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Azulejo Gallery, 10, Samseong-ro 149-gil, Gangnam-gu, Seoul (2026)

13/04/2026

[Closing 화랑미술제 2026]

게리 코마린, 비아니, 지민경, 테레사 쿠바스, 티기 타이허스트와 함께 참여한 2026 화랑미술제는 막을 내렸습니다. 아줄레주 갤러리 부스를 찾아주신 많은 관람객과 관계자분들께 깊은 감사의 인사를 드립니다.

아줄레주 갤러리는 ART BUSAN 아트페어로 곧 인사드리겠습니다. 감사합니다 🖤

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The 2026 Korean Galleries Art Fair, where Azulejo Gallery participated with Gary Komarin, Viani, Ji Mingyoung, Teresa J Cuevas, and Tiggy Ticehurst, has come to a close. We would like to extend our sincere gratitude to all visitors and partners who took the time to visit our booth.

Azulejo Gallery looks forward to seeing you again soon at ART BUSAN.

Thank you 🖤

12/04/2026

[2026 화랑미술제]
𝐁𝐨𝐨𝐭𝐡 𝐍𝐨. C44ㅣ 𝐀𝐳𝐮𝐥𝐞𝐣𝐨 𝐆𝐚𝐥𝐥𝐞𝐫𝐲
2026. 4. 8 (수) - 12(일)
VIP & PRESS : 4. 8 (수)

Teresa J Cuevas는 종이를 찢고, 겹치고, 쌓는 과정을 통해
평면을 넘어 자연 속의 공간처럼 느껴지는 작업을 선보입니다.

종이의 층과 두께는 빛에 따라 달라지며,
작품은 시간과 환경에 따라 미묘하게 변화합니다.
화려한 이미지 대신, 겹과 여백이 만들어내는 조용한 긴장과 균형 속에서
깊이 있는 밀도와 구조를 경험할 수 있습니다.

아줄레주 갤러리 부스 C44에서
테레사 쿠바스의 작품을 직접 만나보시고,
관련 문의도 편하게 남겨주시기 바랍니다.

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Teresa J Cuevas presents works that transcend the flat surface, evoking spaces reminiscent of nature through processes of tearing, layering, and assembling paper.

The layers and thickness of paper shift with light, and the works subtly transform over time and environment.
Rather than relying on vivid imagery, her practice reveals a quiet tension and balance created through layers and negative space, offering a deeply immersive sense of density and structure.

We invite you to experience Teresa J Cuevas’s works at Booth C44 of Azulejo Gallery.
For inquiries, please feel free to contact us.

10/04/2026

[2026 화랑미술제]
𝐁𝐨𝐨𝐭𝐡 𝐍𝐨. C44ㅣ 𝐀𝐳𝐮𝐥𝐞𝐣𝐨 𝐆𝐚𝐥𝐥𝐞𝐫𝐲
2026. 4. 8 (수) - 12(일)
VIP & PRESS : 4. 8 (수)

아줄레주 갤러리 전속 작가 게리 코마린은 이름 붙지 않은 기억과 잠재의식을 색과 형태로 풀어내는 작업을 이어오고 있습니다.

계획 없이 남겨진 흔적들은 실패와 우연을 거치며 그만의 질서로 완성되고, 보이지 않는 감정과 심리를 드러내는 자유롭고 즉흥적인 회화로 이어집니다.

코마린의 Cake Series는 레시피 없이 케이크를 만들던 어머니에 대한 기억에서 출발합니다.
흐르거나 삐뚤어진 형태는 사랑이 담긴 순간이자, 곧 사라질 시간의 기억을 담고 있습니다.

축하와 동시에 스치는 허무의 감정, 그 찰나의 순간을 붙잡아 작품으로 남기며 케이크의 의미는 회화 속에서 계속해서 확장됩니다.

작품 앞에 선 관객은 잠시, 축하받는 듯한 감각으로 이 시리즈를 마주하게 됩니다.

아줄레주 갤러리 부스 C44에서
게리 코마린의 작품을 직접 만나보시기 바랍니다.

Gary Komarin, exclusively represented by Azulejo Gallery, continues to explore unnamed memories and the subconscious through color and form.

Marks left without premeditation evolve through failure and chance, gradually forming their own internal order. His work unfolds into a free and intuitive painterly language that reveals invisible emotions and psychological states.

Komarin’s Cake Series originates from memories of his mother, who baked cakes without recipes. The flowing and imperfect forms embody moments filled with affection, while simultaneously holding traces of time that inevitably fade.

Capturing both celebration and the fleeting sense of emptiness that accompanies it, Komarin preserves these ephemeral moments on canvas. Within his paintings, the meaning of the “cake” continues to expand beyond its literal form.

Standing before the work, the viewer is invited—if only briefly—to experience a quiet sensation of being celebrated.

We warmly invite you to experience Gary Komarin’s works at Booth C44, Azulejo Gallery.

08/04/2026

[2026 화랑미술제]
𝐁𝐨𝐨𝐭𝐡 𝐍𝐨. C44ㅣ 𝐀𝐳𝐮𝐥𝐞𝐣𝐨 𝐆𝐚𝐥𝐥𝐞𝐫𝐲
2026. 4. 8 (수) - 12(일)
VIP & PRESS : 4. 8 (수)

지민경 작가는 지필묵을 기반으로 사람과 풍경이 지닌 조형성을 탐구합니다.
단순한 기호처럼 보이는 형상 속에는 눈에 보이지 않는 빛의 흐름이 담겨 있으며, 이는 검은색의 깊이를 통해 드러납니다.

작가에게 있어 이러한 흔적은 무의식의 표식과도 같습니다.
먹의 얼룩과 붓의 필적은 마치 멍과 상처처럼 화면 위에 남겨지며, 시간과 감각의 축적을 보여줍니다.

그 안에서 우리는 묵묵히 자라나는 생명의 힘과, 보이지 않는 내면의 움직임을 마주하게 됩니다.

아줄레주 갤러리 부스 C44에서 지민경 작가의 작품을 선보입니다.
많은 관심 부탁드립니다.

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Artist Ji Mingyoung explores the formal qualities of figures and landscapes through traditional ink on paper.

Within forms that appear as simple signs, she visualizes the unseen presence of light, rendered through the depth of black.

For the artist, these traces function as imprints of the unconscious.
Ink stains and brush marks remain on the surface like bruises and wounds, revealing an accumulation of time and sensation.

Through these works, we encounter a quiet yet persistent vitality—an inner force of life that continues to grow.

We are pleased to present Ji Mingyoung’s works at Booth C44.
We look forward to welcoming you.

31/03/2026

[2026 화랑미술제]
𝐁𝐨𝐨𝐭𝐡 𝐍𝐨. C44ㅣ 𝐀𝐳𝐮𝐥𝐞𝐣𝐨 𝐆𝐚𝐥𝐥𝐞𝐫𝐲
2026. 4. 8 (수) - 12(일)
VIP & PRESS : 4. 8 (수)

2026년 4월, 코엑스에서 개최되는 화랑미술제에 아줄레주 갤러리가 참가합니다.
• 게리 코마린 GARY KOMARIN
• 비아니 VIANI
• 지민경 JI MINGYOUNG
• 티기 타이허스트 TIGGY TICEHURST
• 테레사 쿠바스 TERESA J CUEVAS
각기 다른 작업 세계를 지닌 다섯 작가의 작품을 한자리에서 선보입니다.
부스 C44에서 뵙겠습니다.
감사합니다!

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2026 Galleries Art Fair
𝐁𝐨𝐨𝐭𝐡 𝐍𝐨. C44ㅣ 𝐀𝐳𝐮𝐥𝐞𝐣𝐨 𝐆𝐚𝐥𝐥𝐞𝐫𝐲
April 8 – 12, 2026
VIP & PRESS: April 8

Azulejo Gallery is pleased to participate in the 2026 Galleries Art Fair, held at COEX in April.

• GARY KOMARIN
• VIANI
• JI MINGYOUNG
• TIGGY TICEHURST
• TERESA J CUEVAS

We will present works by five artists, each with a distinct artistic practice, in a single booth.

We look forward to welcoming you at Booth C44.

Thank you.

25/03/2026

[introduction]

건축과 예술의 경계를 허무는 현대 작가, 에저 군두즈( )는 터키 미마르 시난 미술대학교에서 건축을 전공한 이후 조형과 회화를 결합한 독창적인 작업 세계를 구축해왔습니다.

강렬한 제스처와 대담한 색면, 그리고 매뉴얼과 과학 도해를 연상시키는 섬세한 디테일은 하나의 화면 안에서 공존하며, 도시의 구조와 기술의 진화, 그리고 인간 감각의 혼란을 시각적으로 풀어냅니다.

특히 ‘Metropolis’ 시리즈에서는 산업화 이후 인간과 기계의 관계를 조형적 언어로 드러내며, 과거의 괴물이 오늘날의 기계로 대체된 시대적 불안과 미래적 긴장을 함께 담아냅니다.

구조적이면서도 감각적인 그의 회화는
건축적 사고와 예술적 직관이 교차하는 지점에서 형성되며, 하나의 이미지이자 동시에 읽히는 구조로 확장됩니다.

그의 작업은 화면을 바라보는 순간, 질서와 혼란이 교차하는 동시대의 감각을 새롭게 환기합니다.

Eser Gündüz is a contemporary artist who dissolves the boundaries between architecture and art. After studying architecture at Mimar Sinan Fine Arts University in Turkey, he has developed a distinctive practice that merges sculptural thinking with painterly expression.

Within a single pictorial field, bold gestures and expansive color planes coexist with intricate details reminiscent of technical manuals and scientific diagrams. Through this layered visual language, his work explores urban structures, the evolution of technology, and the disorientation of human perception.

In particular, his Metropolis series articulates the relationship between humans and machines in the post-industrial era through a formal, structural vocabulary. It reflects both the anxieties of a time in which past monsters have been replaced by modern machinery and the tensions of an uncertain future.

His paintings are at once structural and sensorial, formed at the intersection of architectural reasoning and artistic intuition. They expand beyond singular images into systems that can be both seen and read.

Encountering his work invites viewers to reconsider the contemporary condition, where order and chaos coexist in a constantly shifting balance.

16/03/2026

[introduction]

Mark Forbes( )는 Leica, Mercedes-Benz, Samsung 등 글로벌 브랜드와 협업해 온 사진가로, 일상의 공간과 사라져가는 풍경, 그리고 자연이 스며드는 순간들을 섬세한 시선으로 기록해 왔습니다.

우리가 사람과 장소, 공간의 이미지를 바라볼수록 우리의 기억은 우리가 간직하기로 선택한 장면들에 의해 조금씩 형성됩니다. 시간이 흐르고 세부적인 기억들이 희미해질 때, 사진은 결국 우리의 기억으로 남게 됩니다.

느리고 신중한 방식으로 쌓여온 이 시리즈는 조용하지만 깊은 감정의 풍경을 만들어냅니다. 작가에게는 ‘수집된 기억’이지만, 그 이미지는 보는 이에게 또 다른 기억으로 남아 새로운 이야기를 만들어냅니다.

Mark Forbes is a photographer who has collaborated with global brands such as Leica, Mercedes-Benz, and Samsung. Through his work, he delicately captures everyday spaces, fading landscapes, and moments where nature quietly seeps into the environment.

As we look at images of people, places, and spaces, our memories are gradually shaped by the scenes we choose to hold onto. As time passes and the finer details begin to fade, photographs ultimately remain as the memories themselves.

Built through a slow and deliberate process, this series creates a quiet yet deeply emotional landscape. While they are the artist’s “collected memories,” these images can also become new memories for the viewer, opening the possibility for entirely new stories to unfold.

13/02/2026

[새해 인사]

새해를 맞아 따뜻한 마음을 전합니다.
늘 아줄레주 갤러리를 아껴주시고 함께해주시는
모든 분들께 진심으로 감사드립니다.
행복한 설 명절 보내시고,
새해에도 평안과 기쁨이 가득하시길 바랍니다.
올 한 해도 좋은 작품과 전시로 인사드리겠습니다.
As we welcome the New Year,
we extend our warmest wishes.
We sincerely thank everyone who continues to support and cherish Azulejo Gallery.
Wishing you a joyful Lunar New Year and a year filled with peace and happiness.
We look forward to sharing meaningful exhibitions and works with you in the year ahead.

11/02/2026

[Introduction]

Teresa J Cuevas ( ) 의 작품은 종이라는 매체가 지닌 가장 본질적인 물성에서 출발합니다. 종이를 찢고, 겹치고, 조각하듯 다루는 과정에서 드러나는 결과 층위는 단순한 표면을 넘어 하나의 구조처럼 작동하며, 작가의 건축적 경험과 미니멀한 감각이 자연스럽게 결합된 형태를 띱니다.

빛은 이 작업에서 중요한 역할을 합니다. 종이의 두께와 레이어는 자연광과 인공조명 아래에서 서로 다른 표정을 드러내며, 하루의 시간과 공간의 분위기에 따라 작품이 섬세하게 변화합니다. 이러한 반응성 덕분에 작품은 공간과 조화롭게 호흡하며, 설치되는 환경에 따라 미묘한 깊이와 여백을 만들어냅니다.

눈에 띄는 색이나 강한 이미지 대신, 표면 뒤에 숨은 구조와 간극의 미묘함에 집중하는 방식은 테레사의 작업을 독자적인 조형 언어로 자리 잡게 합니다. 질감, 리듬, 여백의 균형이 화면에서 고요하게 살아 있으며, 가까이에서는 물질의 디테일이, 멀리에서는 전체의 구조가 또 다른 방식으로 읽혀집니다.

그 결과, 작품은 시간이 지나도 쉽게 소모되지 않는 힘을 지니며, 공간 안에서 하나의 정제된 중심처럼 자리합니다. 조용하지만 깊이 있는 존재감, 그리고 보는 이로 하여금 자연스럽게 시선을 머물게 하는 밀도가 테레사 작업만의 특징으로 남습니다.

The works of Teresa J Cuevas () begin with the most fundamental properties of paper as a material. By tearing, layering, and sculpting the paper, the resulting strata function not merely as surfaces but as structural formations—an expression that naturally merges the artist’s architectural background with her minimal sensibility.

Light plays a crucial role in her practice. The thickness and layering of the paper reveal different expressions under natural and artificial light, allowing the work to shift subtly with the time of day and the atmosphere of the surrounding space. Thanks to this responsiveness, each piece breathes with its environment, creating nuanced depth and quiet intervals that harmonize with its installation context.

Instead of relying on vivid color or strong imagery, Teresa focuses on the subtleties of hidden structures and the gaps behind the surface. This approach establishes a distinctive visual language where texture, rhythm, and spatial balance live quietly on the plane. Up close, the viewer encounters fine material details; from afar, the overall structure unfolds in an entirely different way.

As a result, her works possess a durability that resists easy consumption over time. They anchor themselves as refined focal points within a space—quiet yet resonant, drawing the viewer’s gaze with an understated but compelling presence that defines Teresa’s practice.

03/02/2026

[Introduction]

티기 타이허스트( )의 작품 〈Cake〉는 “Have your cake and eat it too”라는 속담에서 출발합니다. 두 가지를 동시에 가질 수 없다는 뜻으로, 현실의 선택과 타협을 강조하는 이 표현을 티기 작가는 자신만의 위트로 재해석했습니다.

작품의 상단에는 1546년 고어체 문장 “Wolde ye bothe eate your cake and have your cake?”과 함께 딸기가 올라간 클래식한 조각 케이크가 등장합니다. ‘먹어버리면서도 계속 갖고 있고 싶은 마음’, 즉 욕심과 이기심을 비유하던 옛 표현이 시각적으로 드러나는 장면입니다.

아래쪽 접시에는 케이크가 건물의 형태로 변해 있으며, ‘2022’라는 숫자와 함께 디저트가 집·건물·자산으로 치환되는 현대 사회의 욕망을 자연스럽게 떠올리게 합니다. 먹고 즐기고 싶어하면서도 동시에 소유하고 놓치고 싶지 않아 하는 오늘날의 심리를 케이크–건물 이미지로 유머 있게 비튼 것입니다.

〈Cake〉는 작은 케이크 한 조각을 통해 “나는 지금 무엇을 욕심내고 있을까?”라는 질문을 던지며, 일상의 풍경을 유머러스하면서도 세련된 감각으로 재해석한 작품입니다. 티기 작가의 작업은 단순한 선과 밝은 색감으로 이루어져 있지만, 그 안에서 시대의 분위기, 욕망, 언어의 변화가 자연스럽게 읽혀집니다.

티기 타이허스트의 다른 작업들 역시 단순한 이미지 안에 서로 다른 상징과 이야기를 품고 있어, 작가가 남겨둔 단서들을 따라가다 보면 자연스럽게 각 장면의 맥락을 발견하게 되는 흥미로운 경험을 제공합니다.

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Tigy Tigheurst’s 〈Cake〉 begins with the saying “Have your cake and eat it too,” a reminder that we cannot have everything at once. The artist reinterprets this idea with her characteristic wit.

At the top of the piece, the 1546 Middle English phrase
“Wolde ye bothe eate your cake and have your cake?” appears beside a classic strawberry-topped cake, illustrating the desire to consume something while still wanting to keep it — a timeless metaphor for human greed.

Below, the cake reappears as a building marked “2022,” prompting viewers to consider how a simple dessert becomes a symbol of home, property, and asset in contemporary life.
By linking the cake and building imagery, the work humorously reflects today’s impulse to enjoy, possess, and hold onto everything at once.

Through a single slice of cake, 〈Cake〉 asks, “What am I greedy for at this moment?”
Transforming an everyday scene with a humorous yet refined touch, the piece reveals shifting desires, social moods, and the evolution of language through simple lines and bright colors.

Tigheurst’s other works also carry distinct symbols and stories, inviting viewers to uncover layered meanings through the subtle visual clues she leaves behind.

28/01/2026

[Introduction]

티기 타이허스트( )의 작품은 러프하게 재단된 코튼 패브릭 위에 유머와 풍자를 담아내면서 일상 공간 속에서 자연스럽게 시선을 끌어당기는 힘을 지니고 있습니다. 집이나 스튜디오, 라운지 등 어디에 두어도 편안하면서도 뚜렷한 존재감을 만들어냅니다.

티기 작가는 뉴욕의 예술·패션·도시문화를 간결한 드로잉과 직접적인 유머로 기록합니다. Miu Miu, Koons, Matisse 패러디부터 도시 풍경 시리즈까지, 각 작품은 처음에는 웃음을 주지만 그 안에 현대인의 소비와 이미지 문화에 대한 예리한 관찰이 담겨 있습니다.

패브릭 특유의 질감과 올풀림은 공간을 부드럽게 환기시키며 뉴욕 거리의 포스터를 연상시키는 시각적 매력을 더합니다. 이러한 포맷은 티기 작가의 유머러스한 감성과 조화를 이루어 공간을 캐주얼하면서도 현대적으로 보이게 합니다.

티기 타이허스트의 작업은 웃음 뒤에 생각과 여운을 남기며, 예술이 일상 속에 자연스럽게 스며드는 방식을 보여줍니다. 그는 현대 사회의 모습을 가장 솔직한 시선으로 포착해 자신의 언어로 풀어내며, 복잡한 현실을 유쾌하고 가볍게 환기시키는 작품 세계를 구축하고 있습니다.

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Tigy Tigheurst’s works carry a unique presence, drawing the eye naturally within everyday spaces.
Rendered on roughly cut cotton fabric, his images combine humor and satire to create pieces that feel both relaxed and distinctly noticeable—whether placed in a home, studio, or lounge setting.

Tigheurst captures the essence of New York’s art, fashion, and urban culture through concise drawings and direct, witty commentary.
From parodies of Miu Miu, Koons, and Matisse to series that reinterpret cityscapes, his works may first evoke a light laugh, yet they hold sharp observations on modern consumption and image-driven culture.

The fabric’s inherent texture and frayed edges gently lift the atmosphere of a space, recalling the visual language of posters and banners found on the streets of New York.
This material choice harmonizes with the artist’s playful sensibility, allowing his works to appear casual yet strikingly contemporary.

Tigheurst’s practice leaves viewers with humor, reflection, and a lingering sense of resonance.
By capturing the realities of modern life through an honest, uncomplicated lens, he offers an artistic language that refreshes the complexities of everyday experience with lightness and wit.

26/01/2026

[introduction]

비아니( )의 작업은 단순한 회화가 아니라, 공간을 재구성하는 요소로 기능합니다.
획의 흐름과 여백의 비율이 벽면의 긴장감을 즉각적으로 조정하며, 어떤 장소에서도 중심을 잡아주는 구조적 힘을 갖고 있습니다.

블랙을 기반으로 한 화면은 색이 많은 공간에서는 시각적 균형을 잡아주고, 미니멀한 공간에서는 깊이를 더하는 방식으로 반응합니다.
빛의 변화에 따라 농도와 질감이 달라지기 때문에, 낮과 밤, 자연광과 조명 아래에서 공간의 표정이 함께 변하는 효과가 나타납니다.

특히 비아니의 획은 형태적 과장을 배제해 가구나 오브제와 충돌하지 않으며, 자연스럽게 동선을 정리하는 역할을 합니다.
획이 가진 방향성 덕분에 작품을 설치하는 것만으로도 공간 전체에 움직임과 입체감이 생기고, 공간의 크기와 관계없이 확장된 인상이 형성됩니다.

넉넉한 여백은 작은 공간에서는 개방감을, 큰 공간에서는 안정감을 제공하는 구조로 작동합니다.
이러한 특성은 주거 공간뿐 아니라 카페, 사무실, 갤러리 로비 등 다양한 스타일의 인테리어와도 높은 호환성을 보여줍니다.

표면의 미세한 변화와 깊이감 있는 블랙은 시간이 지날수록 더 많은 정보를 드러내며, 공간의 질감을 자연스럽게 끌어올립니다.
이러한 조형적 장점 때문에 비아니의 회화는 공간 스타일링 용도로도, 장기적인 컬렉션으로도 꾸준히 선택되고 있습니다.

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The works of Viani () function not merely as paintings, but as architectural elements that actively reconfigure the surrounding space.
The flow of his strokes and the proportion of negative space instantly recalibrate the tension of a wall, providing a structural anchor that holds its presence in any environment.

Grounded in black, his canvases bring visual balance to color-heavy interiors and add depth to minimalist spaces.
Because the density and texture of the surface shift with changes in lighting, the character of the space transforms throughout the day—under natural light, artificial illumination, day, and night.

Viani’s strokes avoid excessive formal assertion, allowing them to coexist effortlessly with furniture and objects without visual conflict.
The inherent directionality in his gestures introduces movement and dimensionality across the room, creating an expanded spatial impression regardless of the area’s size.

The generous negative space generates openness in smaller spaces and stability in larger ones, resulting in a highly adaptable structure that harmonizes with a range of interior styles—from residential environments to cafés, offices, and gallery lobbies.

Subtle surface variations and the depth of his black tones reveal more nuances over time, naturally elevating the texture and atmosphere of the space.
Because of these compositional strengths, Viani’s paintings are consistently chosen both for spatial styling and for long-term collecting.

Azulejo Gallery

13/04/2026

12/04/2026

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