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MS Latin art

Casa
Mexico
Mexico City
MS Latin art

Arte latinoamericano
Curaduría • Historia • Coleccionismo
Obras que trascienden el tiempo.

30/05/2026

Hoy el arte latinoamericano despide a uno de sus grandes visionarios.

Julio Le Parc no solo creó obras; transformó la manera en que experimentamos la luz, el movimiento y el espacio. Su trabajo rompió las barreras tradicionales entre la obra y el espectador, convirtiendo la participación, la percepción y la emoción en parte esencial del arte.

Desde Mendoza hasta París, su legado trascendió fronteras y redefinió el arte cinético y óptico a nivel mundial. Cada reflejo, cada vibración de color y cada movimiento en sus instalaciones nos recordó que el arte puede ser una experiencia viva, cambiante y profundamente humana.

Ganador del Gran Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia de 1966, Le Parc abrió caminos para generaciones de artistas que encontraron en la luz una nueva forma de expresión. Su obra permanece vigente porque sigue invitándonos a mirar, sentir y descubrir.

Hoy despedimos a un maestro, pero su universo de luz continuará iluminando la historia del arte.

Gracias, Julio Le Parc.

1928 — 2026

MS Latin Art

29/05/2026

¿Qué hace que una obra de Fernando Botero sea reconocible en cualquier lugar del mundo?

Su capacidad de transformar lo cotidiano en algo inolvidable.

Realizada en 1993, esta extraordinaria obra en pastel sobre papel presenta uno de los personajes más icónicos del universo de Botero: un músico que encarna la fuerza, la presencia y la humanidad que hicieron del artista colombiano una figura fundamental en la historia del arte contemporáneo.

Más de treinta años después, la obra conserva la misma capacidad de cautivar a coleccionistas y amantes del arte alrededor del mundo.

Fernando Botero
Pastel sobre papel
1993
102 x 76 cm

Colección privada.

¿Qué obra de Botero marcó tu vida por primera vez?

28/05/2026

✨ Mitología, se*******ad y monumentalidad se encuentran en El rapto de Europa de Fernando Botero.

Inspirado en el antiguo mito griego de Europa y Zeus transformado en toro, Botero transforma una historia clásica en una escena de profunda serenidad y fuerza visual.

Las formas volumétricas, sello inconfundible del maestro colombiano, convierten el bronce en poesía escultórica: una obra donde el poder no se expresa con violencia, sino con equilibrio, se*******ad y presencia.

“El rapto de Europa” no solo revisita la tradición clásica; también demuestra cómo el arte latinoamericano puede dialogar con la historia universal desde una identidad propia, poderosa y contemporánea.

Una escultura que trasciende el tiempo y continúa cautivando a coleccionistas, museos y amantes del arte alrededor del mundo.

28/05/2026

La Venice Biennale vuelve a confirmar algo que el mundo del arte ya comienza a entender con claridad:

Latinoamérica dejó de ser una escena emergente para convertirse en una de las voces más relevantes del arte contemporáneo global.

Desde México, Colombia y Brasil, artistas latinoamericanos llegan a Venecia con discursos profundamente ligados a memoria, territorio, identidad, espiritualidad y transformación social.

En una edición donde el diálogo cultural toma una nueva dimensión, nombres como Carolina Caycedo, Gala Porras-Kim, Rosana Paulino y el colectivo RojoNegro reflejan la fuerza conceptual y visual que hoy posiciona al arte latinoamericano en el centro de la conversación internacional.

Venecia ya no solo mira hacia Europa.
Hoy, también mira hacia Latinoamérica.

— MS Latin Art

23/05/2026

Carlos Jacanamijoy | Al comenzar el día | 2024

Hay artistas que pintan lo que ven. Carlos Jacanamijoy parece pintar lo que permanece dentro de nosotros.

En Al comenzar el día, el color no aparece como un elemento decorativo; emerge como una experiencia. Las formas parecen disolverse y reaparecer como recuerdos, sonidos o fragmentos de naturaleza que flotan entre la luz y la memoria.

Su lenguaje pictórico nos recuerda que el paisaje no siempre está afuera; muchas veces habita en nuestro interior.

Desde la tradición Inga y una visión profundamente contemporánea, Jacanamijoy transforma el lienzo en un territorio donde emoción, energía y memoria se encuentran.

¿Observamos una imagen o estamos entrando en un estado de conciencia?

22/05/2026

Leonora Carrington: el universo que salió del lienzo

Las esculturas de Leonora Carrington no nacieron para ser simples objetos; nacieron para convertirse en habitantes de un mundo propio.

En su obra aparecen gatos guardianes, aves en tránsito, figuras ancestrales, sacerdotisas y seres híbridos que parecen existir entre el sueño y la realidad. Cada escultura funciona como un lenguaje simbólico donde lo mágico y lo espiritual dialogan silenciosamente con quien las observa.

Lo fascinante es que Carrington no esculpía cuerpos; esculpía presencias.

Mientras sus pinturas nos invitan a entrar en una narrativa surrealista, sus esculturas hacen lo contrario: permiten que ese universo salga del cuadro y ocupe nuestro espacio. Quizá por eso sus bronces poseen una fuerza tan particular: no parecen estar inmóviles; parecen esperar.

Para muchos coleccionistas, adquirir una escultura de Leonora no es incorporar una pieza a una colección; es permitir que una criatura de su imaginación habite un lugar.

Y quizás esa sea una de las mayores virtudes de su obra: convertir la fantasía en algo tangible.

20/05/2026

Cuando el arte transforma lo cotidiano en extraordinario.

El artista colombiano Avalo desarrolla una propuesta escultórica donde la naturaleza y el arte objeto encuentran un lenguaje propio. Inspirado en frutos tropicales y exóticos, su trabajo trasciende la representación tradicional para convertir formas orgánicas en piezas de gran refinamiento técnico y conceptual.

A través de materiales como ónix, piedra, metal y vidrio Murano, cada obra explora temas relacionados con abundancia, vida y simbolismo, recordándonos que incluso aquello que vemos todos los días puede adquirir una nueva dimensión estética.

Más que representar una fruta, estas piezas plantean una pregunta:

¿Dónde termina el objeto y dónde comienza el arte?

18/05/2026

Hoy celebramos mucho más que edificios o colecciones.
Celebramos los espacios donde la memoria, la identidad y la imaginación permanecen vivas.

En el Día Internacional de los Museos, reconocemos a las instituciones que han protegido el patrimonio cultural del mundo, impulsando el diálogo entre generaciones, culturas y territorios.

Cada museo es un puente entre el pasado y el futuro.
Un lugar donde el arte deja de ser solamente contemplación y se convierte en reflexión, educación y transformación.

Gracias a los museos, curadores, investigadores, restauradores y a todas las personas que dedican su vida a preservar la historia visual de la humanidad.

El arte necesita de los museos.
Pero los museos también necesitan de una sociedad que continúe creyendo en la cultura, en la sensibilidad y en el poder del conocimiento.

Feliz Día Internacional de los Museos.

16/05/2026

Hay esculturas que parecen observar el tiempo en silencio.

Esta obra en bronce de Leonora Carrington, titulada Musa (2008), transmite una presencia casi ritual. La figura vertical, los rasgos simplificados y la sensación totémica conectan directamente con el universo simbólico que convirtió a Carrington en una de las voces más poderosas del surrealismo internacional.

Su obra escultórica no busca únicamente representar una figura; crea entidades cargadas de misticismo, espiritualidad y memoria ancestral. En cada volumen existe una tensión entre lo humano y lo fantástico, entre la quietud y la energía interior.

Leonora Carrington logró construir un lenguaje propio donde la escultura se convierte en un puente entre mundos imaginarios, alquimia y tradición.

Musa
Bronce
67.5 × 18 × 18 cm
2008

Una presencia silenciosa… pero imposible de ignorar.

— MS Latin Art

15/05/2026

Hay obras que no necesitan imponerse para permanecer en la memoria.
La pintura de Edgardo Coghlan logra justamente eso: transformar una escena cotidiana en una atmósfera de silencio, luz y emoción.

En esta composición, las figuras parecen emerger suavemente entre veladuras y reflejos cálidos, creando una sensación casi suspendida en el tiempo.
Coghlan no busca el dramatismo; busca la humanidad.

Sus pinceladas suaves, los contornos difuminados y la integración entre figura y ambiente revelan una sensibilidad profundamente ligada al arte mexicano del siglo XX, donde la luz se convierte en protagonista y la vida cotidiana adquiere un carácter poético.

Una obra donde la técnica no grita… respira.

—

There are paintings that do not need to dominate a room to remain unforgettable.
The work of Edgardo Coghlan transforms an everyday scene into an atmosphere of light, silence, and emotion.

Through delicate glazing, softened contours, and luminous tonal transitions, Coghlan creates a composition that feels suspended in time.
Rather than pursuing drama, he captures intimacy and humanity.

His painterly language reflects a refined connection to 20th-century Mexican figurative art, where light becomes the true subject and ordinary life becomes poetic.

A painting that does not shout… it breathes.

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Mexico City
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