La Cámara del Arte

La Cámara del Arte La Cámara del Arte es un proyecto puesto en marcha por historiadores del arte de la Universidad de Sevilla.

El objetivo de nuestro proyecto es ayudar a alumnos y curiosos a encontrar comentarios e información de calidad, así como fomentar el conocimiento del patrimonio que todos poseemos y que muchas veces nos resulta desconocido.

📸 LOS INVENTOS Y AVANCES QUE DIERON LUGAR A LA FOTOGRAFÍA✍🏼  En el capítulo 1 vimos los avances de las técnicas fotográf...
19/05/2024

📸 LOS INVENTOS Y AVANCES QUE DIERON LUGAR A LA FOTOGRAFÍA

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En el capítulo 1 vimos los avances de las técnicas fotográficas desde la cámara oscura, hasta las placas de colodión húmedo, que no requerían de tanto tiempo de exposición. Sin embargo, estas placas eran difíciles de manejar por su humedad, y además debían usarse directamente, ya que no podían secarse, de hacerlo, perderían su función.

En 1871, este problema quedó resuelto gracias a Richard Maddox, quien sustituyó el colodión por la gelatina. Se trataba de una mezcla de bromuro de cadmio, agua en partes iguales y una disolución de gelatina sobre una placa de vidrio, dando lugar a las placas secas, que se podían transportar, ya que guardaban sus propiedades fotográficas por largos periodos de tiempo.

En 1873, William Willis crea la platinotipia en Gran Bretaña. Una nueva técnica para obtener un positivo a través del contacto directo con un negativo.

En este caso, el papel se sensibilizaba con oxalato férrico y cloro-platino, se unía al negativo, y gracias a la luz solar se obtiene la imagen, que finalmente se bañaba en ácido para su fijación. Hasta ese momento, las imágenes eran en blanco y negro sin tonalidades, con este avance, apareció una gama de grises.

En 1880, tras unos estudios sobre estas placas de gelatino-bromuro, George Eastman patentó en Estados Unidos una máquina que producía placas de vidrio secas en serie de manera industrial. Fue un gran avance, ya que permitió que los fotógrafos comprasen estos paquetes y los usasen cuando quisieran.

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.🖼️El tañedor de laúd👨🏼‍🎨Michelangelo Merisi da Caravaggio📅1595🎨Barroco📍Museo del Hermitage, Rusia📐94 x 119 cmEsta escen...
19/05/2024

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🖼️El tañedor de laúd
👨🏼‍🎨Michelangelo Merisi da Caravaggio
📅1595
🎨Barroco
📍Museo del Hermitage, Rusia
📐94 x 119 cm

Esta escena tiene como antecedente una reunión típica de la época que hacían ciertos eruditos para conversar, intercambiar ideas, y debatir entre ellos, inspirados en la Academia neoplatónica.

Era recurrente, que a su finalización se tocase alguna pieza musical en relación con algún tema que hubiese surgido durante la reunión.

Él toca un laúd mientras mira al espectador, esto es así porque el cuadro fue un encargo para un mecenas de Caravaggio, Francesco Maria Bourbon del Monte Santa María, pese a adquirir numerosos cuadros del artista, este esconde mucho más de lo que a simple vista podemos notar.

Además de ser un gran admirador de la música, uno de los temas principales del cuadro, es el que joven nos puede resultar familiar, esto es porque su apariencia es extraordinariamente parecida a otros protagonistas de los cuadros de Caravaggio, es muy posible que fuese un modelo del gusto del cardenal.

Es más, un estudio realizado en 2010 por la musicóloga Franca Trincieri, apunta a que su nombre fue Pedro Montoya, un joven castrati proveniente de España que se afincó en Roma, y trabajó como cantor para el cardenal Francesco.

La música en este momento es sinónimo de cultura y sofisticación, pero lo que parece un cuadro con un intérprete y un pequeño bodegón es más que eso.

Tanto las flores, como la fruta y el joven, hacen referencia a la caducidad del tiempo, todo lo que ahora se encuentra en la plenitud de la vida, acabará envejeciendo, marchitándose, y pudriéndose; podríamos verlo como una enunciación del tempus fugit.

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.🖼️La carta o Carta de amor👨🏼‍🎨Pedro Lira📅1885-90🎨Romanticismo Académico📍Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chi...
17/05/2024

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🖼️La carta o Carta de amor
👨🏼‍🎨Pedro Lira
📅1885-90
🎨Romanticismo Académico
📍Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile
📐116 x 58 cm

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Se trata de una obra ejecutada en formato vertical en la que se desarrolla una escena de interior, concretamente, en unos aposentos nobiliarios. Se divide en dos planos compositivos bien diferenciados y regidos por una línea oblicua que separa los planos y guía el ojo del espectador por la obra.

En el primero, observamos una delicada alfombra de motivos arabescos sobre la que se alza la figura de una mujer. La joven da la espalda al espectador y mira hacia la puerta entreabierta que hay ante ella. Con su mano izquierda recoge tras la espalda parte de la tela del atuendo y sostiene, al mismo tiempo, una carta que mantiene oculta de miradas ajenas, pues si nos fijamos más detenidamente, y atendiendo a la rigidez de su pose, la vemos recelosa, como si temiera que la pillen in fraganti con la misiva.

En cuanto a la indumentaria, viste un teatral vestido de seda de época: de manga larga y abullonada, adornada con listas verticales; escote cuadrado, ornamentado con una línea que bordea todo el contorno del escote; y falda de amplio vuelo, decorada con una línea que sigue el diámetro del final de la falda. Completan el atuendo un cinturón suelto y el hermoso peinado: un elegante moño bajo sobre la nuca.

El segundo plano lo compone el muro de la estancia en el que advertimos la presencia de la citada puerta, hecha de madera y decorada con un cristal emplomado y un arco conopial en el dintel. A la izquierda de la misma, tenemos una silla, también de madera, mientras que a la derecha encontramos un espejo cuadrado enmarcado.

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📝ARTE Y LITERATURA: RESEÑA LITERARIA VENUS EN EL ESPEJO✍🏼  Nunca antes continente y contenido habían estado tan delicios...
17/05/2024

📝ARTE Y LITERATURA: RESEÑA LITERARIA VENUS EN EL ESPEJO

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Nunca antes continente y contenido habían estado tan deliciosamente unidos como en esta novela de Emilio Lara.

El continente, la portada, es una preciosa estancia de lo que parece un palacio barroco romano en la que se superponen tres obras maestras: La carta del pintor chileno Pedro Lira, la célebre Venus del espejo del artista sevillano Diego Velázquez, y El Bucintoro regresa al Molo el día de la Ascensión del veneciano Canaletto.

El contenido es una impresionante biografía novelada que nos descubre a Olimpia Maidalchini, una de las mujeres más importantes de la Roma barroca.

Tejida con el más fino hilo de oro, Lara consigue captar la atención inmediata del lector gracias a su envolvente pluma a la hora de narrar la trama, pues el libro, que nace tras el descubrimiento del Retrato de Olimpia Maidalchini de Velázquez, nos traslada a esa Roma berniniana y borrominesca para presentarnos a una mujer de gran coraje y ambición, que supo reinventarse tras la traición paterna y que se hizo hueco en un mundo dominado por la curia vaticana; y cuya vida estuvo íntimamente ligada a dos grandes hombres:

- El primero, su cuñado Giambattista Pamphili, el Papa Inocencio X, con quien mantuvo una estrecha relación y al que ayudó en su carrera hacia el papado.

- El segundo, el artista Diego Velázquez, quien, durante su viaje a la Ciudad Eterna entre 1649-51 en labor diplomática y como comprador de arte para Felipe IV, hará el retrato perdido de Olimpia y pintará su desnudo más celebre.

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📝ARTE Y LITERATURA: RESEÑA LITERARIA SOBRE RONCHAMP✍🏼  📕  Se suele decir que “El buen perfume se vende en frasco pequeño...
17/05/2024

📝ARTE Y LITERATURA: RESEÑA LITERARIA SOBRE RONCHAMP

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Se suele decir que “El buen perfume se vende en frasco pequeño”, un dicho que bien podemos aplicar a esta pequeña joya literaria que es Sobre Ronchamp de Rafael Moneo, porque cumple con creces la máxima, puesto que en poco espacio nos explica mucho de manera soberbia.

A lo largo de 127 páginas, el arquitecto Rafael Moneo nos habla sobre la Capilla de Notre Dame du Hautde Ronchamp, una de las grandes obras del genial arquitecto suizo Le Corbusier.

Apoyándose en las figuras que acompañan al texto para su mejor comprensión y usando una pluma envolvente y clara, al no utilizar complicados tecnicismos del lenguaje arquitectónico, Moneo escribe una obra divida en dos partes donde, en la primera, nos hace un comentario de obra bajo un prisma más literario que descriptivo en el que explica la esencia del edificio, siendo la segunda parte la visión de la trayectoria de la arquitectura religiosa a lo largo de todas las etapas artísticas que ayuda a entender la idiosincrasia otorgada al templo de Ronchamp.

Si queréis saber más, no dudéis en leerlo, ya que es una obra imprescindible que debería estar presente en las bibliotecas de todos los estudiantes de Historia del Arte; historiadores del arte o de todo buen lector que se precie, y desde aquí, ya solo nos queda invitar al amable lector a que disfrute de su lectura.

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.🗿Estatua sedente de Kefrén🙎🏽‍♂️Anónimo📅Entre el 2.550 a. C. y el 2.480 a. C.🎨Arte egipcio📍Museo del Cairo, EgiptoEsta e...
17/05/2024

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🗿Estatua sedente de Kefrén
🙎🏽‍♂️Anónimo
📅Entre el 2.550 a. C. y el 2.480 a. C.
🎨Arte egipcio
📍Museo del Cairo, Egipto

Esta estatua sedente de Kefrén fue hallada en el Templo del Valle de Kefrén, en una fosa de granito.

Que su localización fuese un lugar funerario, nos da todas las pistas del significado y uso que iba a tener esta imagen, pues su principal fin era albergar el ka del faraón, por eso observamos el rostro sereno del faraón, esperando pacientemente la llegada del alma del faraón difunto.

Es una escultura que define a la perfección todos los convencionalismos de la estatuaria egipcia pertenecientes al Reino Antiguo y que fueron utilizados la mayoría a lo largo tradición creativa egipcia.

Comenzando por la idealización, el faraón se representa como un joven eternamente vigoroso, pues al ser considerado una divinidad, la idealización genera un nivel de majestuosidad propia de un faraón, con un cuerpo perfecto, es una forma de expresar la capacidad de Kefrén por defender la comunidad.

También podemos percibir la ley de la frontalidad, pues no hay ningún punto de la estatua que esté ubicado hacia los lados, esta escultura está creada para verse totalmente de frente, por ello el tratamiento de los laterales está menos trabajado.

Sin embargo, los simbolismos que podríamos considerar más importantes como la representación de Horus, o las flores entrelazadas, tienen una perspectiva lateral y por lo tanto hay que desplazarse hacia los lados.

La frontalidad va cogida de la mano de la simetría, a parte de su tamaño a proporciones reales, las partes que forman el cuerpo del faraón y el trono en un lado y otro, son todas proporcionales entre sí.

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.🖼️Entrega de las llaves a San Pedro👨🏼‍🎨Pietro Vannuci «Il Perugino»📅hacia 1482🎨Renacimiento (Quattrocento)📍Capilla Sixt...
16/05/2024

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🖼️Entrega de las llaves a San Pedro
👨🏼‍🎨Pietro Vannuci «Il Perugino»
📅hacia 1482
🎨Renacimiento (Quattrocento)
📍Capilla Sixtina, Palacio Apostólico (Ciudad del Vaticano)
📐335 x 550 cm

Siguiendo el relato neotestamentario, Jesús entrega a san Pedro unas grandes llaves que él toma arrodillado y con una turbación contenida, como manifiesta su mano izquierda sobre el pecho: son las llaves del cielo. El significado, por supuesto, no es literal sino simbólico: el príncipe de los apóstoles, y por lo tanto sus sucesores los papas, tienen poder espiritual y temporal avalado por el propio Cristo.

Flanquea a los protagonistas el colegio apostólico, del cual se puede identificar a algún miembro por su nimbo, gestos y simbología del color de su indumentaria.

Pero además, a derecha e izquierda aparecen también retratos de cuerpo entero de algunos de los personajes más influyentes de la época en la corte papal, identificados hábilmente por Vasari, como testigos y garantes de que el poder papal representado en Pedro es realmente de origen divino.

Posturas, gestos y vestimenta renacentistas nos confirman la idea de vigencia de esta voluntad de Cristo de confiar la Iglesia al imperfecto apóstol. Existe además la unánime convicción de que el personaje que mira directamente al espectador es un autorretrato del propio autor.

Pero además, entre las figuras del segundo plano que acentúan la sensación de profundidad del espacio prospéctico, se encuentran otros dos episodios bíblicos: el pago del tributo a la izquierda, y a la derecha el intento de lapidación de Cristo tras su revelación a los judíos que le acusaban de blasfemo.

Se trata nuevamente de una referencia a la doble naturaleza de Cristo y a la necesidad de ajustarse al poder temporal a la par que comulgar con la doctrina salvífica de origen divino.

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.🗿Eros y Psique🙎🏽‍♂️Antonio Canova📅1787-1793🎨Neoclásico📍  Esta obra también recibe el nombre de “Psique reanimada por el...
15/05/2024

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🗿Eros y Psique
🙎🏽‍♂️Antonio Canova
📅1787-1793
🎨Neoclásico
📍

Esta obra también recibe el nombre de “Psique reanimada por el beso del amor”, “El amor de Psique” o “El beso”. Se trata de una de las esculturas más importantes del escultor neoclasicista Antonio Canova, quién se inspira en el arte de la Antigua Grecia para crear sus obras.

Esta escultura fue un encargo del coronel británico John Campbell (Lord Cawdor), aunque acabó siendo adquirida por el marchante y coleccionista holandés Henry Hoppe y después acabó en manos del rey de Nápoles y cuñado de Napoleón, Joaquín Murat, que la adquirió para mostrarla en su castillo.

En esta obra Canova fue capaz de crear una composición verdaderamente expresiva del tema mitológico amoroso de Amor y Psique. Canova decidió tomar de la obra “El A**o de Oro” de Apuleyo, un tema mitológico para la creación de esta escultura.

En esta obra se representa el momento en que Eros, dios del Amor, acude a despertar a Psique (Personificación del Alma), del eterno sueño en el que había quedado sumida tras la inhalación de los vapores de una poción encerrada en un jarrón que le había entregado Proserpina, diosa del In****no.

Al abrir el cántaro, una nube la envolvió y cayó profundamente dormida, no despertando hasta ser besada por su enamorado. Se representa a Psique recostada sobre su cadera derecha, la joven se vuelve hacia atrás hacia su amado, el dios Eros, que se aproxima para besarla y rodea su cuerpo con un brazo mientras que con el otro sostiene su cabeza a la vez que ella rodea el cuello de él con sus manos.

Para Canova el objeto de la escultura no era representar el mito ni la historia que hay detrás de los personajes, que son una mera excusa para componer una obra de marcado carácter clásico sino sobre todo desde el punto de vista estético.

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.🖼️Sagrada Familia del pajarito👨🏼‍🎨Bartolomé Esteban  📅1650🎨Barroco sevillano📍  📐144 x 188 cmLa escena representada es b...
15/05/2024

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🖼️Sagrada Familia del pajarito
👨🏼‍🎨Bartolomé Esteban
📅1650
🎨Barroco sevillano
📍
📐144 x 188 cm

La escena representada es bíblica, se ha denominado la Sagrada Familia del pajarito, porque como podemos apreciar se encuentran José, María y Jesús, en cuya mano lleva un pequeño pajarito o gorrión típico sevillano. Se trata de una producción temprana del autor.

En la imagen apreciamos un ambiente familiar en el que se mueven los personajes, una escena muy acogedora, donde el artista ha hecho protagonista la vida domestica y popular sevillana.

Así, Murillo ha conseguido captar la condición tan humilde de la familia, los cuales participan de forma colectiva en un momento de afectividad.

El niño Jesús, protagonista de la escena esta representado con dulces y entrañables rasgos, ya que se encuentra jugando con un perrillo que permanece atento al pajarito que Jesús agarra en su mano.

San José adquiere mayor relevancia, ya que aparece en un primer plano justo detrás del niño. Figura protectora y paternal con el Niño, que se divierte al verle jugar con el perro.

El artista no deja el protagonismo de José al azar, marcando así la relevancia que tendrá el culto a este Santo a finales del siglo XVI, promovido por la Iglesia y especialmente por los carmelitas.

Con respecto a la figura de la Virgen, el artista no le concede mayor relevancia como venia siendo tradicional en la pintura española y sevillana, sino que la sitúa en segundo termino ocupada con las tareas de la casa.

Triunfa por tanto, un alto sentido del amor familiar, extraído de la sencilla y humilde vida de la sociedad sevillana.

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.🖼️Crystallized Summer (Verano Cristalizado)🙎🏽‍♂️Iché📅2022🎨Arte Digital📍Madrid, España✍🏼 .digital.wonder 📸  El Arte Digi...
14/05/2024

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🖼️Crystallized Summer (Verano Cristalizado)
🙎🏽‍♂️Iché
📅2022
🎨Arte Digital
📍Madrid, España

✍🏼 .digital.wonder
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El Arte Digital destaca por ser un movimiento artístico muy activo en nuestra actualidad contemporánea, las obras digitales de Iché es una prueba de ello. Este artista digital destaca entre los creadores emergentes por generar composiciones artísticas liberadoras y visuales, transmitiendo a partir de sus obras las sensaciones veraniegas, gracias a la introducción de piezas iconográficas provenientes del mundo marítimo.

Iché es un artista autodidacta que reside en Madrid (España), que posee conocimientos y estudios centrados en la pintura al óleo, fotografía, ilustración digital, modelaje en 3D y pintura Matte. Destacando de este creador, su participación en el mundo artístico desde los 16 años cuando dibujaba animales de la fauna ibérica para TVE, creando en la actualidad dos obras al mes para dicha cadena pública.

Dentro del universo artístico natural, generado por el autor a lo largo de estos años, os presento la obra denominada Crystallized Summer (Verano Cristalizado) del 2022. Esta obra digital destaca por su brillo natural y delicadeza marítima, se compone de una co**ha iridiscente que yace sobre la arena.

Esta pieza destaca por su brillo azul y verde, combinando las tonalidades doradas en su interior e iluminada de forma externa por la luz solar. Las texturas visibles indican que la superficie de la co**ha es rugosa y parcialmente desgastada. Con ciertas sombras proyectadas en la arena, lo que indica una fuente de luz brillante externa.

Como podemos admirar, el artista elige como sujeto principal de la obra artística una co**ha, y su elección compositiva se podría interpretar como un homenaje a la belleza y la complejidad de la naturaleza.

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.🗿Éxtasis de Santa Teresa🙎🏽‍♂️Gian Lorenzo Bernini📅1647-1651🎨Barroco📍Iglesia de  Santa Maria della Vittoria, Roma📐351 cm...
14/05/2024

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🗿Éxtasis de Santa Teresa
🙎🏽‍♂️Gian Lorenzo Bernini
📅1647-1651
🎨Barroco
📍Iglesia de Santa Maria della Vittoria, Roma
📐351 cm

Es esta escena, conocida como la Transverberación, en la que Gian Lorenzo Bernini se inspira para realizar esta escultura. Iconográficamente, se representa a una Santa Teresa en un momento de éxtasis mientras el ángel le clava un dardo en el corazón, siguiendo fielmente la descripción dada en el texto de la santa.

Bernini consigue retratar a la perfección la expresión extenuada de la santa, que se deja caer lánguidamente abandonándose a la llamada de Dios, abriendo un nuevo capítulo en su representación iconográfica.

Es completamente necesario enmarcar la escultura en el contexto de la capilla en la que se encuentra. Ésta se trata de la capilla Cornaro, encargada por el cardenal Cornaro en 1647 y que se sitúa en la iglesia de Santa Maria della Vittoria Santa Maria della Vittoria en Roma.

Se trata de una capilla familiar, por lo que en ella podemos identificar a los distintos miembros de la familia Cornaro representados. La capilla es tan importante en el contexto del barroco ya que consigue una total integración de las artes, obteniendo una composición perfecta.

La capilla se organiza, siguiendo la teatralidad típica del barroco, a modo de una escena teatral: A los lados y situados en tribunas, la familia Cornaro asiste a la escena del éxtasis mientras charlan entre ellos de manera animada.

La escultura de santa Teresa se encuentra en el centro, alojada en una hornacina formada por columnas a los lados y coronada por un dintel curvado que aporta movimiento a la escena. Se trata, por tanto, de un verdadero escenario.

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.🖼️Flora👩🏼‍🎨Evelyn de Morgan📅1894🎨Prerrafaelismo📍De Morgan Centre (Londres, Reino Unido)📐198 x 86, 4 cmEn la trayectoria...
13/05/2024

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🖼️Flora
👩🏼‍🎨Evelyn de Morgan
📅1894
🎨Prerrafaelismo
📍De Morgan Centre (Londres, Reino Unido)
📐198 x 86, 4 cm

En la trayectoria de Evelyn de Morgan vemos una estética exhaustivamente minuciosa, colorida y popular, donde plasmará sus preocupaciones socio-políticas a través de alegorías, episodios y escenas fácilmente reconocibles por el público, como las procedentes de la mitología clásica o la literatura inglesa, donde las mujeres allí narradas poseerán un papel predominante en sus obras.

Flora, como diosa romana de la naturaleza, es representada como una hermosa mujer, casi etérea, situada delante de un árbol de nísperos en período de cosecha. Esta planta alcanza esa etapa coincidiendo con la primavera, hecho que puede ser alusión al ya mencionado cuadro del pintor florentino, pero también al cénit de la labor de la diosa en la naturaleza.

El detallismo que presenta aspectos como la botánica, las aves (un jilguero y un pinzón respectivamente) o el atuendo de la diosa y el drapeado que muestra, es una clara reminiscencia del Prerrafaelismo y del movimiento Arts & Crafts, agrupación que con William Morris a la cabeza abogaba por el retorno al modelo artesanal de producción, donde la serialidad del proceso industrial era abolida.

La postura de la figura femenina, así como el cabello leonado y rojizo, se asemeja con la Venus de Botticelli, pero también son rasgos que el prerrafaelismo, con figuras predominantes como Edward Burne-Jones, rescató de un pasado que admiraban y añoraban, no sin críticas de la sociedad inglesa de entonces.

Esta obra, tal vez por su alusión a Escocia en el poema, fue rápidamente adquirida por el armador escocés William Imrie, quien encargó otros dos cuadros de temática mitológica, que se materializaron plasmando las figuras de Casandra y Helena de Troya.

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