CYDT Collection

19/05/2026

Federico Cantú Garza 1907-1989
Madona 1928
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

En un respiro que toma Cantú durante su estancia en Paris 1924 -1934, se instala en Los Ángeles California con la idea de tener su primer exposición retrospectiva en America. Durante meses trabaja diferentes temas , puesto que de Paris solo había traído algunos apuntes e ideas a desarrollar, Madona 1928 es una de esas obras que trabajara para el contenido de la exposición. De corte sacro esta obra de estética renacentista , muestra una Madona con niño , pero tambien la iconografía la nutre de pasajes , por ejemplo decide colocar el cordero místico en composición con el bautista que ya muestra a manera de premonición la crucifixión , tambien y poco común el Mesias niño ostenta la corona de espinas. Para completar la idea , Federico decide agrupar ángeles músicos y como idea musical ostenta el libro que seguramente es alguna de las pasiones de Johan Sebastián Bach.
Conociendo el gusto y la dedicación que Cantú el otorga durante toda su vida a la muisca , no podemos dudar su inclinación a la época barroca.

La obra en si despues de cien años que cumplirá en breve, tiene una trayectoria impecable , si bien se enmarca dentro de casi todos los libros dedicados a Federico, el paso por los muesos le va otorgando un carácter muy especial :

1929 Exposition Pack Museum Los Ángeles California
1970 Palacio de las Bellas Artes - Homenaje a Federico.
1986 Palacio de las Bellas Artes – segundo homenaje
1994 Museo Amparo
2004 Sala Parque Fundidora NL
2016 -2024 Museo MUNE NL
2024 Museo MUNAL

Hoy en dia , esta obra que bien podrimos juzgar como “atípica” es simplemente la única pieza sobreviviente en este etilo , lo cual le suma un criterio y tratamiento equidistante de estilos posteriores que dedicara a el arte sacro, pero tambien enriquece la obra la decisión que toma Federico de enmarcarla en una trilogía que él titula “ El tríptico de Lord Byron” y esta connotación surge de haber vendido estas tres obras en California en 1930 y la recuperarla al inicio de los 50s decide exponerlas en su casa a manera de tríptico , mismo que comprende ; “ Homenaje a Lord Byron , Descanso en la Huida a Egipto” y “Madona”.

La oportunidad que nos permite la exposición “Ángeles las huestes celestiales en la tierra” es en si un privilegio , pues suma quinientos años de iconografía celestial donde esta obra encaja de maravilla.

Sin duda una gran oportunidad para amantes del arte y una muy buena revisión del tema.

Bo
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

09/05/2026

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25/04/2026

04/04/2026

Tom Wesselmann

Tom Wesselmann (Cincinnati, Ohio, 23 de febrero de 1931 – Nueva York, 22 de diciembre de 2004) fue un pintor de pop-art estadounidense

Hasta su fallecimiento, Wesselmann era uno de los últimos grandes maestros del pop-art americano en activo, muy popular por sus audaces e impactantes desnudos femeninos


• Jordan D. Schnitzer (nacido el 10 de mayo de 1951) es un destacado empresario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense, hijo de Harold y Arlene Schnitzer. Presidente de Schnitzer Properties, una de las mayores empresas inmobiliarias privadas de la Costa Oeste, es reconocido por fundar la Jordan Schnitzer Family Foundation en 1997 para compartir su vasta colección de arte con el público.de propiedades.
• Coleccionista de Arte: Considerado uno de los principales coleccionistas de grabados de América del Norte, con una colección que incluye esculturas, pinturas y obras mixtas, frecuentemente prestada a museos.

29/03/2026

Han surgido muchas leyendas en torno a la figura de José de Arimatea. La más conocida dice que en el año 61 d.C., Felipe envió a José, desde la Galia, a predicar el Evangelio en Inglaterra. José fue, llevando consigo el cáliz que se usó en la Última Cena, y que entonces contenía la sangre que Jesús derramó en la Cruz. Ese cáliz llegaría a ser conocido como el Santo Graal, famoso en las historias de los caballeros del rey Arturo. Cuando José y su grupo de misioneros escalaron la colina Weary-all y llegaron al otro lado, se encontraron en Glastonbury; allí José pinchó su bordón en la tierra, y de él creció el famoso espino de Glastonbury, siendo por mucho tiempo el lugar más sagrado de Inglaterra, y todavía hoy es un centro de peregrinación. La leyenda dice que el espinó original lo taló un puritano, pero que el espino que crece allí brotó de la misma raíz antigua. Así que la leyenda conecta a José de Arimatea con Inglaterra.

Pero hay una leyenda menos conocida, recordada en uno de los himnos y poemas más famosos de la literatura inglesa. Es una leyenda todavía muy viva en Somerset. José, dice la leyenda, era mercader de estaño, y vino mucho antes de que le enviara Felipe en visitas frecuentes a las minas de estaño de Cornwall. El pueblo de Marazion, en Cornwall, tiene otro nombre: algunas veces se le llama Market Jew, y se dice que fue el centro de una colonia de judíos que eran mercaderes de estaño. La leyenda llega más lejos: José de Arimatea, nos dice, era tío de María, la Madre de Jesús, hermano menor de san Joaquín y tutor de Jesús luego de la muerte de su padre terrenal, el patriarca san José. Y se dice que trajo al niño Jesús consigo en uno de sus viajes a Cornwall. Es una preciosa leyenda, pues sería emocionante pensar que los pies del niño Jesús tocaron en aquellos sagrados tiempos la tierra inglesa.

La Iglesia celebra a José de Arimatea cada 17 de marzo, siendo el santo patrono de los embalsamadores y sepultureros.

08/03/2026

CAMILLE CLAUDEL (1864-1943)

La belleza y el talento de la obra artística de Camille Claudel se vio siempre ensombrecida por la tormentosa relación que mantuvo con su mentor y amante Auguste Rodin. Un amor enfermizo en el que el gran escultor no supo entender nunca los profundos sentimientos de una mujer que habría dado su existencia por él. Con promesas incumplidas de amor eterno, Rodin mantuvo a su joven alumna a su lado a pesar de no querer nunca abandonar a su verdadera pareja, Rose Beuret. En el plano artístico, a pesar de que Camille se situó a la altura del maestro y creó esculturas de alto valor, siempre se le supuso menos capacidad que a Rodin, quien muchos creyeron autor verdadero de su obra. Como en muchos otros casos, es más que probable que si Camille Claudel hubiera nacido hombre, otro hubiera sido su reconocimiento.

Camille Claudel nació el 8 de diciembre de 1864 en Fère-en-Tardenois, Aisne. Desde bien pequeña disfrutaba moldeando el barro como si fuera un juego. Pero ya entonces empezó a mostrar su gran capacidad para reflejar en aquel material inerte los rostros de sus seres queridos. Lo que empezó como una mera distracción, se convirtió en una pasión que no gustó en absoluto a su familia, quienes esperaban de ella que siguiera el camino de las chicas de su tiempo, el que las dirigía exclusivamente al interior del hogar.

La joven aspirante a escultora encontró su oportunidad cuando la familia Claudel se trasladó a vivir a París. Corría el año 1881 y Camille tenía diecisiete años. Con la ayuda de su hermano, quien fue siempre su principal apoyo, el que se convertiría en el famoso escritor Paul Claudel, fue admitida en la Academia de Arte dirigida por Alferd Boucher donde un reputado escultor ejercía de maestro. Era Auguste Rodin y pronto se percató del talento artístico de la joven Camille a la que incorporó sin dudarlo a su equipo de trabajo.

De alumna pasaría pronto a convertirse en musa, para escándalo de su madre tradicionalista, pues el rostro de Camille empezó a aparecer de manera constante en la obra de Rodin. Y de musa, a amante, viviendo un tiempo dorado y soñado por aquella niña que jugaba a ser escultora. Camille Claudel se convirtió en compañera del gran escultor al que acompañaba a las reuniones artísticas de la capital y del que aprendió el arte de esculpir llegando a alcanzar, sino superar, el talento de Rodin.

Fueron años de amplia creación artística por parte de la ya escultora Camille quien, sin embargo, era objeto de comentarios desafortunados que ponían en duda su capacidad artística. La sombra del maestro era demasiado larga y muchos pensaron que sus geniales creaciones eran obra de Rodin o realizadas con su ayuda. Era impensable que aquella joven hermosa y de aspecto frágil fuera capaz de crear esculturas como la bella Sakountala. Empezó entonces una relación tormentosa, en la que Camille seguía perdidamente enamorada del hombre al que también odiaba por recibir reconocimiento público, constantes encargos y alabanzas en todas sus exposiciones, mientras ella no escapaba del cliché de alumna aventajada.

El distanciamiento entre ambos terminó en ruptura en 1898 cuando Camille fue del todo consciente de que las promesas de amor de Rodin eran palabras vacías. Él nunca dejaría a su amada Rose, con la que terminaría casándose al final de sus días, traicionando a la desdichada Camille.

Empezó entonces un período obsesivo de creación del que nació una de sus esculturas más famosas, La edad madura, en la que aparece una figura femenina arrodillada agarrando a un hombre que se lo lleva una mujer adulta con rostro siniestro. Toda una alegoría de su existencia.

Encerrada durante años en su piso, Camille Claudel terminó enloqueciendo. Hacia 1905 sus miedos empezaron a aflorar haciendo de ella una mujer demente que destruía todas sus creaciones sistemáticamente, entre ellas una serie de bustos infantiles en los que parece ser que habría enterrado su frustración por no haber podido ser madre. Años atrás había perdido un bebé cuyo padre, Rodin, habría obligado a abortar.

Cuando en 1913 fallecía su padre, Camille se sintió completamente sola. Su hermano, que estaba en la lejana China ejerciendo de diplomático no pudo consolarla ni salvarla de su trágico final. Un final al que la condujo su propia madre quien hizo ingresarla en el sanatorio de Ville-Evrad. El diagnóstico oficial fue manía persecutoria y delirios de grandeza. Las cartas descubiertas años después descubrieron a una mujer en su sano juicio que fue manipulada y maltratada por su entorno.

Camille Claudel terminó sus días en el sanatorio de Montdevergues, sola, aislada y olvidada por todos. El 19 de octubre de 1943 terminaba su larga penitencia, como ella misma lo calificó, de treinta años de reclusión injusta.

Auguste Rodin había fallecido en 1917. Mientras su cuerpo descansa junto al de su amada Rose, su obra, paradójicamente, permanece junto a la de su amante Camille Claudel.
El Museo Rodin tiene las más grande de obras de la escultora.

08/03/2026

En el día internacional de la mujer .

María Luisa Garza fue una escritora autodidacta, periodista, directora de revista y promotora cultural, desarrolló una carrera intensa tanto en México como al sur de los Estados Unidos
Loreley, seudónimo que utilizó la escritora María Luisa Garza Garza - originaria de (Cadereyta de Jiménez, Nuevo León, 1885-Ciudad de México, 1980)

La obra de María Luisa Garza, Loreley, incluye la publicación de cinco novelas —Los amores de Gaona (1922), La novia de Nervo (1922), Alas y quimeras (1924), Tentáculos de Fuego(1929 y 1930) y Soñando un hijo (1937) —y dos libros de poesía —Escucha (1928) y Poemas de Loreley (1951)— así como su primera obra Hojas dispersas ( 1918).

Viviendo en Texas 1914-1922

Loreley se incorporó como colaboradora en El Imparcial de Texas, semanario dirigido por Francisco A. Chapa. Días después, en agosto de ese mismo año, comenzó a publicar poesía suelta en La Época, periódico editado por la Librería Quiroga, empresa de José Quiroga. En ese mismo medio apareció su célebre columna “Crónicas de Loreley”; además, fue la responsable de la sección Literaria y, poco después, asumió la dirección editorial del semanario. Al mismo tiempo, colaboró en otras publicaciones norteamericanas: La Prensa, Los Ángeles, California (1921); Hispano-América, San Francisco, California (1921–1925); El Heraldo de Mexico, Los Ángeles, California (1921); La Patria, El Paso, Texas (1922); El Tucsonense, Arizona (1922–1923); La Estrella, Las Cruces, Nuevo México (1924); El Amigo del Hogar, Indiana (1926); Opinión, Los Ángeles, California (1928-1929) y El Cronista del Valle, Brownsville, Texas (1929). También participó en prensa mexicana: La Revista de Yucatán, Mérida (1922), El Demócrata, Ciudad de México (1923-1924); El Informador, de Guadalajara, Jalisco (1926); El Universal Ilustrado, Ciudad de México (1924); Revista de Policía, Ciudad de México (1929) y Nuestra Ciudad, Ciudad de México (1930).
Como puede observarse, Loreley fue una escritora infatigable. Colaboró en múltiples publicaciones periódicas para sostener económicamente su hogar, labor que le valió el reconocimiento de sus colegas. En diciembre de 1921, sus compañeros periodistas le entregaron una medalla en su honor; durante el acto, el locutor Aldo B. Alarcón enfatizó “el elogio de la mujer que trabaja, buscando la independencia de su criterio y el bienestar propio y el de sus hijos”.
Consagrada ya como periodista, en 1922 María Luisa fundó y publicó, con recursos propios, la revista mensual Alma Femenina. Revista Ilustrada. Dedicada a la mujer, cuyo primer número circuló en enero. Al mes siguiente, fue comisionada por el cónsul de México en Texas para presidir La Cruz Azul Mexicana, organización dedicada a socorrer a migrantes indocumentados en San Antonio, Texas. Garza rechazó el encargo alegando falta de tiempo, pero la autoridad ignoró su negativa, lo que la llevó a presentar su renuncia de manera irrevocable pocos días después.
Ese mismo año, además de cuidar a sus hijos, continuar con sus colaboraciones en la prensa y dirigir su propia revista, publicó dos novelas de su autoría: La novia de Nervo, editada por la Librería Quiroga, y Los amores de Gaona, por la Art Advertising Co. También en 1922 formó parte de la comitiva de mujeres mexicanas que asistió a The Pan American Conference of Women en Baltimore, Maryland. Su creciente prestigio, cimentado por su esfuerzo personal, trascendió fronteras. En Sonsonate, El Salvador, la asociación femenina “Gota de Leche” inauguró un teatro al que puso por nombre Loreley, en homenaje a la escritora mexicana.
Este reconocimiento puede explicarse, en parte, por las redes culturales que Garza tejió. Rodrigo Franco, poeta colimote, refiere que la periodista reunía en su casa de Sweet Street, a la orilla del río San Antonio, a diversos intelectuales y artistas hispanos —entre ellos Humberto Barros, José Manuel Matos, Adolfo Manero y García Mares—para discutir ideas, compartir escritos y hablar de la patria. Es probable que en ese mismo entorno Garza estableciera una estrecha amistad con Gabriela Mistral, la cual inicialmente fue por correspondencia.
En 1923, a petición expresa de Mistral, María Luisa regresó a México para integrarse al proyecto educativo oficial. A su llegada a la capital, se le otorgó el cargo de secretaria en la Escuela “Gabriela Mistral”. La poeta chilena y María Luisa compartían, además de una amistad, un estilo de vida poco común para su época: eran mujeres escritoras, con cargos públicos, que se auto sustentaban económicamente y eran responsables únicas de sus hogares. También participaban de una visión discursiva conservadora sobre la feminidad, centrada en la maternidad y el deber doméstico. En uno de sus escritos, María Luisa expresó de manera elocuente esta postura: “¡La casa para la mujer! ¡Abominemos del feminismo! ¡Séase hija, esposa y madre! […] ¿Los derechos de la mujer? ¡Helos aquí: amor, deber, ¡piedad!”. Leída en su contexto, esta afirmación no cancela la experiencia de autonomía que ambas vivieron, sino que revela una estrategia de adecuación discursiva que les permitió intervenir en el espacio público sin romper abiertamente con el orden simbólico que regulaba el acceso femenino a la autoridad intelectual.

Adolfo Cantú
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

07/03/2026

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en 1871 murió José Fernando Ramírez.

De "Un héroe de la historiografía", de Enrique Krauze:

Hay en la biografía de Ramírez lecciones para nuestro tiempo, y para todos los tiempos. La primera se refiere al oficio de historiador, y cabe resumirla así: no sólo sirve a la historia quien escribe historia, también quien la compila, edita y difunde. Imaginemos por un momento la historiografía del México prehispánico sin su abnegado trabajo. Sería el territorio de la amnesia. Durante buena parte del siglo XIX, aquel pasado pareció tan remoto e inútil, y tan salvaje en sus ritos, que liberales y conservadores (con la sola excepción de Bustamante) lo desdeñaron por igual. A contracorriente de su época, Ramírez construyó, él solo y de su peculio, parte de nuestros cimientos culturales, salvando la memoria del México Antiguo. Pero su mayor aporte no fue resguardar ese pasado sino darlo a conocer. Regaló a su país el legado perdurable de sus fuentes históricas en ediciones impecables, sólidas y veraces. Muy pocos, a estas alturas, entienden en México la nobleza y la importancia que tiene para un país el trabajo editorial, llevado a cabo con rigor y pasión.

Una segunda lección atañe al uso y abuso político de la historia. Por un lado, el acervo rescatado por Ramírez fue el sustento del gran libro de su discípulo Manuel Orozco y Berra; acompañó la magna labor historiográfica de Joaquín García Icazbalceta para el siglo XVI, e inspiró obras de los verdaderos estudiosos del México prehispánico —de Francisco del Paso y Troncoso hasta Miguel León Portilla. Pero a los pocos años de su muerte, los porfiristas —que apenas musitaban su nombre— descubrieron en el pasado prehispánico una fuente de legitimación política. La Revolución Mexicana fue más lejos y mistificó en buena medida aquella historia, hasta volverla materia de una ideología política enfrentada —como en una inútil y anacrónica reedición de la Conquista— a su gemela enemiga, ambas indiferentes al milagro histórico de convivencia que Ramírez tanto valoró como reacción a la Guerra del 47, esa convergencia que nos hace diferentes no sólo de Estados Unidos sino del resto de los países de América Latina: el vasto mestizaje étnico y cultural, que se traduce en una tolerancia básica del mexicano en cuestiones de raza y religión.

Puedes leer el texto completo aquí:https://enriquekrauze.com.mx/un-heroe-de-la-historiografia/