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Cinensayo, Lima (2026)

27/04/2026

A LOS 82 AÑOS FALLECIÓ EL ARGENTINO ADOLFO ARISTARAÍN, DIRECTOR DE CLÁSICOS IBEROAMERICANOS COMO "MARTÍN (HACHE)" 😢🇦🇷

Desde su niñez tuvo una desbordada pasión por la literatura gracias a escritores que iban desde Emilio Salgari hasta Robert Louis Stevenson. De aquella experiencia, pronto comenzó a alucinar aquellos relatos en imágenes al comenzar a trabajar como asistente de producción en la industria cinematográfica argentina mientras terminaba la secundaria.

Su pacto se selló tras culminar sus estudios y partir a Rio de Janeiro, donde a través del oficio de montajista confirmó su amor por el cine. Más tarde y con una vida entre Buenos Aires y Madrid, ciudad esta última donde fue asistente de directores como Mario Camus y Vicente Aranda, y hasta del italiano Sergio Leone, adquirió lecciones invalorables. "Llegas a un punto que trabajas en tantas películas, en script o ayudante de dirección, que tu laburo es decirle al director cuáles planos le faltaría o cuales sobran. Con lo cual estás haciendo permanente puesta en escena y filmando sin ninguna responsabilidad al mismo tiempo que el director", reflexionaba sobre aquella etapa, que tuvo como colofón su debut en el largo con "La parte del León" (1978), thriller salpicado con muchas dosis de realidad social al mostrar las desventuras de un hombre sin oportunidades, cuya vida cambia de golpe al descubrir el botín de un robo a un banco: https://youtu.be/a6XOYeHllLs?si=4QFXd7uOBcEaj9Ip

Luego, dejó por un momento su naciente vena autoral para dirigir por encargo en 1980 un par de vehículos descaradamente comerciales: "La playa del amor": https://youtu.be/VUvQa59P-Fs?si=dlbluD_0TL5N5XYq y "La discoteca del amor", siendo ambas comedias ligeras y con números musicales a cargo de estrellas como José Luis Perales y Camilo Sesto, teniendo como curiosidad el ser protagonizadas por un muy joven .

Aristaraín no tardó en reconectarse con influencias fundamentales que lo marcaban como y al realizar 2 formidables cintas con evidente referencia al cine negro americano: "Tiempo de revancha" (1981): https://youtu.be/f6fIawRcRxs?si=u5XzKJMJvNF_DCJP y "Los últimos días de la víctima" (1982), siendo ambas recurrentes en su visión cruda de la vida del ciudadano de a pie que se ve forzado a pasar al lado de la criminalidad para hacerse justicia ante una sociedad castrante e indiferente, además de hacer sutiles alusiones a la dictadura militar de aquellos años y que aún ejercía una celosa censura en todos los procesos de producción.

Una nueva estancia en España lo llevó a asumir uno de sus más gratos encargos al ser convocado por la cadena TVE para dirigir (y con absoluta libertad) la mini serie "Las aventuras de Pepe Carvalho" (1986): https://youtu.be/76YvmJ5ERgo?si=NfQhbWrcZKsWlNol, policial basado en la pluma del escritor Manuel Vásquez Montalbán, y que en la piel de como protagonista (un cínico y desfachatado detective privado) dejó en claro a lo largo de 8 episodios que el director no renunciaba al cine ni siquiera cuando hacía televisión.

Posterior a ello vendrían 2 de sus obras más importantes y protagonizadas magistralmente por Federico Luppi y : la entrañable "Un lugar en el mundo" (1992):
https://youtu.be/x_8_JObUGjQ?si=sBBvezAX2jj0OeDQ, con 2 idealistas que decepcionados por la terrenal existencia en la capital se autoexilian en la provincia para compenetrarse con los descastados de la sociedad, y "Martin (Hache)" (1997): https://youtu.be/_zbRmfQksjA?si=pEONE5xD75G_VirR, con los dilemas existenciales de un joven (Juan Diego Botto), forzado a irse a Madrid para intentar forjarse un camino al lado de un padre cineasta que no lo termina de entender, siendo un drama de personajes que nos dejó más de un inspirado diálogo.

Sobre la primera, tuvo un amargo sabor de boca en su intento de llegar al Oscar. Debido a conflictos con parte del personal técnico durante el rodaje, la Academia argentina no la seleccionó como opción de ese país a Mejor Película Extranjera pese a ser ganadora en el Donostia Zinemaldia - Festival de San Sebastián y optó por "El lado oscuro del corazón" de Elíseo Subiela, que no llegó ni siquiera al lote de las pre nominadas. "Un lugar en el mundo", consiguió la nominación como selección de Uruguay (país coproductor junto a España), pero luego la Academia de Hollywood consideró que la película no cumplía todos los requisitos requeridos para ello y la retiró de la terna.

Tras aquel duro episodio, Aristaraín retomó su trabajo con 2 dramas que cerraban el camino trazado por "Martín (Hache)" como crónicas del desencanto y del final de la inocencia de los ideales frente a la realidad tirana con "Lugares comunes" (2002): https://youtu.be/hGmdvkFNTKU?si=rhPUcsx6f3CVZPTb y "Roma" (2004): https://youtu.be/Jh_LZ3Ol8tY?si=EUxyNAwWkSwW5dMM (no confundir con el filme del mexicano ).

En adelante, el director, que nunca se declaró retirado del cine, ya no volvió a filmar por temas de salud y problemas para conseguir financiamiento para sus nuevos proyectos, además de negarse a asumir encargos qué no lo motivaban en absoluto.

Ayer, 26 de abril, partio a los 82 años por causas naturales. Defensor del cine argentino dentro y fuera de los sets, tenía un particular encono contra el presidente Javier Milei por su prédica "libertaria" que ha privado al cine de su país de fondos que le impiden seguir sosteniendo su perfil como potencia cinematográfica mundial. Nos quedan las películas de este director, que son en sí mismas una memoria imperecedera.

QEPD

17/03/2026

ECOS DEL OSCAR 2026 Y NUESTRA AVENTURA EN VIVO

Por: Sayo Hurtado 🤓

Finalmente, la temporada llegó a su fin y la pudimos coronar comentando la ceremonia del Oscar 2026 en vivo gracias a la convocatoria del diario La República para su canal de streaming y junto a colegas como Maga Valverde de y Lucho Zúñiga de Cine O'culto. En el resumen de aquella jornada, en la que estaba cantado el triunfo de "Una batalla tras otra" de en las categorías principales, no dejó de llamar la atención el hecho de que una película con vocación incendiaria como esta consiguiera llegar tan lejos en los ánimos de una Academia de Hollywood que un año puede apostar por lo innovador y autoral y, otro, decantarse por lo más abiertamente comercial.

De sus 6 óscares, solo cuestionaría el otorgado a como Mejor Actor Secundario, no por que haya hecho un mal trabajo o le falten recursos (de hecho, me parece un extraordinario intérprete), pero el derrotero de su militarizado personaje -caricaturizado hasta el límite- me dejaba menos sensaciones que la brutal interpretación de en esa misma peli (pocos minutos y de oro), y hasta la exquisita introspección de un como un director incomprendido en "Sentimental Value".

La otra ganadora, "Sinners", con una fábula que maridaba el ambiente de los años 30 de una comunidad afroamericana en el sur de EEUU junto a una tradición vampírica, no deja de ser curioso por ser un plot más afín a obras más logradas de otros artesanos del terror como y cuyo registro de cero nominaciones en la historia del Oscar contrasta con las 16 de esta producción que la Academia se esfuerza por convertir a la fuerza en un nuevo clásico. Pese a sus 4 estatuillas, seré duro en afirmar como lo dije en vivo: "es un pan con queso que se vende a 100 soles".

Sin objeción alguna por los merecimientos alcanzados a Mejor Actriz para Jessie Buckley por "Hamnet" o Mejor Secundaria para Amy Madigan por "Weapons", el premio a Mejor Actor si me dejó un sinsabor por el brasileño , cuya performance en "El agente secreto", toda una oda a la sutileza de un personaje perseguido por una dictadura militar, fue postergado por un de "Sinners" al representar los intereses de una Academia que rápidamente le bajó el dedo a un ́echalamet, empeñado en autofunarse desde las redes sociales para que su "Marty Supreme" pase pronto al olvido.

Esta vez la alegría no fue brasileña, ya que en la terna de Mejor Película Internacional, "El agente secreto", amplia favorita por ser un homenaje a los géneros e incluso dejar más de un apunte al "Tiburón" de , quedó de lado con el sorpresivo triunfo de la noruega "Sentimental Value", un drama cuya visión intimista desde el cine mismo la dejó con las manos vacías, pero que no dejaba de sentirse inferior a la película anterior del director Joachim Trier, "La peor persona del mundo".

Por supuesto, la carga política del triunfo de "Una batalla tras otra" y sus innegables paralelismos por el espíritu de la supremacía blanca de la era Trump no se hizo sentir mayormente, ni siquiera en los discursos de un Paul Thomas Anderson más acostumbrado a dejar las interpretaciones al espectador desde su propia obra. No fue una ceremonia que quede en la historia, tal vez por ser un año ausente de obras descollantes, pero si marcada por hechos curiosos como un doble triunfo en una categoría -algo que jamás había ocurrido en la historia de la Academia-, en este caso con Mejor Cortometraje de Ficción con "The Singers" y "Two People Exchanging Saliva", además de presentar el clásico "In Memoriam" con un formato ampliado (pero que no se libró de omisiones graves al excluir a ).

Solo queda ver que no depara el 2026 en esta nueva ruta y esperando repetir este en vivo con la gentil audiencia.

*Oscar 2026: https://www.youtube.com/live/PUkFNpkX1Sc

́blica

20/02/2026

EN MEDIO DE LA CRISIS POLÍTICA, RECORDEMOS A MARIO MORENO "CANTINFLAS" EN UNA INOLVIDABLE ESCENA DE "SU EXCELENCIA". 🤠 😹 🤣

Dentro de la vasta filmografía de este mexicanísimo comediante, él tuvo oportunidad para realizar una jocosa inmersión en el quehacer político, al que apuntó con una agudeza tal, que su visión sigue teniendo correspondencia con los tiempos contemporáneos. En "Su excelencia" (1967) y dirigido nuevamente por su cineasta de cabecera, Miguel M. Delgado, "Cantinflas" caracteriza a "Lopitos", un modesto asistente del personal diplomático de la embajada de la imaginaria república latinoamericana de Los Cocos destacado en la nación europea de Pepeslavia.

El momento cumbre de la película se da durante una cena de gala, cuando sucesivos golpes de estado en Los Cocos, hacen desfilar en pocos minutos a varios presidentes y con cada uno llega el designio de un nuevo embajador que va rotando entre los comensales invitados. Aunque la figura ironizaba a los regímenes militares de antaño propios de repúblicas bananeras del tercer mundo, el momento actual de nuestro país, con 8 presidentes que han pasado por el cargo en solo 10 años, nos da una idea de como la ficción deja de ser tan caricaturesca ante una realidad malsana que la supera por mucho.

Revivamos esta escena -ahora, nada extraña- con el ascenso a la presidencia de José María Balcázar y el mar de incógnitas que se ciernen sobre nuestro país en este momento.

́

17/02/2026

ROBERT DUVALL, EL ACTOR CEREBRAL, PARTIÓ A LA Eternidad 😢

Tenía un don extraordinario para equilibrar su energía ante las cámaras. Podía ser calmo y reposado hasta el colmo de la parsimonia cuando lo quería, nostálgico y melancólico para ganarse el corazón del público o calculador y diabólico si se lo proponía. "Era terrible en todo, excepto en la actuación: apenas podía terminar la escuela", solía decir él de este oficio que relució por encima de una vida dedicada a la fe cristiana en el hogar familiar, su formación militar y sus vanos intentos por ganarse la vida como burócrata.

De la escena teatral independiente en Nueva York -donde brilló hasta extasiar al público- saltó a la televisión en memorables shows de la época como "Alfred Hitchcock presenta", "Los Intocables", "la Dimensión Desconocida", "El fugitivo" y "Combate". Pero fue en el cine donde dejó su imperturbable huella en papeles pequeños o grandes.

Fue el enajenado Boo Radley en "Matar a un ruiseñor" (1962), el pusilánime Edwin Chase de "La jauria humana" (1966) o el sereno chofer del policial "Bullitt" (1968). En ninguna de ellas desencajó gracias a un perfil que más allá de su registro, transmitía seguridad en cada personaje. Pasó por la parodia militar de "M*A*S*H* (1970) y el debut en largo de con "THX 1138" antes de sellar su pacto con para asumir el que sería su papel más arquetípico como el "consigliori" Tom Hagen en "El Padrino" (1972), su interpretación más cerebral y en la que encarnó a la perfección a un abogado brillante y con una moral por encima de la corrupción y el crimen y consagrada a proteger al círculo familiar que lo acogió.

Con Coppola reincidió en "El Padrino II" (1974) y saltó luego a la caracterización que sacaría su lado más salvaje como el coronel Kilgore de "Apocalipsis ahora" (1979). En el camino, otros roles brillantes se acumularon como los del asaltabancos de "The Outfit" (1973), el del desmedido Frank Hackett de "Network" (1976), el inflexible militar de "El Gran Santini" (1979) o el alcoholizado vaquero de "Tender Mercies" (1983), por el que -por fin- se llevó el Oscar.

En los años siguientes fuimos testigos de como desde su rol de secundario podía levantar películas con su peso escénico como en "The Natural" (1984) o "Colors" (1988) o robarle el show a en un descarado vehículo comercial como "Días de trueno" (1990). Su vasta experiencia lo llevó a dirigir y protagonizar con mano firme "El apóstol" (1997) y a seguir luciéndose en producciones industriales como "Impacto profundo" (1998), dramas legales como "Civil Action" (1998), westerns serenos como "Open Range" (2003) o sumarse a un drama desgarrador como "Crazy Heart" (2009).

No da el espacio para detenerse en cada lugar al que elevó con su trabajo. Podía estar en una Obra Maestra, una película independiente o una producción discreta, pero su presencia jamás pasaba desapercibida desde esa mirada de viejo entrañable ansioso de transmitirnos el peso de toda su experiencia. Nunca sabremos que hubiera pasado de haber estado en "El Padrino III" (1990) cuando los números no cuadraron decentemente a su favor. Lo que si nos consta en que con su partida por un ma***to cáncer, se fue a los 95 años uno de los mejores actores de la historia de Hollywood y sobreviviente de una época dorada en la que no hacía falta inventar actores de fuste o inflar trayectorias por capricho de la industria.

*Retrospectiva de Robert Duvall: https://www.imdb.com/video/vi4130980633/?playlistId=nm0000380&ref_=nm_ov_pr_ov_vi

QEPD

12/02/2026

ADIÓS A JAMES VAN DER BEEK, EL RECORDADO PROTAGONISTA DE LA SERIE "DAWSON'S CREEK"

Natural de Cheshire, Connecticut, donde nació en 1977, desde pequeño tuvo mucha inquietud por los deportes como el béisbol, fútbol americano y el atletismo. Una lesión a los 13 años hizo que sus intereses variaran hacia los talleres de teatro escolar, donde consiguió una memorable interpretación del personaje de Danny Zuko en el musical "Grease". A los 15, ya estaba convencido que lo suyo era la actuación y le pidió a su madre que lo llevara a Nueva York a conseguir un agente.

Desde 1993 se hizo un lugar en el cine y la tv, pero en papeles minúsculos que apenas le daban exposición. Ocupó ese lugar a lo largo de 5 años, hasta que pasó a encabezar el elenco del drama adolescente "Dawson's Creek" en 1998, sobre la vida de un escolar que sueña ser un director de cine como , quien vive sus delirios en voz alta, debatiéndose entre el amor de sus amigas Joey ( ) y Jen ( ), y teniendo como compinche a su incorrecto amigo Pacey (Joshua Jackson): https://youtu.be/izpNuTxGIrM?si=u8-fOJ1ERVhJHnQE

A lo largo de sus 6 temporadas, mientras el chico, noble pero virginal, maduraba mientras hacía gala de un discernimiento nada común para un chico de su edad, su historia tuvo un fuerte sello generacional, como si se tratara de una nueva versión del juvenil cómic "Archie". Expuesto como una nueva estrella juvenil, su trayectoria se resume a un grupo de películas que realizó en paralelo al popular show como el drama deportivo "Varsity Blues" (1999) -además de figurar en el videoclip de la banda Colective Soul con "Run", tema principal de la película-, un cameo en la paródica "Scary Movie" (2000), un protagónico en el western "Texas Rangers" (2001) y otro en la comedia negra "The Rules of the Attraction" (2002), escrita por el novelista Brett Easton Ellis y dirigida por Roger Avary, alguna vez coguionista de .

A pesar que James intentó cambiar la candorosa imagen que el personaje de Dawson Leary dejó en él, el público difícilmente lo podía asimilar en otra faceta. Aunque pasada la efervescencia juvenil, su perfil no trascendió en el cine, en la tv encontró lugar en series como "Criminal Minds", "Ugly Betty", en la franquicia de "Law & Order", "How I Met Your Mother" y en "CSI: Cyber", aunque sin el fulgor del pasado.

Casado desde 2010 con Kimberly Brook, con quien tuvo 6 hijos, en 2024 anunció desde su cuenta de IG que padecía de cáncer colorrectal, lucha dramática que terminó ayer 11 de febrero a los 48 años, cuando su esposa colgó un post con el siguiente mensaje: "Nuestro querido James David Van Der Beek falleció en paz esta mañana. Enfrentó sus últimos días con valentía, fe y gracia. Hay mucho que compartir sobre sus deseos, su amor por la humanidad y la sacralidad del tiempo. Esos días llegarán. Por ahora, pedimos privacidad y paz mientras lloramos a nuestro amado esposo, padre, hijo, hermano y amigo".

QEPD

09/02/2026

¿QUÉ FUE DE JUDITH LIGHT, LA RECORDADA ANGELA BOWER DE LA SERIE "QUIÉN MANDA A QUIÉN"?

Para quienes la recuerdan por encabezar el elenco de la sitcom "¿Quién manda a quién?" ("Who's the Boss?") junto a , tal vez piensen que toda su trayectoria se reduce a ello, pero no es así. Nacida en New Jersey el 9 de febrero de 1949, fue impulsada desde niña a la actuación gracias a su madre, la modelo Pearl Sue. Licenciada en artes dramáticas en la Universidad Carnegie Mellon, su debut se dio en la cartelera teatral de Broadway desde mediados de los 70.

Cuando en 1977 le ofrecieron sumarse a la longeva serie dramática "One Life to Live" de la ABC, la idea no le entusiasmó demasiado al considerarlo un proyecto muy comercial y lejos de sus pretensiones actorales. Sin embargo, seducida por una buena oferta económica, le encontró gusto a su personaje de Karen Wolek, a tal punto que se convirtió en uno de los más recordados en la historia de la tv estadounidense y le abrió el camino para ganar el premio Emmy: https://youtu.be/0eCIAe4hLeU

Con semejante impulso, se paseó por otros populares shows como "St. Elsewhere", "Family Ties" y "Re*****on Steele", eso hasta que en 1984 le llegó la gran oferta para estelarizar la nueva comedia "¿Quién manda a quién?", sobre una ejecutiva de publicidad divorciada y con un hijo pequeño, quien contrata a un ítalo-americano como "amo de llaves" para hacerse cargo de su hogar: https://youtu.be/zkD9wzrrhiA?list=RDzkD9wzrrhiA

La serie tuvo un extraordinario éxito no solo en Norteamérica, trascendiendo al resto del mundo hasta convertirse en todo un hito de la tv por 8 temporadas hasta 1992. Cosa extraña, la década de los 90 en lugar de reservarle grandes oportunidades en el cine, la vio refugiarse cada vez más en la televisión, donde protagonizó telefilmes volcados al suspenso como "Wife, Mother, Muderer" (1991) o "Lady Killer" (1995).

La entrada al nuevo milenio la llevó de vuelta la escena teatral de Broadway con la obra "Wit" (2000), ganando por 2 años consecutivos el premio Tony por su trabajo en los montajes de "Other Desert Cities" (2012) y "The Assembled Parties" (2013). En la tv, su imagen siguió vigente con el papel de la alcohólica Claire Meade en "Ugly Betty" (2006-2010) -por el que fue nominada al Emmy-, su aparición recurrente en el policial "la Ley y el Orden: Unidad de Víctimas Especiales" (2022-2010) y por su sorprendente éxito al ganar el Emmy a Mejor Actriz Invitada en serie de comedia por "Poker Faces" en 2023.

Aunque su trayectoria en el cine ha sido dilatada, hemos podido verla en secundarios en el musical "Tick, Tick... Boom!" (2021) y en la comedia negra "The Menu" (2022). En otras facetas fuera de la actuación, Light es una ardorosa defensora de los derechos de la comunidad LGTB y fue un gran soporte emocional para el actor Danny Pintauro, quien hacía de su pequeño hijo en "¿Quién manda a quién?" y tuvo muchos problemas para animarse a revelar su condición sexual. En esa lucha, Judith se unió a otras celebridades como Cyndi Lauper, Whoopi Goldberg, Elton John y Kim Kardashian.

Nada mal a sus 77 años para esta estrella que se niega a pasar al olvido.

¡Feliz cumpleaños, !

06/02/2026

RECORDANDO A "SANTO, EL ENMASCARADO DE PLATA" 🤠🇲🇽

De ídolo de la lucha libre pasó a ser el primer superhéroe mexicano gracias a las 52 películas que rodó entre 1958 y 1982. Su fama trascendió de su terruño a todo el continente y más allá, llegando incluso a España, Turquía y Líbano.

Su verdadero nombre era Rodolfo Guzmán Huerta. Cuando su vocación por el canto fracasó, se orientó al jiu-jitsu y la lucha grecorromana, hasta hacerse lugar en la escena de la lucha libre en la Ciudad de México como "Santo, el enmascarado de plata". A pesar de sus limitaciones actorales, no le costó mucho pasar de ser un ídolo popular desde los cómics hasta la pantalla grande.
Junto a otros géneros populares como el cine de "ficheras" -que juntaba a cómicos y vedettes-, el cine de luchadores pasó a llenar las salas de manera apoteósica y a instaurar una tradición para diversos exponentes como "Blue Demon", "Mil Máscaras", "Zobek", "Rayo de Jalisco", "Tinieblas", "Octagón" y muchos más.

Aunque muchos puristas ven ese cine por encima del hombro, que a nadie le quepa duda que sus filmes son todo un paradigma del gusto popular. A 41 años de su desaparición, aquí un reel que resume la carrera de este entrañable personaje.

04/02/2026

[CRÍTICA: “AYUDA” DE SAM RAIMI] 😱😨😵‍💫😵

Por: Sayo Hurtado 🤓

Director de larga trayectoria en Hollywood, Sam Raimi ha madurado una experiencia en la que su pasión por el gore y lo viscoso se hizo patente en la trilogía que inició con “The Evil Dead” (1981), para dar paso a su versión del anti-héroe como en “Darkman” (1990), incursiones delirantes en el western con “The Quick and the Dead” (1995), logradas reiteraciones en el terror y suspenso con “The Gift” (2000) y “Drag Me to Hell” (2008) y su mirada hacia el cómic entre lo bufo y siniestro con la franquicia de “Spider-Man” (2002).

Siendo un cineasta marcado hondamente por la huella de los 80 y 90, a diferencia de muchos otros colegas de su generación que no han podido sobrevivir en el nuevo milenio, su visión se ha adaptado al paso del tiempo sin acusar desgaste y sin renunciar a su pacto con el mundo de lo escalofriante al que no deja de rendir pleitesía. “Ayuda” (título que no podría sonar más simplón en castellano) es la confirmación de todo ello, siendo una fábula en la que también hace gala de su buen timing para la comedia de situaciones, pero en la que escapa a los facilismos y lugares comunes de las referencias televisivas para emparentar su espíritu bufonesco y sarcástico con lo oscuro y retorcido.

La trama parte como una sitcom de oficina, donde la brillante y esforzada Linda Liddle ( ) se ve impedida de ascender en la millonaria compañía donde labora hace años por su perfil “geek”, que es la contradicción de su nuevo gerente: el cínico y maltratador Bradley Preston (Dylan O’Brien), quién asqueado de la apariencia nada glamurosa de la muchacha y distante de ella por sus hábitos de vida de riquillo, la convierte en objeto de un cruel bullying entre el resto de Homo Sapiens de la empresa. Un viaje a Bangkok con todo el staff de ejecutivos trae algo de justicia divina: el avión se estrella en el mar a orillas de una paradisíaca isla, quedando solo Linda –quien saca a relucir sus habilidades para la supervivencia como aspirante eterna al reality “Survivor”- y su maltratado jefe, quien no tiene más remedio que cambiar su sentimiento despreciativo hacia ella y concederle –por conveniencia- el liderazgo para no morir de hambre y sed.

Hasta aquí, esta podría ser una historia que encuentra raíces en el Hollywood clásico gracias a tantos filmes sobre parejas opuestas que se atraen y que van desde “Sucedió una noche” (1934) de Frank Capra hasta “Sabrina” (1954) de Billy Wilder, aunque siendo justos, la trama haga más alusión directa a la italiana “Swept Away” (1974) de Lina Wertmuller, donde un rústico pescador (Giancarlo Gianini) y una insoportable millonaria (Mariangela Melato) acaban de náufragos en una paradisíaca isla y ceden sus diferencias de clase ante el despertar de un salvaje amor.

En “Ayuda”, esa idea es solo una careta que flota en el mar de deseos de la protagonista, dominada por fantasías continuas que no se concretan. El impulso aparente de elementos de la comedia romántica se va desdibujando conforme Raimi empieza a insinuar una dimensión perversa no solo en la figura del empresario sin escrúpulos que es Bradley, sino incluso al trasladar esa condición a una “inocente” Linda que es dominada por una perturbada psiquis que la aleja de esa imagen de inocencia que proyecta engañosamente. En medio de ese juego de apariencias, la narración va creciendo y haciéndoos conscientes que, entre aquellos dos polos de maldad e insania, el conflicto real comienza a manifestarse a través de detalles chocantes y sanguinolentos, hasta estallar por completo con todo el fulgor por el gore que tanto celebra su director.

Sin las coartadas intelectuales que caracterizan a producciones como “El triángulo de la tristeza” de Ruben Östlund o la desgastada propuesta de M Night Shyamalan en “Old”, Sam Raimi escarba en su propio universo para hacer de “Ayuda” un balance adecuado y sin falsas expectativas entre el terror y la comedia en un contexto adaptado a los nuevos tiempos que, sin ser un portento, cumple con su cometido de ser un producto original y entretenido por encima del promedio habitual de la cartelera. Los seguidores de su trayectoria no podrán dejar de reconocer en el desenlace la huella sangrienta de “The Evil Dead”.

No deja de ser sorprendente el cómo Rachel McAdams a sus 47 años y lejos del candor de comedias románticas que la identificaban como en “Diario de una pasión” (2004), le da una vuelta de tuerca a esa imagen y se pone en el horizonte de un actor emergente como Dylan O’Brien de tan solo 34 sin desentonar siquiera por la diferencia de edad, moldeándose como un camaleón ante un reto en el que su versatilidad sale a relucir.

Tráiler: https://youtu.be/5fYFeHNPSpM

29/01/2026

¡ESTUVIMOS EN EL AVANT PREMIERE DE "KILLAPA WAWAN", LA ÚLTIMA PELÍCULA DE MAGALY SOLIER!

La actriz peruana más internacional es parte del elenco de esta producción hablada íntegramente en quechua. La trama trata sobre Killari, de 13 años, quien es elegida por el espíritu de los dioses tutelares como una danzante de tijeras. Su madre, Agucha, se opone; sin embargo, Remigio, su abuelo, encuentra esperanza en el interés de Killari por esta tradición y decide enseñarle los secretos de la “Danza de las Tijeras”.

La película se estrena hoy a nivel nacional y aquí les compartimos un reel con lo que fue la Alfombra Roja de esta producción dirigida por , realizador de la recordada "Willaq Pirqa!

Tráiler: https://youtu.be/_eqktxuvJ0g

26/01/2026

[CRÍTICA: “MARTY SUPREME” DE JOSH SAFDIE]

Por: Sayo Hurtado 🤓

Después de triunfos notables en el circuito indie con “Good Time” (2017) y “Uncut Gems” (2019), el director Josh Safdie rompió la dupla con su hermano Benny y salió en post de un sueño que se emparenta con el del protagonista de su nuevo drama. Tomando como referencia al pimponista Marty Reisman, gloria del tenis de mesa de los años 50, lo que Safdie da forma aquí no es un biopic en el sentido clásico, sino solo una excusa para liberar en un personaje con un salvaje sueño de gloria sus ansias de transmitir su propio frenesí representado tantas veces en el cine con sujetos llevados hasta el límite de su propia psicología.

Teniendo como vehículo de aquel liberador impulso a un actor que lleva esa energía como natural motor de su propia trayectoria como lo es Timothy Chalamet (una tercera nominación al Oscar a sus 30 años da cuenta de ello), Safdie sacude a la escena hollywoodense con una producción de espíritu disruptivo, pero que tiene indudables valores de producción partiendo de un director de fotografía como el iraní Darius Khondji (“Sev7n”, “Medianoche en París”) para transmitir con tonos naturales la odisea de Marty Ma**er, un empleado de una tienda de zapatos que tiene un sueño codiciado que lo lleve a la gloria y lo saque de una vida rutinaria y mediocre en Nueva York: ser campeón mundial de tenis de mesa, un deporte visto como una disciplina menor en los 50.

El viaje del héroe que emprende Marty (¿o acaso del anti-héroe?) nos pone frente a un personaje megalómano, egoísta y obsesivo consigo mismo. Su necesidad de trascender pasa por encima de la ética, las normas de lo correcto y los códigos morales. En el fondo, es un ser que no siente más aprecio que por él mismo y que usa a quienes moran en su entorno como herramientas para alcanzar sus propios fines sin medir los costos ni consecuencias. En ese espejo en el que muchos se han de mirar –pero sin el impulso para atreverse a tanto-, Safdie proyecta la figura de Marty como una sanguijuela voraz, arremetedora y con una voluntad férrea para alcanzar su objetivo, aunque sin un método cabal al desatar un efecto bola de nieve que sacude los cimientos de su propio mundo hasta el desastre. Y es que esa es la impresión que deja el personaje: el de ser su mejor aliado y su peor enemigo a la vez.

No deja de llamar la atención el curioso y variopinto casting al que Safdie convoca en ese propósito (pero que no resulta casual ni caprichoso), teniendo como imagen de la clase empresarial de toda ralea: baja, mediana y gigante, a un secundario imperceptible en Hollywood como Larry “Latso” Sloman como el tío Murray Norkin, atrapado por su propia tienda de zapatos, el director de terror Abel Ferrara (y su rostro con expresión inequívoca de ítalo-americano curtido en las calles) como el turbio Ezra Mishkin, o el empresario canadiense Kevin O’Leary como el despiadado y frío Milton Rockwell, magnate cuya figura deja claro que el poder económico no es un sinónimo de buenas formas ni limpias intenciones ni en la Norteamérica de antaño o la contemporánea.

Dentro de aquel universo de secundarios que son representaciones minuciosas y significativas de un universo en el que éxito y fracaso conviven diariamente, también asoman el músico Tyler, The Creator como el taxista Wally para aportar la naturalidad y el desparpajo de las calles, además de una Fran Drescher sin pizca de glamour y alejada de la estampa sexy de la serie “The Nanny”, una Odessa A’zion que encarna el espíritu de la chica de barrio que es el fetiche sexual ocasional y una Gwyneth Paltrow que representa a la actriz en decadencia Kay Stone, acaso una ironía de su propia carrera. Dentro de esa dimensión actoral, Safdie planta a Chalamet como el ser supremo que canibaliza la escena, pero rodeado de suficientes representaciones que resumen la decadencia de la que desea huir.

Así, Marty Ma**er termina siendo un buscavidas tan entrañable como el "Pasqualino Settebellezze" de , un sujeto sin códigos y amoral como el Michel Poiccard de en "Sin aliento" y con una cuota de delirio como el Fitzcarraldo de (un campeón de los triunfos pírricos). El espíritu sin ataduras del director se manifiesta en una banda sonora ajena a la época con los ecos New Wave que pasan por Alphaville, New Order y Tears for Fears. "Marty Supremo" no ha llegado como la obra que va a cambiar a Hollywood, pero si es una buena señal de como ese cine puede acusar renovación en tiempos de crisis creativa.

Trailer:
https://youtu.be/K5DkUiDL4a0?si=liHHpeNMc1KpLLuj

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