ArtDetector Berlin

ArtDetector Berlin 21. + 22. Oktober 2017
Bewerbungen von KünstlerInnen mit Atelier in Berlin-Charlottenburg bis zum 28.04.17 | Info:

Wie gewohnt öffnen

ArtDetector Berlin

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ArtDetector Berlin's cover photo

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FO You

FO You

FO YOU präsentiert stolz:YUTI FEILER

Yuti Feiler
Born & grown up in the northern Black Forest.
After several years spent travelling, she settled in Berlin
to studygraphic design.
After years of working for different agencies she grew tired of the computer
and thus in 2007, she started with analog collages.
In a similar way to the „Cut and Paste“ aesthetic of using samples in music,
Yuti takes pieces of exisiting artworks by photographers, designers and
other artists, and she rearranges and embellishes them– and thus gives them a totally new context.

Kommunale Galerie Berlin

Kommunale Galerie Berlin

Messe für Gegenwartskunst 2016

Eröffnung: Freitag, 4. November 2016, 16 Uhr

Freitag, 4. November 2016, 16 – 21 Uhr
Samstag, 5. November 2016, 12 – 19 Uhr
Sonntag, 6. November 2016, 12 – 18 Uhr

Eintritt frei

Zum fünften Mal veranstaltet der Fachbereich Kultur des Bezirksamtes Charlottenburg-Wilmersdorf in diesem Jahr die Messe „3 TAGE KUNST“, um Künstlerinnen und Künstler im Bezirk zu fördern. Die Messe zeigt Arbeiten aus den Gattungen Malerei, Zeichnung, Grafik, Fotografie und Skulptur. 35 Positionen wurden von einer Jury ausgewählt. Die Künstlerinnen und Künstler, die während der gesamten Veranstaltung anwesend sein werden, präsentieren ihre Arbeiten an Einzelständen in der Kommunalen Galerie Berlin. Alle gezeigten Werke stehen zum Verkauf.

In diesem Jahr nehmen teil: Ameret | Monika Arlt | Bernd Beierlein | Marek Benczewski | Jürgen Bosse | Andrea Brabetz | Anne-Françoise Cart | Salomé Chkheidze-Mohs | Bruce Cohen | Stefan Dieterich | Joern Dudek | Ellinor Euler | Finkbeiner & Salm | Uli Fischer | Debora Gutman | Mila Hacke | Peter Hintz | Regine Jankowski | Lilo C. Karsten | Jürgen Kellig | Helmut Klock | Anja Knecht | Elisabeth Leyde | Ulrike Lösing | Birgit Maaß | Claus Meyer | Benita Mylius | Annette Polzer | Karin Rindler | Monika Ross | Hans Rothe | Josias Scharf | Marianne Stoll | Michael Theis | Catrin Wechler

Samstag, 01.10.1615:00 - 22:00 UhrPhilippistr. 7Berlin-Charlottenburg

Samstag, 01.10.16
15:00 - 22:00 Uhr
Philippistr. 7

Hermann Reimer @ Positions Berlin POSITIONS BERLIN Art Fair - Berlin Art WeekStand 1.22 - Westphal Kunst und Projekte15....

Hermann Reimer @ Positions Berlin

POSITIONS BERLIN Art Fair - Berlin Art Week

Stand 1.22 - Westphal Kunst und Projekte

15. – 18. September 2016
Postbahnhof am Ostbahnhof
Straße der Pariser Kommune 8
10243 Berlin

Preview Invitationbefore the exhibition on October 13th in ParisWhere?Berlinin the studioof Uli Fischeron Thursday, Sept...

Preview Invitation
before the exhibition on October 13th in Paris

in the studio
of Uli Fischer
on Thursday, September 15th, 06.00 pm - 09.00 pm
Grolmanstrasse 51, Savigny Platz,

MIRESI at OPEN - Venice19. International Exhibition of Sculptures and Installations2 September – 2 October 2016Hilton Mo...

MIRESI at OPEN - Venice

19. International Exhibition of Sculptures and Installations
2 September – 2 October 2016

Hilton Molino Stucky, Venice
Inauguration: 2 September, Hilton Molino Stucky

Press conference in the Sala Plenaria at 6.00 pm

Showing of the Film PRE POST CARDS by Antonio Falduto (UTO) in the Sala Plenaria at 7.00 pm

Inaugural cocktail in the Skyline Rooftop at 8.00 pm (invitation only)

The nineteenth edition of OPEN, International Exhibition of Sculptures and Installations will be held from 2 September to 2 October 2016 at the Hilton Molino Stucky at the same time as the Venice Film Festival. Conceived and curated by Paolo De Grandis, co-curated by Carlotta Scarpa, the exhibition is organised by PDG Arte Communications with the patronage of the Ministry for Cultural Assets and Activities and Tourism and by the Ministry of Foreign Affairs and International Cooperation.
19 years of history of sculptures and installations in the open air in public spaces and unconventional ones that open for the enjoyment of a heterogeneous public, like the recent exhibition area in the Molino Stucky, the most important example of industrial archaeology preserved in Venice: now home to the Hilton and a culture centre. This interaction between the work of art and the public space for lingering or passing through brings beauty into everyday life through the activation of the onlooker’s aesthetic perception with the consequent withdrawal of his usual rational interpretation of reality. Reflection becomes a constant in OPEN, as well as a challenge for the artist to create unprecedented expressive developments through the dialogue between work and space.
The artists taking part in the exhibition combine an extremely free use of the expressive medium to contaminate the spaces of Molino Stucky, from the great sculptures of Liu Po Chun, Stefano Bressani and Giuseppe Verri which can be seen on the Fondamenta della Giudecca to the plastic works of the two Russian artists of the Recycle Group where the leitmotiv of recycled material debunks the new contemporary myths, and then to the installation by Li Chevalier where the particular technique with which the canvas undergoes a sequence of layers of ink is expanded in a serial intervention, to Yahon Chang, the Master from Taiwan who recently made his debut at the MACRO in Rome in the second stage of the long-term project From La Biennale in Venice to MACRO. International Perspectives coordinated by Paolo De Grandis and Claudio Crescentini and whose works will be remodelled for OPEN.
Linguistic experiments in a research into the expressive possibilities of colour as an emotional presence and pure physical value for Lee Tsung-Jen, Verteramo, Carlo Nieddu and Tomas. Heterogeneous works, different paths all sharing a vitalism that goes beyond the limits imposed by the surface, by the colour allowed to flow as though it were a pulsation, to new schemes of composition of tones and spatial backgrounds.
Photography is expressed in a research and an aesthetic that are as different as they are surprising in the works of Miresi and Federico Nero. Setting Venice: the first sets out to capture its views, secret corners, atmospheres, fragrances and architectural details, while the second presents an imperceptible whole through a neat symmetry that transforms industrial archaeological sites into symbolic and conceptual abstractions.

Parallel paths which, though originating in absolute freedom of expression, free from a compulsory theme, contaminate one another. The experience is repeated and amplified when the parallelism involves other zones, other linguistic games. As in the Film PRE/POST CARDS by Antonio Falduto (UTO) which will be presented in a world preview at OPEN and which concentrates on the temporal dichotomy of a world torn between the attempt to enable an ever present past to survive and the fascination of the most deviated aspects of a march in serried ranks towards the future. An analysis in which the director chooses to present questions by means of archetypes and modern myths. The film was shot in four cities: Cape Town, Rome, Rio de Janeiro and New York, involving more than seventy models.
This year OPEN collaborates with curators Serena Mormino, Bianca Laura Petretto, Wen-i Yang and Carola Cometto.
The seventh edition of the Arte Laguna Special Prize will be assigned to a young artist selected by the Arte Laguna Prize jury. This award will offer the winner the possibility to be included among the finalists of the Arte Laguna Prize 2017 and to show his or her work on the circuit organised by the same association.
Once again the winning formula of the Workshop in the Art of Calligraphy promoted by the National Taiwan University of Arts will see the participation of an increasing number of children from 4 to 10 years of age on 6, 7, 8 September in the Sala Casanova at the Hilton Molino Stucky at 15.00.
With the strength of this extraordinary formula, OPEN contributes to modifying the fabric of a city, making it an international platform of works in the open air, to show an amazed audience a new, involuntary, amazing way of enjoying art in the light dynamic of a walk outside over-familiar and restricting walls and perimeters, changing its content before their eyes.
The very idea and constant challenge of OPEN is to create a yearly art event in the open air and to gain followers in the world, arriving this year in Korea where Paolo De Grandis has been invited to the Biennale of Sculpture in Changwon, a precious place for its artistic heritage, with a particular wealth of history in sculpture which will be held from 22 September, to take part in an international symposium where he will illustrate his own twenty years of experience at OPEN and coordinate the participation of Michelangelo Pistoletto with The Third Paradise and that of the Colombian artist Jaime Arango Correa.

Recommendation of: - George Bolik

ArtDetector Berlin's cover photo

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It is to get a great pleasure so much interest, so much likes :) A thousand thanks to each of you!

ep.contemporary berlinpräsentiert "Im Café II" von der Künstlerin Dorothea SchutschÖffnungszeiten: Donnerstags und Freit...

ep.contemporary berlin
präsentiert "Im Café II" von der Künstlerin Dorothea Schutsch

Donnerstags und Freitags von 15.00 - 18.30 Uhr
Samstags von 14.00 - 18.00 Uhr

Samstag, den 18. und 25. Juni 2016, jeweils 16:00 h

Im Café II
In ihrer Werkreihe beschäftigt sich Dorothea Schutsch mit dem Gastraum in einem Café. Menschen sind nicht zu sehen, nur die Konstellation der Stühle bewahrt ihre Spuren. Durch den wechselnden Lichteinfall werden die Gegenstände und der Raum, je nach Tageszeit und Wetter, in unterschiedliche Farbstimmungen getaucht. Das Licht verwandelt den Raum ständig – löst räumliche Strukturen auf, Tische und Stühle entfalten ein Eigenleben und werden zum Akteur im Raum.
Der malerischen Umsetzung ihrer Arbeiten geht immer eine als Zeichnung festgehaltene Beobachtung voraus, die sie im Atelier zum Teil großformatig (auf Holz und Nessel) in Ölgemälden, gerne aber auch auf kleineren Formaten und auf Papier umsetzt. Es entsteht eine Mischung aus Abstraktion und Gegenständlichkeit, aus mehrschichtigen Farbflächen und realistischer Wiedergabe.

Die Überlagerung von transparenten und deckenden Farbflächen ermöglicht das visuelle Betreten der Räume, kann aber auch den Blick in den Bildraum (wie ein Vorhang) verschließen und abbremsen.

ep.contemporary | Pohlstraße 71 | 10785 Berlin | [email protected]

Uli Fischer trifft im Heidelberger Kunstverein auf Werke aus der Sammlung Prinzhorn

Uli Fischer trifft im Heidelberger Kunstverein auf Werke aus der Sammlung Prinzhorn

Was ich immer schon sagen wollteUli FischerSuchen, spüren, finden, berühren, sehen, ertasten, applizieren, komponieren, ...

Was ich immer schon sagen wollte

Uli Fischer

Suchen, spüren, finden, berühren, sehen, ertasten, applizieren, komponieren, zusammenfügen, vernähen, auftrennen.

Uli Fischer tritt in seiner vielschichtigen künstlerischen Praxis in Kommunikation mit vorgefundenem Material, das durchdrungen ist von Zeit und Geschichte. Seine Werke spielen mit unseren Sehgewohnheiten und ästhetischen Erfahrungshorizonten – sie führen uns über die Epochen des Abstrakten Expressionismus und der Arte Povera in die Gegenwart.

Allerdings geht er dem Bedürfnis nach Abstraktion nicht malerisch, sondern anhand der im Material vorhandenen Spuren des Gebrauchs und des Taktilennach: Seine Bildobjekte holen vor allem das bildne-rische Wesen von textilem Material auf die Leinwand.

Auf Umwegen ist Fischer 2008 zu dieser künstlerischen Praxis gelangt, die auch konsequentes Resultat seiner Lebenspraxis ist: Uli Fischer kommt vom Taktilen, er lernte Strickmaschineneinrichter, studierte dann in den 1970er- Jahren Kunst, erst an der FHS-Gestaltung Textildesign in Hannover, dann an der HBK in Braunschweig. Anfang der 1980er-Jahren lebte er in den USA, war Student an der UCLA-California und arbeitete als Kolorist. Mitte der 1980er zieht er nach Berlin und verfolgt weiter seine Studien der Farbfeldmalerei, der Schichtung von Farbe zu Körpern.

Es ist die Suche nach der Reduktion und dem Wesentlichem, die er mit den Mitteln der Malerei durchdekliniert, parallel beschäftigt er sich mit Siebdruck auf Textilien. Er arbeitet am Theater und für den Film, als Szenenbildner und Ausstatter. Von 1986 bis 1991 betreibt er den Ausstellungsort ›Laden für Nichts‹ in Berlin-Kreuzberg. Anfang der 1990er beginnt er nach Asien zu reisen, zuerst nach Thailand, Indonesien und Burma. Dort entdeckt er den vereinnahmenden Charakter gebrauchter, traditioneller Textilien, die kultischen Zwecken dienen – aufgeladen mit heilender Wirkung, u.a. als Kraftträger oder Grabbeigabe. Er begann zu sammeln und gründete in Berlin die Galerie ›Kunst und Primitives‹ mit einem Ausstellungsprogramm, das zeitgenössische Kunst mit ethnografischen Gebrauchs-und Kultgegenständen in Dialog setzte. Sein frühes Interesse an Farbschichten konzentriert sich hier vor allem auf das ästhetische und affizierende Potenzial von Patina auf Objekten, Bildern und Geweben – der letzten Schicht, der Oberfläche, durch die Zeit und Gebrauch körperlich erfahrbar werden.

Als ihm ein Fragment eines mit Indigo gefärbten Futons von 1920 in die Hände fällt, beginnt er nach einem Weg zu suchen, dem Wesen dieses ›Lappen‹ zur Geltungzu verhelfen, ohne es auf die Funktion eines Bildes oder Kunsthandwerkobjektes zu reduzieren. Er erstellt Trägermaterialien, Rahmen, die sich der Form des Stück Gewebes anschmiegen, vernäht und komponiert und verlässt die klassische Malerei. Fischer fügt die verschiedensten Ansätze seiner Beschäftigung zusammen und findet zu seiner künstlerischen Praxis – zu dem, was er ›immer schon sagen wollte‹. Es ist ein Weg der verschobenen Gesten und konsequenterweise verlässt Uli Fischer schließlich den Arbeitgeber Filmindustrie und konzentriert sich seitdem auf eine Verbindung seiner Kunst- und Lebenspraxis in der künstlerischen, aber auch handeltreibenden Beschäftigung mit traditionellen Geweben. Die Hersteller der Stoffe und ihre Vergangenheiten sind in das Material eingeschrieben – Fischer spürt dessen Ausdrucksmög-lichkeiten nach und bringt sie mit einfachen Gesten zur Aufführung: Komplexe Bildwelten entstehen aus Reduktion und dem der textilen Physis innewohnenden Potenzial. In einem materiellen Denken bildet sich so nach und nach das Werk heraus, das aus dem Spannungsverhältnis von vorgefundenem Material und Begreifen-Wollen des Künstlers entspringt.

Die Ausstellung ›Was ich immer schon sagen wollte‹ in der Reihe ›Einzelausstellung: nicht alleine‹ im Heidelberger Kunstverein ist Fischers erste institutionelle Einzelausstellung. Sie führt seinen Werkkomplex der letzten fünf Jahre zusammen und präsentiert diesen gemeinsam mit einem Audio-Guide. Es laufen keine Erklärungen, sondern Musik, die der Künstler beim Arbeiten im Atelier hört. Es ist eine Playlist, die mit Stücken von Karlheinz Stockhausen oder John Cage ebenso Referenzen an die Minimalisten spürbar werden lassen wie die eindrückliche Bildwelt von Uli Fischers Tableaus.

Text: Dr. Susanne Weiß, Direktorin HDKV

23. April – 11. Juni 2016
@ Heidelberger Kunstverein | Hauptstr. 97 | D-69117 Heidelberg
Öffnungszeiten | Di, Mi, Fr 12-19 Uhr, Do 15-22 Uhr, Sa-So 11-19 Uhr

Uli Fischer
›Was ich schon immer sagen wollte‹

›Neues und Ungesehenes aus der Sammlung Prinzhorn‹

www.claudia-vivero.comSpace is a construction. And this applies to Claudia Vivero´s work where the factor that determine...
claudia vivero

Space is a construction. And this applies to Claudia Vivero´s work where the factor that determines space and its dynamism is color: the way in which the pigments are combined, the tones, the chromatic interaction, color per se as an object, create spatial situations where the work is integrated with the viewer.

The "Superpuestos" series is the work Claudia has being developing for four years: a kind of textile collage of painted fabrics, cut, pasted,overlapped, where abstraction prevails, combining textures, setting a chromatic and sensitive dialogue from a visual and sensitive point of view. She says: "Guided by the emotion that color suggests, I seek for a beautiful effect of the basic materials of paint -color and form- to suggest a new space within the space in which the works are installed".

I said ones about Claudia´s work –and I still believe it – that even if they are small, circular, rectangular or perfect squares, her series grow slowly, surely and with a common factor that links them, showing a particular and characteristic aesthetic. The work´s pace, the internal structure and the space that contains it, it´s all defined by color. From the rigorous but apparent geometry of the vinyl on acrylic, the paints and the textile collages where the "tone over tone" of the compositional juxtaposition creates the entire sense, Claudia Vivero increasingly reinforces in abstraction and invites to enter her works, her installations and get lost in an almost playful space. Nevertheless, randomness is controlled, overflows are contained with stitches, the colors are designed according to their combination and the disposition of small format works, create a higher speech when they strengthen each other,all together on the wall. Color alchemy permanently makes its way in her work; it organizes, defines and establishes our visual and spatial trajectory.

Lic. Maria Carolina Baulo

Del 10 al 31 de enero
Horario: De 00 a 24hs.
Lafinur 3248 Palermo CABA






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