ART FRICHE ZONE

10/06/2026

In un momento storico in cui la provincia si ritrova al centro di un nuovo hype culturale e narrativo, la mostra fotografica 𝐓𝐑𝐀𝐍𝐒|𝐇𝐔𝐌𝐔𝐒: 𝐀𝐧𝐚𝐭𝐨𝐦𝐢𝐞 𝐝𝐢 𝐩𝐫𝐨𝐯𝐢𝐧𝐜𝐢𝐚 di 𝗟𝘂𝗰𝗮 𝗩𝗲𝗿𝗻𝗮𝗰𝗰𝗵𝗶𝗼 (Benevento, 1996) ne attraversa le contraddizioni più profonde.

La sua ricerca fotografica si sviluppa nell’ambito di un eco-attivismo dalla marcata matrice performativa, in cui il paesaggio della dorsale appenninica viene immortalato come estensione agita del corpo. Un orizzonte effimero in cui l’azione si sedimenta nel tempo, attraverso permanenze e osservazioni sul campo che ne registrano, per riflesso, tanto le assenze quanto le forme di resistenza.

È quindi attraverso la pratica performativa dell’autoritratto che 𝗟𝘂𝗰𝗮 𝗩𝗲𝗿𝗻𝗮𝗰𝗰𝗵𝗶𝗼 introduce una dimensione processuale, facendo del proprio corpo uno strumento critico che, consapevolmente sottratto a ogni forma di estetizzazione e idealizzazione, va a intercettare la realtà delle aree interne come traiettoria erratica di una più ampia “geografia del disincanto”.

Sono questi luoghi rurali e periferici, simbolicamente liminali e che sembrano esistere fuori dal tempo, profondamente segnati da dinamiche di spopolamento, di abbandono e di trasformazioni ambientali e infrastrutturali che ne stanno progressivamente erodendo l’identità. Il medium fotografico assume così una dimensione antropologica attraverso incontri, materiali raccolti e interventi temporanei che concorrono alla formazione di un archivio in divenire, contenente una serie di mappe emotive del territorio.

All’interno di questa disamina, il progetto curatoriale di 𝐓𝐑𝐀𝐍𝐒|𝐇𝐔𝐌𝐔𝐒 si concentra quindi sulla relazione tra corpo e contesto, che, proprio nella nozione stessa di “anatomie”, instilla l'idea di uno spazio abitativo e performativo assunto come principale interlocutore processuale del proprio campo relazionale.

In tal senso, lo stesso titolo della mostra si configura come un dispositivo curatoriale. 𝐓𝐑𝐀𝐍𝐒|𝐇𝐔𝐌𝐔𝐒 richiama, infatti, l’idea di un attraversamento fisico, laddove il riferimento etimologico ai termini latini 𝗍𝗋𝖺𝗇𝗌 (“oltrepassare”) e 𝗁𝗎𝗆𝗎𝗌 (“suolo”) genera un’istanza osmotica tra corpo e paesaggio, tra anatomia individuale e geografia collettiva, invitandoci ad abitare la cesura ideologica di territori ancora (apparentemente) incontaminati.

Ecco che l’approdo presso la vetrina espositiva della 𝗡𝗜𝗧𝗜𝗗𝗢 - 𝗘𝘅𝗵𝗶𝗯𝗶𝘁𝗶𝗼𝗻 & 𝗕𝗼𝗱𝘆𝗔𝗿𝘁 - in occasione della prima personale romana dell’artista - evidenzia una continuità curatoriale con le pratiche e le istanze della Body Art contemporanea. La mostra valorizza infatti una ricerca in cui il corpo non emerge come semplice soggetto rappresentato, ma quale territorio e archivio politico di pratiche ibride tra performance, autorappresentazione e sperimentazione visiva.

Infine, la stessa natura dello spazio-vetrina, esposto alla strada, impone una relazione immediata con lo sguardo urbano, entrando in frizione con l’immaginario evocato dalle opere presentate in mostra. Questo confronto diretto apre uno spazio contemporaneo di riflessione, visiva e sociale, sulle dinamiche di centralità e marginalità, mettendo in luce continuità, fratture e reciproche influenze tra il ritmo e la densità relazionale della città e la sospensione geografica, quanto simbolica, delle aree interne.
ph 𝗟𝗼𝗿𝗲𝗻𝘇𝗼 𝗕𝗮𝗹𝗱𝗮𝘀𝘀𝗮𝗿𝗿𝗲 | 𝗦𝗶𝗺𝗼𝗻𝗮 𝗚𝗿𝗶𝗹𝗹𝗼
𝑐𝑜𝑢𝑟𝑡𝑒𝑠𝑦 𝑜𝑓 𝑡ℎ𝑒 𝑎𝑟𝑡𝑖𝑠𝑡 ©

15/05/2026

13/05/2026

𝐓𝐑𝐀𝐍𝐒-𝐇𝐔𝐌𝐔𝐒 su 𝗝𝘂𝗹𝗶𝗲𝘁 𝗔𝗿𝘁 𝗠𝗮𝗴𝗮𝘇𝗶𝗻𝗲

Prima personale romana di Luca Vernacchio, la mostra fotografica TRANS-HUMUS: Anatomie di provincia approda nella vetrina espositiva della NITIDO - Exhibition & BodyArt

12/05/2026

𝐓𝐑𝐀𝐍𝐒|𝐇𝐔𝐌𝐔𝐒 su 𝗘𝘅𝗶𝗯𝗮𝗿𝘁 💜

ROMA – La NITIDO-Exhibition & BodyArt ospita TRANS-HUMUS: Anatomie di provincia, personale di Luca Vernacchio che, attraverso l’autoritratto performativo, documenta la realtà delle aree interne

11/05/2026

𝐓𝐑𝐀𝐍𝐒 | 𝐇𝐔𝐌𝐔𝐒: 𝐴𝑛𝑎𝑡𝑜𝑚𝑖𝑒 𝑑𝑖 𝑝𝑟𝑜𝑣𝑖𝑛𝑐𝑖𝑎 su 𝐄-𝐙𝐈𝐍𝐄

ROMA - La NITIDO-Exhibition & BodyArt ospita la mostra fotografica TRANS-HUMUS: Anatomie di provincia, personale di Luca Vernacchio che, attraverso l’autoritratto performativo, documenta la realtà delle aree interne

18/02/2026

Alla 𝗚𝗮𝗹𝗹𝗲𝗿𝗶𝗮 𝟮𝟵𝟭 𝗘𝘀𝘁, 𝗦𝗶𝗹𝘃𝗶𝗮 𝗙𝗮𝗶𝗲𝘁𝗮 porta in mostra una riflessione strutturale sulla poetica dell’imperfezione. Ed è così che la sua personale 𝟭. 𝟭. 𝟮. 𝟯. 𝟱. 𝟴. 𝟭𝟯 – 𝗔𝗹 𝗱𝗶 𝗹𝗮̀ 𝗱𝗲𝗹 𝗱𝗶𝗳𝗲𝘁𝘁𝗼 delinea uno spazio scultoreo in cui il pensiero matematico dialoga con una sottesa dimensione simbolica, ridefinendo il concetto di “difetto” come principio di discontinuità generativa. In questo slittamento semantico, l’artista mette in relazione l’apparente rigore geometrico con la condizione dell’imprevisto, dando origine ad una dinamica processuale ed epistemica volta ad interrogare le condizioni stesse dell’esperienza artistica.

Fin dal titolo, che richiama la sequenza di 𝐹𝑖𝑏𝑜𝑛𝑎𝑐𝑐𝑖, emerge il riferimento ad una progressione organica: un ordine latente che governa i processi del mondo naturale e che, nel lavoro di 𝗦𝗶𝗹𝘃𝗶𝗮 𝗙𝗮𝗶𝗲𝘁𝗮, viene riletto come elemento di rottura, trasformando l’imperfezione in un potenziale generativo inedito. In questa prospettiva, l’artista si allontana dalla sua consueta pratica - fondata sulla purezza dell’oggetto e sul controllo formale - estendendo la propria disamina al valore di ciò che comunemente consideriamo come non conforme, marginale o imperfetto.

Queste sono le coordinate che consolidano l’istanza tensiva delle dodici opere in mostra: dodici ambienti ideali, progettati in serie e identificati come “luoghi” in progressione. In essi si può rintracciare un’affinità con gli environments monocromatici di 𝗟𝗼𝘂𝗶𝘀𝗲 𝗡𝗲𝘃𝗲𝗹𝘀𝗼𝗻, in cui l’assemblaggio e la ripetizione diventano strumenti di trasfigurazione simbolica e alchemica.

Ecco che, codificato da riferimenti numerologici e simbolici, ciascun 𝑳𝒖𝒐𝒈𝒐 si configura come un microcosmo assemblato per accumulo: un sistema aperto, in continua trasformazione e, per sua natura, intrinsecamente incompiuto. Ed è in tale reiterazione modulare che va ad instillarsi una sottile vertigine, accentuata dalla valenza simbolica del bianco e del nero, volta ad enunciare una possibile riconciliazione degli opposti in risposta al caos esterno.

Ne scaturisce un effetto ipnotico, in cui la dicromia dei volumi, alternata a schemi a scacchi e pattern ripetitivi, trasforma lo spazio espositivo della 𝗚𝗮𝗹𝗹𝗲𝗿𝗶𝗮 𝟮𝟵𝟭 𝗘𝘀𝘁 — a cura di 𝗩𝗮𝗻𝗶𝗮 𝗖𝗮𝗿𝘂𝘀𝗼 in collaborazione con la 𝗠𝗼𝘀𝘁𝗮𝗿𝗱𝗮 𝗗𝗲𝘀𝗶𝗴𝗻 — in un’unica installazione ambientale, capace di ridefinire i confini tra opera e spazio, tra visione e attraversamento. In tale dimensione immersiva, lo sguardo è guidato in una deriva percettiva, dove lo sguardo fluttua tra le enigmatiche epifanie di un possibile altrove.

[... 𝑑𝑎𝑙 𝑡𝑒𝑠𝑡𝑜 𝑐𝑟𝑖𝑡𝑖𝑐𝑜© 𝑝𝑢𝑏𝑏𝑙𝑖𝑐𝑎𝑡𝑜 𝑛𝑒𝑙 𝑐𝑎𝑡𝑎𝑙𝑜𝑔𝑜 𝑑𝑒𝑙𝑙𝑎 𝑚𝑜𝑠𝑡𝑟𝑎]