04/05/2026
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En la Retrografía de hoy hablaremos de…
Como un Ángel Caído hizo enojar a un Dios… la obra maestra de Avalanch
Mayo de 2001…
No se tiene conocimiento de una fecha exacta para ser precisos, pero fue prácticamente a mediados del 2001 cuando la banda española Avalanch presentaba al mundo su nueva producción discográfica llamada El Ángel Caído, el tercer trabajo de su carrera (aquí omitimos The Eternal Flame porque es una versión en inglés de La Llama Eterna, aunque en teoría este sería el cuarto en su historia) el cual fue lanzado a través del Sello Flame Records, y que tendría una distribución nacional e internacional a través de la discográfica Avispa Records.
El trabajo está conformado por 15 canciones y su duración excede un poco de la hora, una hora y un minuto aproximadamente, y es considerado por la crítica como el Opus Magnum de su carrera, pero el que marcaría el cierre de un ciclo para el inicio de uno nuevo.
La alineación en aquellos días estaba conformada por Alberto Rionda y Roberto García en las guitarras, Francisco Fidalgo en el bajo, Alberto Ardines en la batería, Iván Blanco en los teclados y Víctor García en las voces.
La producción se realizó en los Búnker Studios de Asturias y la masterización del disco correría por cuenta de Tim Young en los Metropolis Studios de Londres.
Como un dato extra el arte de portada es autoría de Luis Royo, el cual tendría varias colaboraciones con la banda para futuros trabajos.
Tras lograr un éxito fuerte con Llanto De Un Héroe del 99, y por consiguiente una gira nacional que derivaría en su primer registro llamado Días de Gloria del 2000, la banda considero que era importante no perder ese impulso creativo para hacer otro álbum, así que Rionda se encargaría de darle forma al concepto de su siguiente obra, la cual con mucha expectativa lograría superar en temáticas y producción a su anterior entrega.
De esa manera se adaptarían varios conceptos históricos y bíblicos, los cuales para el oyente podría tener varias interpretaciones tanto en el aspecto visual como lirico, ejemplo de ello la expulsión de Luzbel de los cielos y la expulsión de Adán del Edén, el disco tiene aspectos donde se crítica la parte teológica y existencial, donde el ser humano cuestiona a Dios, la moral impuesta, el destino, la fe, la culpa y el libre albedrío.
Muchos podrían pensar que su contexto pueda ser “satánico”, pero en realidad la esencia es completamente humanista en su provocación filosófica: se usa el imaginario cristiano para hablar de la rebeldía del hombre ante un creador que dicta reglas y controla su camino.
El Ángel Caído es un disco que usa la teología como espejo del conflicto humano. No narra solo la caída de Lucifer, ni solo la expulsión de Adán del Edén, sino la caída del propio hombre: del sometimiento al cuestionamiento, de la fe ciega al pensamiento crítico, del paraíso impuesto a la libertad ganada. La mujer en la portada, bajo el trazo de Luis Royo, refuerza esta visión desde el arquetipo de Lilith: la primera figura que se atrevió a desafiar a Dios, por esa razón ella fue la primera mujer creada y que después vendría Eva. Lilith se rebela ante Dios (no acepta someterse a Adán ni al creador), y que representa la libertad, la desobediencia, el conocimiento prohibido, la caída desde la inocencia, y que en varios temas del disco explora constantemente.
Tomemos en cuenta algo: Lilith no es “el demonio” en sí, sino un ángel expulsado por pensar y cuestionar dejando en claro que su expulsión del Edén no se ve como una derrota, sino como acto de conciencia y rebeldía.
Luis Royo no ilustra literalmente a los personajes bíblicos, sino símbolos arquetípicos, y en su universo las mujeres tienen un rol protagónico en sus artes.
Esto a la larga deja como enseñanza que la caída no siempre es castigo, a veces es el nacimiento de la conciencia, por esa razón Luzbel por envidia fue un cómplice obligando a Eva a comer del fruto del conocimiento para compartirlo con Adán, y por ende ambos son expulsados por el pecado de saber del conocimiento, la libertad y la verdad.
Vayamos a las canciones, el disco arranca con un intro: Hacia La Luz, para dar paso a Tierra de Nadie, un canto al exilio, la discriminación y la nostalgia por el hogar. Habla de un hombre que dejó su tierra para sobrevivir y terminó atrapado en un mundo donde no es aceptado por su color de piel, aunque comparte la misma esencia humana que los demás.
Su mayor anhelo es volver a casa y recuperar su identidad y libertad. Bíblicamente aquí es una referencia a la expulsión del paraíso, los caídos no son monstruos, son seres expulsados por circunstancias, prejuicios o cuestionamiento. En un contexto más actual se hablaría de como los hombres por alguna razón se auto exilian de sus países y que por su nacionalidad, origen o color de piel son marginados ante una mera reacción de rechazo.
Llega de manera épica la canción que le da título al disco, el cual narra el juicio de un ángel, cansado de servir a un Dios que decide por todos, observa al hombre y descubre que la verdadera libertad no está en tener alas, sino en poder elegir el propio destino. La caída es su liberación: por lo que renuncia a la lealtad ciega para reclamar lo que nunca le fue dado, el derecho a decidir.
En el cielo ya no tiene lugar, porque su ideal no es la obediencia eterna, el cual no es relejo de la maldad en contra de lo divino, sino de la libertad consciente.
Aquí llega uno de los momentos fuertes del disco y por ende de los temas más aclamados de su carrera y sus directos y nos referimos a X**a.
Es una historia de amor más allá de la muerte, inspirada en la X**a, un ser de la mitología asturiana: espíritu femenino ligado a fuentes y bosques.
Representa la nostalgia, la pérdida, el duelo y la despedida amorosa, donde el pastor no es castigado por amar, sino sanado por aceptar y seguir viviendo.
Ese pastor llora cada noche junto a una fuente esperando a su amada fallecida. Ella, desde el más allá, lo acompaña en silencio hasta el amanecer. Un día se le aparece en sueños y le pide que no muera en tristeza, sino que continúe su vida. Él entiende que debe despedirse, pero conserva la esperanza de reencontrarla al final de su propio camino, no como caída, sino como destino de amor eterno.
Tras un breve respiro con La Buena Nueva, quien es interpretada por la Soprano Tina Gutiérrez, llega de golpe otro de los números épicos del disco: Levántate y Anda.
Aquí la letra no es religiosa, sino de espíritu emancipador. Es una crítica a la fe impuesta y a la dependencia de un Dios o sistema religioso. En la canción la letra habla como un hombre que sirve por obligación, carga y culpas ajenas descubre que la fe sin autonomía es una prisión.
El mensaje real es: levantarse y andar = asumir libertad, criterio propio y responsabilidad personal, no obediencia ciega. En la obra el hombre cuestiona por qué debe morir o cargar errores que no son suyos, puestos en nombre de Dios. Entiende que el poder divino no sirve en soledad ni sin humanidad. Rechaza la cruz como verdad absoluta y pide libertad para todos, afirmando que la salvación no viene de depender de un ser superior, sino de aprender a caminar por uno mismo.
Caemos en la segunda mitad del disco un tono oscuro y progresivo toma forma y se llama Alma en Pena. Un hombre soñó con ser libre y grande, pero todo colapsa. En lugar de aceptar sus errores, culpa al azar. Su conciencia le habla y le recuerda que no hay escape hasta que asuma su responsabilidad. Vive encerrado física o simbólicamente, buscando perdón afuera, cuando la única paz posible (que aún no acepta) está dentro de su propia alma.
Al final ser un alma en pena no es ser un fantasma: es ser una persona condenada a vivir sin paz mental y espiritual porque se niega a enfrentar una verdad que lo atormenta.
A golpe de galope, y por cierto de los tracks más rápidos y pesados del álbum aparece Corazón Negro, una alegoría hacia la resiliencia y fuerza interior.
Cuando una persona sufre heridas en la vida el alma agarra un temple entre la razón y el odio, entre lo blanco y lo negro, y es ahí que el Corazón Negro es una fuerza que se canaliza para seguir adelante con una sola misión: no rendirse y superar cualquier adversidad, aunque eso implique el ser señalado por los demás, pero el alma te indica que debes de vivir con intensidad y orgullo a pesar de todo.
Otro clásico que se desprende acá es Delirios de Grandeza, y es aquí donde decimos que la perfección que desata la ira de los dioses no es un ángel, es el amor cuando se vuelve indomable.
Esta es una clara metáfora del amor como desafío al poder absoluto. El hombre sufre la soledad, pero encuentra un propósito: luchar por un amor que trasciende incluso a un dios envidioso.
El mito del “ser perfecto dividido” simboliza a dos almas separadas por un poder celoso que teme lo que no controla, y la grandeza que a través de sus delirios no se reflejan como egos: sino en creer que el amor puede romper maldiciones e inclusive sacudir al creador mismo.
Como a modo de continuación aparece en escena la balada del disco: Antojo De Un Dios, es de esas canciones que para alguien herido o triste es un lamento que se desgarra desde adentro, para que esa angustia sea un mero reclamo escuchado a las alturas.
Aquí la devoción, injusticia del destino y el amor imposible son elementos claves en esta pieza donde nos sentimos atrapados en un papel al que el destino no nos eligió, sino que fue impuesto ante el antojo de un dios.
Es una crítica a un creador caprichoso y cruel, capaz de condenar por celos o por amor posesivo. Aun así, él no adora a Dios, sino a la mujer que ama: su fe se volvió humana, obsesiva, sacrificada y sin esperanza de ser correspondido. El castigo es real y no es divino, la agonía es emocional y a la vez existencial.
Llega el interludio de El Séptimo Dia… es ahí donde bíblicamente Dios creo el mundo en 7 días, pero tras la expulsión de Adán y Eva llegaría un juicio que se divide en tres partes, la que llamaríamos la suite perfecta de Avalanch tendría nombre y apellido: Las Ruinas del Edén, el juicio y debate de Dios versus el Hombre y su respectiva conclusión, aquí aparece como invitado especial Leo Jiménez quien fue parte de Saratoga en esos años.
En el Acto I un dios solitario observa cómo el hombre, a quien dio la vida, se rebela contra su destino y sus leyes. Dios no entiende esa desobediencia, pero reconoce que el humano ya destruyó el Edén y ahora lo desafía desde la duda y el ego. La naturaleza reacciona a la ruptura (cielo gris, mar sin azul, sol oculto), reflejando que la caída del hombre también arrastra la caída de lo divino. Si aplicamos esto en la modernidad, ese Edén, nuestro Edén es el planeta donde vivimos, y que por mero descuido del hombre a través de una muy manejada autoridad lo ha dejado en ruinas, esto señores es un mero reflejo a la contaminación y el peligro de los recursos naturales, flora y fauna que debido a ese descuido se condena a una progresiva extinción.
El Edén no cayó por Lucifer… cayó por el hombre cuando creyó que cuestionar era poder, y no libertad con conciencia…
El Acto II el hombre le responde a Dios cuestionando su existencia porque no la pidió ni la vive feliz. Comparte el mismo dolor que la naturaleza a su alrededor.
Rechaza cambiar por presión (religiosa o emocional) y decide luchar por su libertad.
Antes vivió por fe y devoción, pero ahora entiende que no tiene poder sobrenatural, solo su vida, y esa es su única verdad y herramienta para resistir, porque el hombre en su grito de reclamo dice que la única salvación posible es ser uno mismo y caminar con lo único que realmente poseemos: la vida propia.
La conclusión en el Acto III es el quiebre definitivo entre el creador (Dios como narrador simbólico) y el hombre. Dios expresa frustración: el humano no lo reconoce como autoridad, destruyó el Edén (la fe, el orden, la armonía) y ahora exige más sin asumir su responsabilidad.
La naturaleza que llora refleja que la caída humana también destruye lo sagrado y el equilibrio del mundo. El veredicto: el hombre debe de sufrir, es consecuencia de no entender la libertad con conciencia: La caída ya no es rebelión: es consecuencia. El Edén no se perdió por un ángel, sino por el hombre que destruyó sin comprender lo que la libertad realmente exige.
Al cierre a lo lejos en las montañas se escucha el eco de la guitarra entonando las notas de Santa Barbara, en la cual en la cultura popular para los asturianos y comunidad católica alrededor del mundo es patrona de los artilleros y de quienes trabajan con fuego o explosivos.
Su festividad es el 4 de diciembre. Aunque en el universo musical de Avalanch la pieza evoca a ser la protectora divina del hombre que después de su juicio queda expuesto ante el caos y el dolor, y aquí Santa Barbara es considerada espiritualmente como refugio ante la injusticia del mundo o de la misma opresión divina.
El Ángel Caído al momento de su lanzamiento recibiría una tremenda ovación por parte de la crítica y de los fans a nivel de España y Centro Europa, catalogándolo como un clásico instantáneo en el metal hablado en la lengua de Cervantes, y que para Avalanch se convertiría en una de las promesas fuertes de la segunda oleada de bandas de metal hechas en España, haciendo que su eco retumbara en otras partes del mundo, en especial Latinoamérica, el cual se convertiría en un territorio de muchos fans que a partir de ahí los seguirían.
Tristemente este lanzamiento representaba el cierre de la alineación de ese entonces, después de varias giras y de reconocimiento nacional se daba la salida tanto de Víctor García como de Alberto Ardines para formar tiempo después WarCry se les uniría a esa salida Roberto García y Francisco Fidalgo, dejando solamente a Rionda como único miembro de Avalanch, y que irónicamente el destino pondría a un joven Ramon Lage quien fue corista de El Ángel Caído a ser el frontman de la banda en sus futuros lanzamientos para dejar iniciada una nueva era, y que tiempo después Avalanch tendría una nueva alineación para dar forma a otro interesante capitulo en su historia como lo fue Los Poetas Han Mu**to.
Este trabajo fue editado en CD, pero posteriormente seria reeditado en formato casete y en vinilo con un tiraje muy limitado, siendo este un preciado ítem para los coleccionistas.
Como dato extra en Mayo de 2017 se revisitaría completamente el disco con otra alineación, conformada además de Rionda a las guitarras con Isra Ramos a la voz, Magnus Rosen en el bajo, Mike Terrana en la batería, Jorge Salan en las guitarras y José Paz en los teclados, celebrando así el XV aniversario bajo el nombre de Avalanch All Star Band.
Desde nuestra mesa de redacción celebramos el primer cuarto de siglo de esta grandiosa obra por parte de los Asturianos Avalanch.
