomnieć naszą listopadową wyciecz...
05/01/2025

La Biennale di Venezia

Początek Nowego Roku skłania do podsumowań. To dobra okazja by wspomnieć naszą listopadową wycieczkę na Biennale Sztuki w Wenecji, zatytułowane “Foreigners Everywhere” (Obcy wszędzie), które przemówiło głosem tych, którzy zbyt często są niewidzialni. Pod kuratelą Adriano Pedrosy Główny Pawilon stał się opowieścią z Globalnego Południa i społeczności rdzennych. Była to przestrzeń, gdzie sztuka splatała się z ludzkimi historiami, a rzeźby, instalacje i multimedia wciągały w dialog o tożsamości, migracji i tęsknocie za przynależnością.

Na tym tle Pawilon Australii, reprezentowany przez Archiego Moore’a, błyszczał. Jego instalacja “kith and kin” była jak poemat wyryty na czarnych ścianach kredą. Olbrzymie drzewo genealogiczne, sięgające 65 000 lat wstecz, opowiadało historię rdzennych kultur Kamilaroi i Bigambul. To nie była tylko sztuka – to było wezwanie do pamięci i hołd dla zapomnianych przodków. Jury dostrzegło w tej pracy coś głębszego – ciszę, w której brzmiały echa utraconych historii.

Nie tylko Australia oczarowała Wenecję. Niemiecki pawilon, z jego domem symbolizującym most między przeszłością a przyszłością, dotykał tematu migracji z delikatnością osobistego listu. Holandia przypomniała o bliznach kolonializmu, używając rzeźb z kakao i oleju palmowego – świadków kradzionej ziemi i wyzyskiwanej pracy. Polska przemówiła głosem uchodźców wojennych, Japonia zaś, w swym dialogu między naturą a technologią, zapraszała do zadumy nad harmonią w świecie pełnym kontrastów.

Biennale Sztuki 2024 nie było jedynie wystawą – było spotkaniem. Sztuka przemówiła językiem różnorodności, rozpościerając przed widzami mapę pełną przeszłości i przyszłości. To nie tylko obrazy i formy, ale także mosty – zbudowane z emocji, historii i wspólnej nadziei na lepszy świat.

W Wenecji sztuka nie tylko zachwycała, ale przypominała, że nawet w chaosie współczesności możemy odnaleźć siebie nawzajem.

Artwork House, 2025
Be a work in progress

“Nie chcę, żeby mój ból i mój strach przed chorobą skostniały w kolejnym milczeniu ani żeby obrabowały mnie z siły, któr...
28/11/2024

“Nie chcę, żeby mój ból i mój strach przed chorobą skostniały w kolejnym milczeniu ani żeby obrabowały mnie z siły, którą można odnaleźć w centrum tego doświadczenia, o ile uzna się je otwarcie i podda badaniu…” Audre Lorde

“Obecność ciała to uwalnianie tego, co spychamy w głąb siebie”, idąc za słowami artystki, podążamy za postacią z obrazu. Wypływa z cieni i półcieni, otoczona zdecydowanym kolorem i pociągnięciem pędzla. Swoją intensywnością nasuwają pytanie o bliskość tego, co w nas najbardziej ukryte. O świadomość kruchej i przypadkowej natury człowieczeństwa. Obrazy są do tego dialogu otwartą formą, nie ma tu przeszkód między abstrakcją, a improwizacją i kontrolą.

Płótno jest dla Gajewskiej ucieleśnieniem materializacji języka. Kompostując warstwy i materiały na obrazach szuka swojego prawdziwego słownictwa. Ten proces to dokument głębokiej miłości do życia, eksplorujący jednocześnie uczucie niesprawiedliwości, izolacji, samotności i straty. “Kruchość ciała, ulotność, ból i radość, a przede wszystkim niewypowiedziane słowa, które grzęzną w zakamarkach codzienności, słowa, na które nie ma miejsca na poligonie życia – to kanwa moich obrazów”.

Artystka pracuje bez reguł. Interesuje ją pewna surowość, eksperyment w zakresie materiałów i form, i to, jak duży obraz może stworzyć fizyczne doświadczenie. Eksploruje wątki tematyczne, otaczające fizyczność, tożsamość i miejsce, używa symboli i metafor, które najlepiej wyrażają osobiste narracje. Znak po znaku, słowo po słowie, gest po geście. Ucieleśnia przeżycia i momenty każdego dnia. Wspomnienia są animowane warstwami mediów, takich jak akryl, olej, emalia i farba w sprayu, a często obejmują kolaże znalezionych przedmiotów.

Wykorzystanie ciała do opowiadania historii i malowanie rękami, nasuwa skojarzenia lowenowskich technik przelewania emocji z ciała na obraz. Kiedy Gajewska myśli o malarstwie, przekształca słowa i uczucia w energię. Opróżnia umysł na płótnie. Przekształca kolor i nieustannie rozpuszcza się w niekończącą się zagadkę.

Najbliższa wystawa artystki “A SONG OF LOVE” otwiera się 29.11.2024 w Centrum Kultury Praga-Południe, Warszawa

Adres

Sarmacka 11
Warsaw
02-972

Strona Internetowa

Ostrzeżenia

Bądź na bieżąco i daj nam wysłać e-mail, gdy Artwork.House umieści wiadomości i promocje. Twój adres e-mail nie zostanie wykorzystany do żadnego innego celu i możesz zrezygnować z subskrypcji w dowolnym momencie.

Skontaktuj Się Z Firmę

Wyślij wiadomość do Artwork.House:

Udostępnij

Kategoria