SirocoMag, Guggenheim Museum Bilbao, Avenida Abandoibarra, Santander (2026)

01/02/2024

Dibujar sin papel: Gego en el Guggenheim es una reflexión sobre la trayectoria de la artista germano-venezolana Gertrud Goldschmidt -Gego-, una de las figuras fundamentales en la escena artística latinoamericana del siglo XX, con pretexto de la exposición del Museo Guggenheim de Bilbao, Midiendo el infinito hasta el 04.02, comisariada por Geaninne Gutiérrez-Guimarães:

Gertrud Goldschmidt (Hamburgo, 1912–Caracas, 1994), Gego, es una figura ácrata, inclasificable y escapista a todo molde y corriente. (...) El protagonismo innegable del movimiento conquista la segunda y la tercera dimensión a partir de sus creaciones con alambres eternos, que desarrollan complejos y rígidos mundos conceptuales en planos orgánicos, que flotan libres en el campo de visión del espectador. En esta exhibición multidisciplinar -desde textiles, grabados, dibujos, esculturas hasta fotografías o libros de artista compuesta por más de un centenar de objetos, rastreamos la evolución de la artista desde la década de los 50 hasta los años 90. (...)

Para leer el texto completo, click en bio.

Imágenes: Bichito 89/22 (1989), Gego. Hierro, cobre, plástico y pintura. 13,5 x 9,5 x 9 cm. Colección MACBA. Consorcio MACBA. Depósito Fundación Gego © Fundación Gego. Foto: FotoGasull, Cortesía MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona./Vista del montaje de Gego. Midiendo el infinito en el Museo Guggenheim de Bilbao.

18/01/2024

Exposiciones venideras en La Casa Encendida (Madrid), IVAM (Valencia) y CAC (Málaga): Viajamos desde el “Loving the Alien” -comisariada por Laura López Paniagua, a partir del 2.02 en LCE- hasta el “Archivo de escuchas”, que gira alrededor de la práctica de Llorenç Barber (y otros), con Lorenzo Sandoval y Montserrat Palacios como comisarios y en el IVAM desde el 08.02, pasando por las dos exposiciones del CAC: “Keep it Cute” de Pablo Little y “One Summer’s Day” de Fran Ramírez VIOLA, que comenzarán ambas 19.01.

En La Casa Encendida y su “Loving the Alien” asistimos al cuestionamiento y la reflexión de ideas como alteridad-otredad, identidad y sus límites (en relación con el propio cuerpo), el movimiento literal y figurado y las metamorfosis a ellas asociadas a partir del posicionamiento de Sandra Mujinga, Anne Duk Hee Jordan, Mari Katayama y Ovartaci. Una muestra con un gran peso teórico, sostenido por la polisemia del propio título, alien, referencia a D. Bowie, y por el alineamiento de las diferentes artistas con Donna Haraway y la multiplicidad de relatos que “expliquen el mundo”.

“Llorenç Barber. Archivo de escuchas” en el IVAM profundiza en la obra del artista sonoro y musicólogo Llorenç Barber y en las relaciones entre arte-música-ecología. Barber trabaja en la plurifocalidad, creando sonidos -y conciertos- que conversen con las propias ciudades y “desde la percepción del paisaje sonoro como forma de producción musical”, presentes en esta exposición, junto a colaboraciones externas ocurridas a lo largo de los años. Lorenzo Sandoval y Montserrat Palacios proponen aquí un travelogue sónico.

“Keep it Cute” del artista Pablo J. Rodríguez (Little) y “One Summer’s Day” de Fran Ramírez VIOLA, dos solo show en el CAC malagueño (Sala La Coracha), tienen en común el acervo pop, con iconografías personales cuyas referencias reflejan sus vastos y repletos mundos interiores. Pablo Little crea desde lo naif, en un juego continuo entre adulto-niño que da como resultado piezas genuinamente propias. VIOLA, neopop, dialoga con el mundo del anime engarzado en su propio contexto vital y artístico, que nos hace viajar hacia nuestro intrínseco onirismo interior.

11/01/2024

«sus esculturas no reflejan los cuerpos de la geometría en un espacio intemporal, pero tampoco aluden a una historia o a una mitología: evocan, más bien, una suerte de física cualitativa que recuerda a la de los filósofos presocráticos» diría el escritor mexicano Octavio Paz a finales de los años 70 sobre el trabajo de Eduardo Chillida.

100 años del nacimiento del infatigable artista guipuzcoano Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924- San Sebastián, 2022), cuyas creaciones se podrían entender como una danza entre materia física e idea, naturaleza y elemento trascendente. Un diálogo tácito entre los materiales -desde piedra, acero o madera- y el alma de los mismos.

La colosal obra de Chillida, necesariamente orgánica, mitrógrafa; el nacionalismo vasco en su origen sumado a un proyecto escultórico eminentemente moderno, que supo recoger la pulsión de un momento y una nación, aunar influencias para crear algo nuevo, y crear una escultura conceptual desde unos materiales alejados de la nobleza de los mármoles: el poso de un nuevo ser humano, sin Dios ni amo, solo naturaleza y poesía.

Imagen: cortesía de Chillida-Leku.

28/12/2023

La fotografía se nos revela como una parcela seccionada de la realidad, directa y cruda: nos informa y nos habla según nuestro propio bagaje. Sin embargo, la ficción también puede ser fundamental en ese escarpado e inclasificable mundo de la puesta en escena (fotográfica). A propósito de la cuestión ficción-realidad, la fotógrafa Cristina de Middel (Alicante, 1975) pone esto de manifiesto continuamente con sus trabajos, desde el mítico Afronautas (2014) hasta su actual exhibición en la Sala Canal de Isabel II, Cartas al director, donde se abre una dialéctica entre fotoperiodismo, prensa tradicional y su función informativa.

Hablamos con la gestora cultural Semíramis González (Gijón, 1988) a propósito de la exposición "Cartas al director" de Cristina de Middel en la Sala Canal Isabel II (hasta el 14 de enero en Madrid), como comisaria de la muestra. Conversamos con ella sobre sobre ficción y verdad, el humor en la obra de De Middel o la banalización de las imágenes en la actualidad:

[...] SM: En la obra de Cristina de Middel, ficción y verdad se entremezclan continuamente. ¿Qué opinión te merece la ficción en el universo fotográfico en general y en particular en el caso de De Middel?
SG: La ficción es, desde mi punto de vista, una de las herramientas más interesantes para trasladar ideas que hay. Lo proponían ya en los 80 en la literatura autoras como Ursula K. LeGuin y Octavia Butler y justamente a través de la ficción proponían discursos críticos con mucha más trascendencia de lo aparente. Yo me baso en esto para plantear esta exposición y releer el trabajo de De Middel desde esta óptica. Mi convencimiento está en que lo ficticio tiene capas de lectura muy a largo plazo y más profundas que mucho de lo meramente evidente. En esta exposición creo que se palpa esto y quien acaba la exposición se va con el sabor de boca de que acaban de decirle algo muy potente a través de ese juego entre realidad y ficción.[...]

Para leer la entrevista completa, click en bio.

Créditos de las imágenes en comentarios⬇️

14/12/2023

Isabel Azkarate en Artegunea (edificio Tabakalera), exposición comisariada por Silvia Omedes -Fundación Photographic Social Vision- que nos muestra el periplo profesional y personal de la primera fotoperiodista vasca.
La exhibición de (San Sebastián, 1950) -cuyo archivo reside en Fototeka de Kutxa Fundazioa- está dividida temática y cronológicamente en varias narrativas, que nos inducen en el dulce sueño del ideal de la fotografía: la verdad, la captura del instante y el tiempo que sostienen cada instantánea de Azkarate.
Las temáticas van desde su etapa de formación en Barcelona y Estados Unidos a sus numerosas travesías por el mundo, los años convulsos de la política de País Vasco o el circo y sus moradores; personajes que pueblan los espacios que imagina y construye el ingenio inagotable de Azkarate.

Isabel Azkarate -exhibición impulsada y producida por -, más de 40 años de carrera artística, que se podrá visitar hasta el 25 de febrero de 2024.

Fotografías: Bette Davis en el photocall del Hotel María Cristina. FICSS, San Sebastián, 1989. Kutxateka / Fondo Isabel Azkarate. Cortesía de Kutxa Fundazioa.

30/11/2023

En conversación con Co-Net_, colectivo formado por dos artistas: Carlos Sebastià y Agustín Serisuelo que, entre múltiples acciones, impulsan las residencias artísticas de PhotoRes, ArtRes y CeramicRes (Open Studio próximo 1 de diciembre), todas afincadas en la provincia de Castellón.
Estas residencias parten de una relación más orgánica entre el artista y su entorno más inmediato, caminando hacia un mayor calado del arte en la sociedad en la que se inserta. Hablamos con Carlos Sebastià y Agustín Serisuelo, .residency , sobre residencias artísticas y su peso en la trayectoria de los creadores, arte y sociedad o la importancia de unir lo local y los encuentros artísticos como agentes culturales.

Para leer la entrevista completa, click en bio.

Fotografías: Fotografía de Co-Net_ por Juan Vicent./ Mónica Mays durante la residencia CeramicRes 2023./ Co_Net- con los artistas que forman parte de la residencia de ArtRes 2023. Fotografías por Juan Vicent. Cortesía de Co-Net_

23/11/2023

“Silencios de tiempos”, exhibición de Co**ha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941) en el CAAC de Sevilla. Jerez, artista conceptual, que se sirve de diversas -y múltiples- disciplinas para expresar su densa y poética crítica, moldeada en piezas site specific, alegorías sobre tiempo y memoria, feminismo, medios de comunicación o (auto)censura, algunos de los leit motiv de sus ya más de cinco décadas de carrera.

La artista canaria expone en esta muestra -que de alguna forma dialoga con anteriores exposiciones que han celebrado su trabajo como “Que nos roban la Memoria” (2020) en el MNCARS o “Interferencias en los medios” (2014) en el MUSAC- reinterpretaciones de obras históricas además de creaciones ex profeso, que miran directamente al relato memorístico del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo.

“Silencios de tiempo”, hasta el 28 de abril de 2024 en el CAAC, se compone de 9 intervenciones y 43 obras, que retornan sobre los tópicos clásicos de Co**ha Jerez, pero con el poso de la mirada del presente. Desde “Tiempo vigilado” (1998), “Fragmentos de tiempo” (1986) hasta “Juego de la ambigüedad entre la censura y la autocensura” (2019), trabajos que hablan con el espacio museístico, la sociedad y sus vaivenes comunicativos.

Imágenes: Co**ha Jerez con su obra “Tiempo laberíntico”, en el CAAC, que forma parte de “Silencios de tiempos”. Fotografía por Pepe Morón. /Co**ha Jerez. "Identidad de un espacio geográfico - la Plaza de Colón de Madrid", en el CAAC, que forma parte de “Silencios de tiempos”. Ambas imágenes cortesía del CAAC.

18/11/2023

Hoy 18 de noviembre (a las 12:00 h.) Open Studio de los residentes de la 1º edición de ArtRes en la Casa Abadía de Vilafamés: los artistas Dimasla .dimasla (Diana Lozano y Alvaro Jaén), Javier Palacios, Lucas de la Rubia e Iris Verge Ferrer , que expondrán sus proyectos realizados durante dos meses de estancia y trabajo, "Cartografía de experiencias. impresiones de un paisaje", "Museo circulante de Vilafamés", "One-to-one" y "Aparente inoperante", respectivamente, en este espacio histórico del municipio de Vilafamés en Castellón.
Esta residencia -desarrollada de forma simultánea junto a CeramicRes en l'Alcora-, impulsada por los artistas Carlos Sebastià y Agustín Serisuelo (Co-Net Art) y coproducido por el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, bebe del ambiente artístico de la zona de los años 70, de cuyo impulso y acción nació el MACVAC. ArtRes representa un tipo de encuentro más orgánico, apegado a lo rural y a los entornos más cercanos del artista que busca un mayor impacto del arte local en la sociedad y, a su vez, que las obras de los creadores dialoguen con el contexto de Vilafamés.
A partir de ArtRes y CeramicRes -Open Studio próximo 1 de diciembre- podemos rastrear las cada vez más numerosas iniciativas artísticas que, huyendo de muestras blockbuster o confluencias globalizantes, buscan una interacción más genuina entre arte y sociedad.

Imágenes: "One to one", Lucas de la Rubia/Retrato de Javier Palacios por Juan Vicent/Iris Verge y su proyecto por Juan Vicent/Obra de Dimasla

16/11/2023

Luis Gordillo: pintura o nada, sobre el diálogo eterno entre la pintura, la experimentación, la vanguardia azarosa y la ebullición creativa que residen en el tuétano de la obra de Luis Gordillo (Sevilla, 1934), cuyo trabajo se expone en una retrospectiva en la madrileña Sala Alcalá 31 hasta el 14 de enero de 2024; exhibición -comisariada por - que recorre las últimas dos décadas de creación del pintor sevillano. "dime quién eres Yo":

(...)Ese camino por la vanguardia -inherente a la obra del artista sevillano- reside en la base de la pintura en sí misma, unido a la concepción de las corrientes híbridas, una suerte de mezcolanza entre abstracción y figuración, enmarcada en un diálogo sempiterno con otras disciplinas vecinas: collage, dibujo, fotografía. El trabajo de Gordillo es fiel al tránsito canónico del progreso artístico, por el que -sin intención voluntaria- va marcando un paso firme y certero de líder de las corrientes pictóricas nacionales, llegando hacia derroteros nunca antes transitados. (...)

Para leer el artículo completo, click en bio.

Imágenes: ambas vistas de sala de la exhibición "Luis Gordillo. dime quién eres Yo” en la Sala Alcalá 31. Fotografías por , cortesía de Alcalá 31.

09/11/2023

La proyección del yo, el alter ego retratado alegóricamente es una máxima de los paisajistas ingleses románticos. La naturaleza salvaje, azotada por un tortuoso viento a modo de pasional baile es el resultado de la identificación espiritual del yo con el paisaje y sus ruinas: un locus amoenus sui generis. Las obras de Janaina Tschäpe (Múnich, 1973) soportan el eco romántico alemán, con creaciones que resultan ser una suerte de simbiosis entre el camino abstracto, el lirismo poético-pictórico y el espejo de una naturaleza, que al igual que el yo, está en constante mutación.

“Soy mi propio paisaje” es una exhibición multidisciplinar de la artista germano-brasileña , actualmente en exposición en el hasta el 3 de diciembre. En este solo show -su primero en España en 20 años- se incluyen más de cien trabajos de Tschäpe, desde pintura, dibujo hasta fotografía.

La muestra -comisariada por Helena Juncosa- es toda una revelación de la naturaleza interna y externa de la artista, a partir de sinestésicas y densas pinceladas, oníricos y ficcionados paisajes o autorretratos desdibujados que evidencian un lenguaje propio, crudo y profundamente lírico.

“Soy mi propio paisaje” como tesauro del entendimiento de la vida a través de la pintura.

Fotos: Janaina Tschäpe, Madrugada (2022), Óleo y barra de óleo sobre lienzo. Cortesía de la artista y Galleri Bo Bjerggaard. Fotografia por Anders Sune Berg/Artista: Janaina Tschäpe/ Fotos cortesía del CAC Málaga.

26/10/2023

La sopa Tom kha kai que servía Rirkrit Tiravanija (Buenos Aires, 1961) a los asistentes de algunas de sus instalaciones -como la que ocupó el espacio superior del Grand Palais francés- escondía una firme intención detrás del inocente gesto de ser degustada: introducir el arte en la vida cotidiana, dinamitando el universo conceptual artístico en Occidente.
Rirkrit Tiravanija: A LOT OF PEOPLE es la exhibición más grande hasta la fecha del prolífico artista tailandés, que se puede visitar en el MoMA PS1 (Nueva York) hasta el 4 de marzo de 2024.
Una muestra interdisciplinar -desde fotografías, instalación, cine, esculturas e incluso algunas obras inéditas- que recorre más de 40 años de trayectoria con un germen compartido: lo colectivo es la clave. Experimental y profundidad son conceptos apegados al crítico trabajo de Tiravanija, que lejos de optar por el materialismo artístico (en el más literal de los sentidos) se encamina a una honda apreciación por lo relacional, que diría Nicolas Bourriaud.

Instalación de Rirkrit Tiravanija: A LOT OF PEOPLE. Fotografías de Kyle Knodell. / Instalación de Rirkrit Tiravanija: A LOT OF PEOPLE. Fotografías de Kyle Knodell. Fotografías cortesía del MoMA PS1.

19/10/2023

«Ian Waelder. even in a language that is not your own», comisariada por Francesco Giaveri es una muestra interdisciplinar de Ian Waelder -que se podrá visitar hasta el 18 de febrero de 2024- en , que juega con los límites del propio cuerpo, dinamitando la lógica narrativa y jugando con los ambiguos trazos que unen la memoria y la huella.
La exhibición parte de la investigación de (Treviso, Véneto, 1979) “sobre la genealogía del artista” y su propia historia familiar.
«even in a language that is not your own» no es una exposición lineal, sino un puzzle estructural a partir de los diferentes espacios arquitectónicos, que conversan con las obras de (Madrid, 1993) casi como en un memorial familiar.
Una muestra con un punto de partida personal, que crece y se desarrolla en un súmmum de relatos y memorias externas compartidas que interpelan al espectador, a partir de esculturas hechas con materiales comunes: “con esta muestra que estamos preparando quería asumir el reto de poder perderme”.

Fotografías: Ian Waelder, I'd Rather Bite My Nose Off [Mejor me arranco la nariz de un mordisco], 2023. Cartón, porcelana de secado al aire. 18 x 9 x 4,5 cm. Cortesía del artista. © de la obra, Ian Waelder, 2023. Fotografía: cortesía del artista / Ian Waelder y Francesco Giaveri. Cortesía de Es Baluard Museu.

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