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Pásele, aquí hay teatro, Mexico City (2026)

17/06/2026

PODCAST

Dramaturgia y dirección: Iván Sotelo
Actor: Nahuel Ruiz Ocampo

Hoy en día en un mundo en el que cualquier persona con un celular y un micrófono puede ser un creador de contenido y en el cual puede llegar a exponerse cualquier tipo de opinión, ¿a quien se le echa la culpa de la violencia que inunda las redes sociales? ¿a las personas que lo generan o quienes lo consumen?

Como su nombre bien lo deja ver, él tiene un podcast y habla sobre crimenes. La diferencia aquí es que él toma casos que han sucedido en otros países y los replica lo más parecido posible. Lo cuenta en su podcast y espera en su anonimato que pronto descubran los tributos que hace a otros asesinos.

Desde el inicio se nos presenta como un personaje depravado y deplorable por lo que nos cuenta, pero al mismo tiempo simpático por su forma de acercarse a su público. El lenguaje es explicativo y literal, tanto que puede llegar un ser un poco grotesco. Esto puede crear una barrera muy grande. Sin embargo, entre escenas descriptivas y violentas, se nos cuenta quién es él, de dónde viene y sobre la infancia violenta y solitaria que tuvo, lo cual nos hace comprender un poco de dónde surge la violencia.

Existen momentos de humor negro que alijeran la puesta, y sin duda el sarcasmo es una de las herramientas que tiene a su favor. Pero creo que una de las partes más importantes para terminar de comprender esta puesta es entender que el público es el cómplice de este personaje tan terrorífico.
Es el morbo por ver y escuchar estas historias lo que hace que este contenido siga existiendo (tanto en esta ficción como en la realidad)

“Podcast” es una puesta en escena que de entrada no es para cualquier estómago, pero sí tiene un mensaje importante sobre la reflexión que necesitamos hacer de toda la violencia que vivimos en el día y día y de cómo la hemos normalizado y mediatizado.

📸 cortesía de la producción

Iluminación: Iván Sotelo
Diseño de audio: Jorche Martínez

11/06/2026

PIEDRAS EN SUS BOLSILLOS

De: Marie Jones
Dirección: Fernando Bonilla
Elenco: Juan Carlos Medellin y Alex Gesso

Todo sucede en un set de filmación que nos muestra diversas escenas y situaciones que suceden al filmarse una película. Ahí está Charly, un actor que viene de otro estado del país y Jorge que es originario del pueblo en donde están grabando y que se apuntó como extra.

A lo largo de la puesta en escena nos hablan sobre las cosas increíbles y las cosas negativas que suceden en el gremio audiovisual. Tales como por ejemplo, actores extranjeros que hacen de mexicanos, producciones que se aprovechan de los extras, y de sueños que se truncan, pero también de aquellos sueños que pueden llegar a prosperar.

Con un tono cómico, un tanto filoso y amargo, esta puesta en escena pone a dos actores a realizar todos los personajes necesarios, apoyados de elementos que nos hacen ver el set de filmación: mamparas, cases, Racks, etc.

Si bien la obra tiene un mensaje muy potente en el cual se habla sobre la diferencia de clases, el racismo y la explotación laboral, esta reflexión llega casi hasta el final de la obra y su duración no es corta. La obra es risible y disfrutable, sin embargo, peca un poco de lentitud.

Aún con sus áreas de oportunidad, “Piedras en sus bolsillos” es una puesta en en escena de alta calidad, con un buen humor y un buen discurso.

Traducción y adaptación: Juan Carlos Medellín
Escenografía e iluminación: Emilio Zurita
Música Original y Diseño Sonoro: Juan Pablo Villa
Diseño de vestuario: Al Mendoza

08/06/2026

EURIDICE SEGÚN EURIDICE

De: Alexander Wright
Dirección: Ana Graham
Elenco: Aldo Guerra y María Kemp. Alternan funciones Ana Graham y Belén Aguilar.

La historia de Eurídice la solemos conocer por ser la amada de Orfeo, quien resulta el héroe y, al mismo tiempo, la víctima de la historia. Pero en esta ocasión, esta es la oportunidad de Euridice de contar SU historia.

Para empezar ella decide cambiarse el nombre para ver si así puede escapar de su destino. Es una semidiosa rebelde que un día conoce a Aristeo. Se enamoran profundamente y se casan muy jóvenes. Crecen y un día el amor se acaba. Y así, entre las grietas que ese amor dejó, ella conoce a Orfeo y se entrega con fervor ante lo inevitable. Aquí es donde sucede la historia que nos han contado, pero en esta versión Eurídice es quien toma las riendas de su camino.

“Eurídice, según Eurídice” es una puesta en escena qué parte de lo musical. Las canciones apoyan a contar la historia con un tono pop, acústico y romántico. Su lenguaje es muy cercano al actual y aborda a los semi dioses desde un lugar muy terrenal, ayudando a aterrizar la historia a algo que podría pasar hoy en día.

“Eurídice…” tiene muchísimos pros a su favor. La música es hermosa y el texto es bastante sensible. La dirección es muy atinada y los actores son talentosos, entregados, vulnerables y tienen una química invaluable en escena.

Y sumado a todo esto, se le da voz a una de las mujeres míticas que han sido contadas desde una narrativa masculina, y darnos la oportunidad de conocer su historia como la historia que cualquier mujer podría haber vivido hace al proyecto muy potente, muy sensible y muy profundo.

Traducción: Ana Graham y Antonio Vega
Dirección Musical y diseño sonoro: Cristobal Maryán
Música: Phil Grainger
Diseño de escenografía e iluminación: Anna Adriá

03/06/2026

ESPECTRO

Dramaturgia: Sergio Carazo Cardona
Elenco: Sergio Carazo Cardona y David Federico Suzawa

Mortis y el doctor Fausto se encuentran buscando a su Espectro. Durante toda la obra se nos describe como un monstruo que está formado de diferentes partes de cuerpos, algo así como un Frankenstein.Pero al ser tan distinto, la sociedad le teme, pues no es están listos para alguien así.

Al intentar recuperarlo, hacen contacto con algunas de las partes del cuerpo que lo forman, las cuales guardan las memorias de los cuerpos originales, y a partir de esta mezcla de cuerpos se reflexiona acerca de las diferentes maneras de abordar la identidad que han existido a lo largo de la historia, como por ejemplo los emos, los Otakus, los rancheros, etc. ¿Si siempre han existido diferentes maneras de abordar la identidad, porque las identidades trans pueden causar tanto rechazo e intriga?

“Espectro” es una puesta en escena de cabaret en la cual hay canciones ya conocidas que se reescriben y nos cuentan la historia y que al mismo tiempo dan risa, pero también tienen una postura crítica al contexto actual.

Con un espacio casi vacío, algunos elementos que apoyan a la historia, un piano y un vestuario rockero moderno espectacular, “Espectro” es una mezcla de una fusión pop rock Otaku, que nos habla sobre el respeto y la aceptación por lo extraño, sea un Frankenstein o una persona trans.

Musicalización y elenco: David Federico Suzawa
Diseño de vestuario: Erick George
Diseño de iluminación: Fiama Díaz

18/03/2026

YO PENSÉ QUE ERA ESPECIAL
Dramaturgia: Rocío leal y Enara Labelle
Dirección: Hugo Arrevillaga Serrano
Elenco: Rocío Leal

En los últimos años el activismo corporal ha tomado su lugar. Mucho se defiende a los cuerpos gordos y los cuerpos morenos, pero casi nunca se habla sobre los cuerpos pequeños.

Lucía es una actriz de más de 40 años que vive en un cuerpo pequeño, y esta es una obra que nos habla acerca de cómo fue para ella a vivir en ese cuerpo, atravesar la infancia, el bullying, la timidez y las inseguridades que esto puede llegar a generar.

“Yo pensé que era especial”, no sólo habla de la apariencia física, sino que profundiza sobre la sensación de frustración al creer que ibas a lograr algo y no haberlo logrado, al darte cuenta que el esfuerzo no lo es todo y a sentirse insignificante, sin importar la estatura o el cuerpo que se tenga.

Dentro de un cuadro de madera, que refuerza la idea de sentirse pequeña y ocupar poco espacio, es que todo se desarrolla. Esto permite que sea a partir del cuerpo, la actuación y del bello canto de la actriz que este monólogo se muestra como una herida abierta que toma vida arriba del escenario.

Asistencia de dirección y diseño de vestuario: Ariadne Alfonseca de la CruzDiseño de iluminación: Aurelio Palomino
Composición musical: Juan Pablo Villa
Diseño de

Del 7 al 22 de febrero 2026, De jueves a domingo, en el Teatro Salvador Novo del
CENART

Duración: 60 min.

12/03/2026

LA NONA ROJA
Dramaturgia: Mariana Hartasánchez
Dirección: Ginés Cruz
Elenco: María Elena Olivares

“La nona roja” se presenta como una mujer de la tercera edad que solía ser publicista. Creaba y actuaba en anuncios publicitarios famosos, y ahora se dedica a dar algunas conferencias a nombre del grupo de “Las rucas oradoras”. En esta conferencia nos contará cómo, incluso haciendo publicidad, ella buscaba derrocar el capitalismo, siendo una mujer aparentemente capitalista, pero socialista de corazón.

Esta puesta en escena nos muestra a una mujer de 91 años que sigue teniendo la fuerza y la convicción de subirse a un escenario y denunciar lo que tendríamos que estar denunciando todos: un mundo sin guerras.

El texto plantea una postura política muy clara, que al mismo tiempo tiene toques de humor y que ejecutado por esta actriz se vuelve totalmente risible. Y si bien, hablar del socialismo y de la lucha por la paz hoy en día es importante, también me parece muy importante visibilizar el edadismo en el teatro, y en todos lados, y de cómo, a pesar de todo se debe envejecer con dignidad y con convicción.

Del 16 de enero al 28 de marzo 2026. Los Domingos, en la Sala Salvador Novo del
Teatro La Capilla
Duración: 60 min.

11/03/2026

UN CUARTO AZUL
Dramaturgia: Samantha Coronel
Dirección: Laura Baneco y Samantha Coronel
Elenco: Samantha Coronel

En “Un cuarto azul”, una de las primeras cosas que se nos plantea es que ella sueña mucho, y creo que esto define muy bien la lógica de la misma obra. Se siente como un sueño que cambia constantemente de tema pero que al mismo tiempo todo está hilado, que regresa a esos lugares recurrentes de la mente y que puede llegar a ser un tanto irracional, pero que al mismo tiempo tiene una lógica dentro de sí.

“Un cuarto azul” nos habla sobre los sueños, las historias, los traumas, los dolores. Nos habla sobre la sensibilidad y la fragilidad, pero no la fragilidad de un vidrio que se rompe, sino el de una bomba que explota. Nos habla de los reflejos, las imágenes y los recuerdos que habitan dentro de nosotros que empujan tanto que nos hacen querer explotar.

El texto es poético y al mismo tiempo crudo. Nos habla sobre la vulnerabilidad con mucha intensidad y de la misma manera Samantha lo traduce en cuerpo con su entrega. A veces se ríe para no llorar y a veces se explota porque nada es suficiente.

Hay una tina para sumergirse, un espejo para reconocerse y un títere de tamaño real para abrazarse. Todos estos elementos, junto con tapetes tejidos por Samantha construyen una atmósfera muy íntima necesaria para la vulnerabilidad que este unipersonal plantea.

Diseño escénico: Fernanda García
Composición musical: Alfonso Olguín
Violonchelo: Rogelio Morales

📸 .oli.vares

Del 7 de febrero al 28 de marzo 2026. Los sábados, en la Sala Novo del Teatro La Capilla

Duración: 50 min.

10/03/2026

LA MAIZADA
Autoría y adaptación: David Olguín
Codirección: Lucio Giménez Cacho Goded y Sheyla Carolina
Elenco: Santiago Alfaro, Felipe Alfaza, Inés Buxadé, Diego Guitron, David Juan Olguín
Almela y Abril Ramos Xchiteotzin
Músicos: Carlos López Tavera, Kaleb Oseguera y Ximena Fernández de Córdob

Dentro de las culturas mexicanas indígenas existen muchos mitos sobre la creación de la vida y de absolutamente todo lo que somos. “La Maizada” es una obra que toma un mito, su poesía y la vuelve algo escénico.

Una madre da a luz a un niño que salvará del hambre a la humanidad: El Niño Santo del Maíz. Pero el huevo del que nacerá será cuidado por un gigante orejón. Sin embargo, es engañado por la bruja Chichima, quien le robará el huevo. La bruja se llevará semejante sorpresa al darse cuenta que, en efecto, es un hijo del maíz: un niño malhumorado y fastidioso que terminara por deshacerse de ella para poder volver con su madre y cumplir su misión en el mundo.

“La Maizada” es una puesta en escena, que desde el mito y la poesía relata supuestos orígenes de cosas que hoy conocemos, por ejemplo el origen de la armadura del armadillo, la sangre fría de los reptiles, la fealdad de los sapos y por supuesto, el origen del maíz.

Es un proyecto admirable. Parte desde un lenguaje de la máscara bastante bien llevado a cabo que les facilita la escenificación de personajes fantasiosos. Pero, el diseño corporal no es sólo durante el uso de la máscara, sino en todo momento, pues es entre ellos crean absolutamente todo lo necesario para contar la historia. La corporalidad y la vitalidad de los actores es muy destacable.

Asimismo, esta es acompañada de músicos de Son Jarocho, elección musical muy comprensible, que acompaña la naturalidad mexicana que la misma puesta propone.

“La Maizada” es una puesta en escena qué desde el dinamismo del cuerpo, el simbolismo, la plasticidad de los objetos, la poesía y el humor nos recuerda mitos que son parte de nuestra cultura.

Del 5 al 15 de febrero 2026, de jueves a domingo en el Teatro Santa Catarina - Teatro UNAM

Duración: 70 min.

09/03/2026

MALANDRITO
Dramaturgia: Luis Vegas y Juan Carlos Franco
Dirección: Juan Carlos Franco
Elenco: Luis Vegas

“Malandrito” es una puesta en escena que nos habla de un joven de 22 años venezolano que tiene 80 días desde que llegó a la ciudad de México. Hoy es su cumpleaños y mientras lo vive, contará un poco de lo que ha sido vivir y llegar a esta ciudad monstruo

La Ciudad de México es una ciudad de migrantes. Quizás porque nos encontramos relativamente cerca de Estados Unidos es que la gente viene aquí con la esperanza de qué sea un lugar mucho más prometedor, que, aunque un tanto hostil, también se vuelve fascinante por todo lo que en ella habita.

Este es un collage que nos habla de la soledad, la tristeza por estar lejos de casa y de los familiares, pero también nos habla de los encuentros, de los nuevos amigos y de las cosas que se tienen que llegar a hacer para sobrevivir.

Tanto la iluminación como el diseño sonoro y los elementos de utileria significativos en el escenario construyen este collage siendo un momento con muchos estímulos. Algunos agradables, otros no tanto, pero que construyen el mundo que este migrante está atravesando. Al mismo tiempo, la versatilidad de Luis es muy reconocible. Vemos a un joven capaz de interpretar una variedad amplia de personajes a través de acentos, corporalidades y matices de energía.

“Malandrito” desde el humor y lo ligero nos habla de la complejidad de ser migrante en esta ciudad.

Música original y Diseño sonoro: Isay Ramírez
Diseño de iluminación: Emilio Zurita y Jesús Giles
Diseño de vestuario: Hanniel Oyarzábal
Diseño de video: Andrés León
Espacio Escénico: Juan Carlos Franco
Asesoría de movimiento: Angie Baños
Stage Management: Marco Gatica
Diseño de Forjado: Indra Campos

Del 12 al 15 de febrero 2026, en el Teatro El Milagro

Duración: 60 min.

05/03/2026

QUÉ DESASTRE DE FUNCIÓN

Dramaturgia: Michael Frayn.
Dirección: Cristian Magaloni
Elenco: Roberto Duarte, Marco Antonio García, Ahahí Allué/Pilar Flores del Valle, Pedro de Tavira/Fernando Bueno, Mario Alberto Monroy/Fernando Villa, Pamela Almanza / Denia Agalianau, Mariana Gajá/Paula Watson, Ximena Romo/Michel Santre, Fer Cordova/ Malcom Méndez.

Hacer teatro es una cosa bastante compleja. Sí, las cuestiones técnicas a resolver son muchas, pero también se ven implicadas todas las cuestiones personales que suceden dentro de un grupo de personas con altas susceptibilidades.

“Qué desastre de función” es una comedia hilarante que plantea en principio el ensayo técnico de una obra en el cual vemos todas las problemáticas que hay dentro de esta compañía: trazos que se olvidan, escenografías que fallan, chismes, el cansancio, etc. Sin embargo, en el segundo acto nos muestran una de las funciones de su gira, y como a partir de los problemas personales que hay, toda una función, se puede ir a la mi**da. Pero todo esto hecho de una manera bastante divertida.

“Qué desastre de función” es una puesta bastante risible en la que se descubre un poco sobre lo que pasa detrás de un escenario. Esto por un lado hace homenaje a aquellas personas que nos dedicamos a darle vida al escenario, pero también le enseña al público, todo lo que ellos no llegan a ver.

La precisión en el trazo y el entendimiento en equipo (en el real) es indispensable para poder lograr esta hilarante comedia de errores y enfrentamientos.

Del 7 de noviembre de 2025 al 29 de marzo de 2026

03/03/2026

OSO POLAR DECAPITADO

Dramaturgia: David Gaitán
Dirección: Martin Acosta
Elenco: Verónica Bravo, Pablo Chemor, David Gaitán, Xóchitl Galindres

El fin del mundo está cerca. Un día el sol ya no saldrá más, el frío se apoderada de todo y ya no habrá vida. Aquellos privilegiados que deseen sobrevivir tienen que comprar un paquete de hibernación que será manejado por robots que permaneceran despiertos hasta el día en que la noche eterna termine.

“Oso polar decapitado” es una puesta en escena con un tono apocalíptico que plantea una reflexión sobre nuestra relación con los robots y el posible fin del mundo. Se plantea cómo es que estos son programados y si su inteligencia puede llegar a desafiar a la humanidad o no, hasta dónde nos involucramos con ellos, así como también muestra una reflexión crítica, sobre la terquedad que tenemos por sobrevivir al fin del mundo.

Diseño de iluminación: Matías Gorlero
Diseño de Vestuario: Mario Marín del Río
Diseño de escenografía: Eva Aguiñaga
Musica Original: Pablo Chemor
Diseño de maquillaje y peluquería: Maricela Estrada

Del 22 de enero al 15 de marzo 2026, De jueves a domingo, en el Teatro El Galeón
del Centro Cultural del Bosque
Duración: 100 min.

03/03/2026

MANIFIESTO SOLAR

Texto, pintura, animación y actuación: Mar Aroko
Acompañamiento escénico: Manuel Cruz Vivas

En la vida, existen muchas coincidencias que a veces nos guían a lo largo del camino sin que nos demos cuenta. “Manifiesto solar” es la forma en la que Mar Aroko nos cuenta sobre muchas de las coincidencias que la han guiado a ella.

De pequeña, conoció a una niña que se llamaba Jimiko quién venía de una familia japonesa. Al conocer a Jimiko, a su familia y sus tradiciones quedó un poco embelesada por todas aquellas cosas tan distintas a lo que ella podía ver en su cotidiano. Esto sembró una insaciable curiosidad sobre el Japón, la cual se fue alimentando de otras varias coincidencias. Fueron los libros de Yukio Mishima qué le dejó su tío favorito y un fuerte problema en los intestinos, entre otras cosas, las que le hicieron decidir que tenía que emprender un viaje hacia aquello que siempre le había llamado.

La estética, aunque sencilla, es poderosa. Uno de los grandes talentos de Mar es lo que puede dibujar con sus manos, ya sea en piel o en papel. Y parte importante de la puesta en la escena son sus creaciones gráficas que ilustran momentos, personas y lugares. Asimismo, hay una gran variabilidad de objetos pequeños, que tienen una gran carga de significado dentro de la historia. También acompañan a la escena las proyecciones y la iluminación, y no se hable del diseño sonoro y creaciones de canciones en un estilo muy Otaku.

“Manifiesto solar” es un unipersonal muy íntimo que nos habla de sueños, dolores, anhelos y muchas coincidencias que se tejen entre sí, pero que sobre todo nos hablan de aquello que nos hace movernos; de lo que nos llama y nos hace querer llegar.

Acompañamiento general y traspunte: Dano Ramírez
Diseño de espacio y luz: Alan Sáenz Burrola
Diseño sonoro y objetos: Adrian Aroko
Diseño de realización de vestuario: Josúe Paoceros
Intervencion Audiovisual: Nubia J. Saldaña
Intervención musical: Ingrid Pohlenz
Del 29 de enero al 8 de febrero 2026, en el Teatro El Milagro
Duración: 90 min.

28/02/2026

ANTÍGONA GONZÁLEZ

Dramaturgia: Sara Uribe
Dirección: Sandra Félix
Elenco: Marina de Tavira

La figura de Antigona es un arquetipo mítico que nos habla de una mujer que busca incansablemente el cuerpo de su hermano para poder darle una sepultura digna.

Trasladado a un contexto mexicano, Sara Uribe crea el personaje de Antígona Gonzales, una mujer de Tamaulipas que se encuentra buscando a su hermano Tadeo que está desaparecido.

En efecto, la figura de Antigona y la de Antigona Gonzales se rige por la frustración de la ausencia de un cuerpo y por el dolor que subyace tras la esperanza de encontrar al ser amado.

Esta puesta en escena nos habla sobre la búsqueda incesante, sobre el amor que una persona tiene y que funciona como motor para seguir buscando a su desaparecido y sobre las incontables y cotidianas desapariciones que suceden en nuestro país actualmente.

Diseño de escenografía e iluminación: Victor Zapatero
Diseño de vestuario: Jerildy Bosch
Diseño sonoro: Alejandro Castaños
Multimedia y fotografía: Antonia Fritche
Del 15 al 25 de enero 2026, en el Teatro El Milagro.
Duración: 60 min.

28/02/2026

MR. GWYN

De: Alessandro Baricco
Dramaturgia: Juan Cabello
Dirección: Alonso Íñiguez
Elenco: Mauricio García Lozano, Angélica Bauter, Jacobo Lieberman, Lucero Trejo,
Alejandro Morales, Arturo Reyes, Assira Abbate, Ana Sofía Gatica, Abraham Jurado, Luis Ra Acosta.

Un afamado escritor se plantea dejar de escribir. Dentro de su búsqueda sobre qué hacer ahora, un día se le cruza la idea de escribir retratos. ¿Cómo se escribiría un retrato? Si bien, al principio, esta es una idea totalmente descabellada, poco a poco esto va tomando curiosidad entre la gente y las personas retratadas por Jasper Gwyn llegan a ser muchas.

La puesta en escena es totalmente poética. El desnudo como acto contemplativo es uno de los principales ejes tanto de la dramaturgia como de la dirección. Tanto escénica como estéticamente, se construye una atmósfera íntima, poética y melancólica en donde se puede apreciar la belleza del cuerpo humano.

Uno de los fuertes más grandes de esta puesta en escena es la construcción de imágenes estéticamente bellas con los cuerpos desnudos de los intérpretes. Los tonos sepia y cálidos favorecen a esta estética, que al mismo tiempo nos deja ver espacios seccionados, que luego se empalman los unos con los otros como si fueran fantasmas que se rozan entre sí.

Mr. Gwyn, al volverse una puesta muy contemplativa y poética, se vuelve también un poco densa. Sin embargo, es un proyecto disfrutable visual y sensorialmente que apuesta por exponer escénicamente la intimidad que se genera entre quien retrata y quien es retratado.

Cuerpo artístico: Silvia Herida, Alejandro Arreola, Enrique Cervantes, La Nars, Marina Ortiz.
Diseño de escenografía, iluminación y vestuario: Mauricio Ascencio
Música Original: Jacobo Lieberman
Diseño de movimiento: Mauricio Rico

📸 .oli.vares

Del 12 al 15 de diciembre 2025, en el Teatro El Milagro
Duración: 90 min.

07/02/2026

Humanos no

Dramaturgia: Luis Eduardo Yee
Dirección: Luis Ra Acosta
Elenco: Ana Mcalec, Bryant Pineda, Constanza Ballesteros, León Barragán y Marta Rocío

Cinco jóvenes están a punto de renunciar a ser humanos.

Desde la vitalidad de la juventud, que te permite ser crítico y denunciar todo lo que está mal con el sistema laboral y capitalista en el que vivimos, ellos se proponen renunciar a ser humanos, al menos a lo que nos han dicho que es serlo.

Desde el miedo a volverse parte de lo terrible que es la sociedad hoy en día, todo está puesta en escena, nos muestra grandes discursos que reflejan las frustración de ser adultos que sentimos cuando estamos justo en esa transición entre la juventud, la adultez y la adultez madura.

Sí, es una obra que suena a un capricho de la juventud, y quizás sólo tiene sentido que los jóvenes lo hagan y lo digan, pero cuando vemos y escuchamos todo lo que están diciendo, nos reconocemos en ellos, en esa inquietud de querer cambiar el mundo y en esa adrenalina por no querer que el sistema nos alcance y la pasión por creer que podemos hackearlo

“Humanos no” desde un espacio totalmente vacío, que es congruente con su propuesta de renunciar a absolutamente todo, y con un poco de comedia, nos invita y nos recuerda lo que es conectar con esa fuerza y ese fuego interno que quiere mandar todo al carajo para hacer las cosas diferentes. Quizás algo con lo que necesitamos volver a conectar hoy en día para sobrevivir a este mundo tan caótico que está sucediendo en la actualidad.

Asesoría en Escenografía, iluminación y vestuario: Mauricio Asencio
Diseño de iluminación: Constanza Ballesteros
Diseño sonoro: Yayo Villegas
Diseño visual de proyecciones y videomapping: Carlos Rangel

📸

Del 2 de diciembre 2025 al 22 de enero 206. El 77. Centro cultural autogestivo

06/02/2026

ERNEST Y BOTTOM

Autoría y dirección: Geralldy Nájera
Elenco: Juan Cabello, Karim Raziel y Nohemí Espinosa
Músico en escena: Diego Santana y José Ponce

Ernest y Bottom son dos viejitos que comparten cuarto en un asilo. Ernest es un poco gruñón y Bottom es un viejito más risueño y bonachón.

Su encuentro no es precisamente fácil, pero justo de eso va. De cómo la amistad nos transforma, de lo que aprendemos del otro, y de la huella que las personas dejan en nosotros.

Toda la puesta en escena sucede sin palabras, quizás sólo algunas expresiones entendibles, pero no enunciativas. Lo cual la hace ser una obra totalmente comprensible desde el corazón. La corporalidad y el sonido construyen toda la acción escénica. Sin duda el diseño sonoro y la musicalización en vivo lo son todo para esta obra, pues se sonoriza absolutamente todo: los movimientos, los errores, los pensamientos, los bailes. Todo.

“Ernest y Bottom” es una puesta en escena que de lo sencillo, crea algo muy profundo. Que resalta lo bello de la amistad y lo bello del teatro sin pretensión alguna.

Nocturno Teatro, con esta obra, y con otras más de su repertorio, apuesta por obras de teatro pertinentes, profundas, sensibles, bellas y muy bien hechas de alta calidad. Felicidades por los 10 años de Ernest y Bottom 💛

Diseño y composición musical: Diego Santana
Diseño de escenografía: María Adriana Lara Ibarra
Diseño de vestuario: Azucena Galicia
Diseño de iluminación: Edgar Mora

Del 25 de octubre al 14 de diciembre 2025, en el Teatro Helénico
Duración: 60 min.

Pásele, aquí hay teatro

17/06/2026

11/06/2026

08/06/2026

03/06/2026

18/03/2026

12/03/2026

11/03/2026

10/03/2026

09/03/2026

05/03/2026

03/03/2026

03/03/2026

28/02/2026

28/02/2026

07/02/2026

06/02/2026

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