Rock Over Beethoven

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Pete Brown : CreamPete Brown ne fut jamais un simple parolier de Rock. Poète performeur issu de la scène underground bri...
19/05/2026

Pete Brown : Cream

Pete Brown ne fut jamais un simple parolier de Rock. Poète performeur issu de la scène underground britannique des années 1960, il a imposé une écriture libre, surréaliste et profondément littéraire dans un univers alors dominé par les formats Pop plus conventionnels. Avant même de collaborer avec les musiciens les plus aventureux de son époque, Brown publiait déjà ses poèmes adolescent dans la r***e américaine Evergreen Review et participait à l’effervescence poétique de Liverpool, où il contribua à rapprocher spoken word, Jazz et Rock psychédélique.

Son nom reste indissociable de Cream, dont il signa avec Jack Bruce plusieurs classiques majeurs comme “White Room”, “I Feel Free” ou “Sunshine of Your Love”, cette dernière coécrite avec Eric Clapton. Brown apporta à Cream une dimension poétique inédite, faite d’images hallucinées, de romantisme sombre et de psychédélisme urbain, qui marqua durablement l’écriture du Rock britannique. Son influence dépasse largement le cadre du groupe : il travailla avec Graham Bond, John McLaughlin ou encore Phil Ryan, fonda les groupes Pete Brown & His Battered Ornaments puis Pete Brown & Piblokto!, composa pour le cinéma et lança sa propre société de production audiovisuelle. Figure culte de l’underground anglais, admiré autant pour sa plume que pour son audace artistique, Pete Brown demeura jusqu’à la fin une passerelle rare entre poésie expérimentale et culture populaire.

Né le 25 décembre 1940 à Ashtead, dans le Surrey, Pete Brown est mort le 19 mai 2023, à l’âge de 82 ans.

Pensée pour le Poète !

Photo by Arnie Goodman ©

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19/05/2026

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“Baby, you can drive my car
Yes, I’m gonna be a star
Baby, you can drive my car
And maybe I’ll love you
Beep-beep-mm-beep-beep, yeah!”

Buckle up, — this ride’s got no brakes. Slide into the passenger seat with Paulina Villareal and let the night take the wheel. The stars are out, the promise is loud, and the road’s wide open. Vroom-vroom, baby… come on!

Photo : D. R. ©

Happy Birthday once more to Bijou Drains..,Artwork by Wayne/GoComics/WayneVision, 2014 ©
19/05/2026

Happy Birthday once more to Bijou Drains..,

Artwork by Wayne/GoComics/WayneVision, 2014 ©

Andy Rourke: The SmithsAndy Rourke was a British musician best known as the bassist of the 1980s Indie Rock band the Smi...
19/05/2026

Andy Rourke: The Smiths

Andy Rourke was a British musician best known as the bassist of the 1980s Indie Rock band the Smiths.

Born Andrew Michael Rourke, on January 17, 1964 in Manchester, UK.

Died from pancreatic cancer on May 19, 2023 in New York City, NY. He was 59.

Photo by Steve Parsons/PA Images/PA Images, 2006, Manchester, UK ©

 ,  ,Sam Smith: From Heartbreak To Pop IconBorn Samuel Frederick Smith on May 19, 1992 in London, UK, Sam Smith has beco...
19/05/2026

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Sam Smith: From Heartbreak To Pop Icon

Born Samuel Frederick Smith on May 19, 1992 in London, UK, Sam Smith has become one of the defining voices of 21st-century Pop. Initially emerging from the world of Dance Music, they soon pivoted toward a more soulful, emotionally charged Pop — a shift that would launch them to international st**dom.

Their debut studio album, In the Lonely Hour (2014), was a commercial and critical triumph. Powered by the global hit “Stay with Me,” the album earned four Grammy Awards — including Best New Artist, Best Pop Vocal Album, Record of the Year, and Song of the Year. It also received nominations for Album of the Year and Best Pop Solo Performance.

At the 57th Annual Grammy Awards, Smith famously thanked the heartbreak that inspired the album:
“Thank you to the man who this record is about… Thank you so much for breaking my heart because you got me four Grammys!”
The remark came just months after they publicly came out as gay, marking a turning point in their personal and public life.

Since then, Smith has continued to evolve — musically and personally. In 2017, they came out as genderqueer, and in 2019, publicly identified as non-binary, adopting they/them pronouns and becoming a prominent voice for LGBTQ+ visibility in mainstream music.

Their career has also intersected with cinema: in 2015, Smith recorded “Writing’s on the Wall” for the James Bond film Spectre. The haunting ballad won both a Golden Globe and an Academy Award for Best Original Song.

From raw heartbreak to global acclaim, Sam Smith’s journey is a testament to the power of vulnerability, reinvention, and the enduring appeal of a voice that cuts straight to the soul.

Sam Smith, “I’m Not The Only One”: https://youtu.be/nCkpzqqog4k?si=jIDuaeO9er6b1ePE

Sam Smith: From Heartbreak To Pop Icon

Né Samuel Frederick Smith le 19 mai 1992 à Londres, Sam Smith s’est imposé comme l’une des voix les plus marquantes de la Pop du XXIe siècle. Après des débuts dans l’univers de la Dance Music, l’artiste a rapidement opéré un virage vers une Pop plus sensuelle et émotionnelle : un choix artistique décisif qui les a propulsé.e(s ?) vers la célébrité internationale.

Leur premier album studio, In the Lonely Hour (2014), fut un triomphe critique et commercial. Porté par le tube planétaire “Stay with Me”, il leur a valu quatre Grammy Awards : Meilleur nouvel artiste, Meilleur album vocal Pop, Enregistrement de l’année et Chanson de l’année. L’album a également été nommé dans les catégories Album de l’année et Meilleure performance Pop solo.

Lors de la 57e cérémonie des Grammy Awards, Smith avait adressé un remerciement devenu célèbre à celui qui avait inspiré l’album :
« Merci à l’homme à qui cet album est dédié… Merci d’avoir brisé mon cœur, car cela m’a offert quatre Grammy ! »
Cette déclaration intervenait quelques mois après leur coming out gay, marquant un tournant majeur dans leur vie personnelle et publique.

Depuis, Sam Smith n’a cessé d’évoluer, artistiquement comme identitairement. En 2017, iels ont révélé s’identifier comme genderqueer, avant de se déclarer non-binaire en 2019, adoptant les pronoms they/them et devenant une figure incontournable de la communauté LGBTQ+ dans la Pop mondiale.

Leur carrière s’est aussi invitée au cinéma : en 2015, Smith a signé “Writing’s on the Wall”, chanson officielle du James Bond Spectre. Ce titre mélancolique a remporté à la fois un Golden Globe et un Oscar de la meilleure chanson originale.

De la douleur intime à la consécration mondiale, le parcours de Sam Smith témoigne du pouvoir de la vulnérabilité, de la réinvention, et d’une voix capable de toucher l’âme avec une justesse rare.

Photo by Jamie McCarthy, 2026, Met Gala, Metropolitan Museum of Art, New York City, NY ©

Tom Scott: The Blues BrothersQuincy Jones once said of him: “…the saxophonist; he’s 21, and out of sight! Plays any idio...
19/05/2026

Tom Scott: The Blues Brothers

Quincy Jones once said of him: “…the saxophonist; he’s 21, and out of sight! Plays any idiom you can name, and blows like crazy on half a dozen horns.” Guess who? If you grew up listening to The Blues Brothers Band, you already know the man: Tom Scott.

More than simply a virtuoso saxophonist, Tom Scott became one of the most versatile and sought-after musicians of his generation. Composer, arranger, bandleader and session ace, he moved effortlessly between Jazz Fusion, Pop, Film Scores and television soundtracks, leaving his mark on some of the most iconic recordings of the 1970s and 1980s.

As leader of the legendary L.A. Express, Scott helped redefine Jazz Fusion with a sophisticated West Coast sound that blended improvisation with cinematic textures. At the same time, he became one of Los Angeles’ most in-demand studio musicians, collaborating with artists as diverse as Paul McCartney, Joni Mitchell, George Harrison, Whitney Houston, Pink Floyd, Frank Sinatra and Steely Dan.

His saxophone and Lyricon performances became instantly recognizable. Scott played the memorable solo on Wings’ chart-topping hit “Listen to What the Man Said,” contributed to “Billie Jean” by Michael Jackson, and appeared on landmark recordings such as “Rapture” by Blondie and Terrapin Station by Grateful Dead. Hip-Hop listeners would later rediscover his work when a portion of “Today,” from his debut album The Honeysuckle Breeze, was sampled for the classic “They Reminisce Over You (T.R.O.Y.)” by Pete Rock & CL Smooth.

Beyond the recording studio, Tom Scott built an impressive career in film and television. He composed the themes for the hit series Starsky & Hutch and The Streets of San Francisco, scored films such as Taxi Driver, Stir Crazy and Conquest of the Planet of the Apes, and served as musical director for the Academy Awards and Emmy Awards broadcasts. His work as arranger also extended to artists like Barbra Streisand, while his television presence included leading the house bands for late-night hosts Pat Sajak and Chevy Chase.

A multiple Grammy winner with thirteen nominations, Scott remains one of the defining architects of the sophisticated studio sound that bridged Jazz, Pop and Hollywood entertainment during the late twentieth century.

Tom Scott was born Thomas Wright Scott on May 19, 1948, in Los Angeles, CA.

The Wings — “Listen to What the Man Said”: https://youtu.be/YxslbXDBmaY

Tom Scott : The Blues Brothers Band

Quincy Jones a dit de lui un jour : « … le saxophoniste ; il a 21 ans et il est phénoménal ! Il peut jouer n’importe quel style imaginable et souffle comme un fou sur une demi-douzaine de cuivres. » Devinez qui ? Si vous avez grandi en écoutant The Blues Brothers Band, vous tenez votre homme : Tom Scott.

Bien plus qu’un simple saxophoniste virtuose, Tom Scott s’est imposé comme l’un des musiciens les plus polyvalents et recherchés de sa génération. Compositeur, arrangeur, chef d’orchestre et redoutable musicien de studio, il a traversé avec une aisance rare le Jazz Fusion, la Pop, les musiques de films et les bandes originales télévisées, laissant son empreinte sur certaines des œuvres les plus marquantes des années 1970 et 1980.

À la tête du légendaire L.A. Express, Scott a contribué à redéfinir le Jazz Fusion grâce à un son sophistiqué typiquement West Coast, mêlant improvisation et textures cinématographiques. Dans le même temps, il est devenu l’un des musiciens de studio les plus demandés de Los Angeles, collaborant avec des artistes aussi prestigieux que Paul McCartney, Joni Mitchell, George Harrison, Whitney Houston, Pink Floyd, Frank Sinatra ou encore Steely Dan.

Ses interventions au saxophone et au Lyricon sont rapidement devenues reconnaissables entre mille. Tom Scott signe notamment le solo mémorable du tube de Wings “Listen to What the Man Said”, participe à “Billie Jean” de Michael Jackson et apparaît sur des enregistrements majeurs comme “Rapture” de Blondie ou Terrapin Station du Grateful Dead. Des années plus t**d, les amateurs de Hip-Hop redécouvriront son travail lorsqu’un extrait de “Today”, issu de son premier album The Honeysuckle Breeze, sera samplé pour le classique “They Reminisce Over You (T.R.O.Y.)” de Pete Rock & CL Smooth.

Au-delà des studios, Tom Scott a également construit une impressionnante carrière dans le cinéma et la télévision. Il compose les thèmes des séries cultes Starsky & Hutch et The Streets of San Francisco, signe les bandes originales de films comme Taxi Driver, Stir Crazy ou Conquest of the Planet of the Apes, et occupe le poste de directeur musical des cérémonies des Academy Awards et des Emmy Awards. Son talent d’arrangeur s’étend également à des artistes comme Barbra Streisand, tandis que la télévision américaine lui confie la direction des groupes maison des émissions nocturnes de Pat Sajak et Chevy Chase.

Lauréat de plusieurs Grammy Awards et nommé à treize reprises, Tom Scott demeure l’un des grands architectes du son sophistiqué qui a relié le Jazz, la Pop et l’industrie hollywoodienne à la fin du XXe siècle.

Tom Scott est né sous le nom de Thomas Wright Scott le 19 mai 1948 à Los Angeles, CA.

Photo by Jun Sato/WireImage, Bangkok, Thailand ©

 ,Grace Jones: La Vie En RoseTop model, actrice et Disco Queen à l’époque (elle a tâté la New Wave aussi), Grace Jones n...
19/05/2026

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Grace Jones: La Vie En Rose

Top model, actrice et Disco Queen à l’époque (elle a tâté la New Wave aussi), Grace Jones n’en a pas toujours fini avec les feux de la rampe.

Même si elle ne brille plus de mille feux, elle entrevoit peut-être la vie toujours en rose… Et à ce propos, elle demeure à son corps (sculptural) défendant, une icône des LGBTQ+…

Née le 19 mai 1948 à Spanish Town, Jamaïque, l’ex-égérie et non moins compagne du Grand Jean-Paul Goude (elle en a croqué d’autres) qui la mit en cage au grand dam d’une certaine Yvette Roudy dont peu se souviennent, fête ses 78 ans ce jour.

https://youtu.be/J-JfDk_EKxY

Photo par Jean-Paul Goude ©

  Balla Sidibé : Orchestra BaobabBalla Sidibé a été l’une des grandes figures de la musique sénégalaise moderne. Chanteu...
19/05/2026



Balla Sidibé : Orchestra Baobab

Balla Sidibé a été l’une des grandes figures de la musique sénégalaise moderne. Chanteur, percussionniste, timbaliste, compositeur et directeur musical, il demeure surtout l’un des piliers fondateurs de Orchestra Baobab, formation mythique née au début des années 1970 dans le Dakar nocturne du Club Baobab. Avec son mélange sophistiqué de Rythmes Afro-Cubains, de sonorités Mandingues et de traditions Wolof, le groupe a profondément marqué l’histoire des musiques ouest-africaines.

Originaire de Casamance, Balla Sidibé abandonne d’abord une carrière dans la police pour se consacrer entièrement à la musique. Au milieu des années 1960, il s’impose progressivement dans les nuits dakaroises avant de participer, en 1970, à la création d’Orchestra Baobab aux côtés de musiciens comme Rudy Gomis ou Ndiouga Dieng. Sa voix souple, son jeu de timbales et son sens des arrangements deviennent rapidement essentiels à l’identité sonore du groupe.

Au fil des décennies, Balla Sidibé compose ou co-compose plusieurs classiques du répertoire d’Orchestra Baobab, parmi lesquels « Cabral », « Sama Xol Bul Dem » ou encore « Autorail ». Il collabore également avec des artistes et orchestres majeurs de la scène africaine comme Youssou N’Dour, Bembeya Jazz National, Balla et ses Balladins ou Aurelio Martínez.

Le retour international d’Orchestra Baobab au début des années 2000 doit beaucoup au producteur britannique Nick Gold, fondateur du label World Circuit Records et artisan du phénomène Buena Vista Social Club. Séduit par la puissance intemporelle du répertoire du groupe, Nick Gold contribue à sa renaissance en rééditant l’album culte Pirates Choice puis en produisant Specialist in All Styles en 2002, avec le soutien de Youssou N’Dour. Dans cette redécouverte mondiale, le morceau « Bul Ma Miin » joue un rôle central. Si Balla Sidibé n’en est pas le compositeur et n’en assure pas le chant principal, porté par Ndiouga Dieng, il reste néanmoins très impliqué dans sa production musicale, ses arrangements et l’identité rythmique qui feront du titre l’un des emblèmes de la renaissance du groupe.

Figure respectée pour sa rigueur musicale et sa fidélité à l’esprit d’Orchestra Baobab, Balla Sidibé continuait encore de répéter avec le groupe à la veille de sa disparition. Sa date de naissance est généralement située autour du 19 mai 1942, sans certitude absolue sur l’état civil exact. Il est décédé le 29 juillet 2020 à Dakar, Sénégal, laissant derrière lui l’un des héritages les plus influents de la musique africaine contemporaine.

« J’ai vu des Chinois danser sur notre musique ! À Helsinki, nous nous sommes retrouvés dans un club où personne, soi-disant, n’avait réussi à faire bouger le public. En un morceau, c’était parti ! Impossible de nous résister : depuis la création du groupe, notre travail, c’est une histoire d’ambiance pour que tout le monde danse », disait-il.

Le Baobab est tombé le 29 juillet 2020 avec la disparition de Balla Sidibé. Mais comme les grands arbres africains, il continue de projeter son ombre bien après sa chute.

Orchestra Baobab — « Bul Ma Miin » : https://youtu.be/LtrTFd5PYmM

Balla Sidibé: Orchestra Baobab

Balla Sidibé was one of the major figures of modern Senegalese music. A singer, percussionist, timbales player, composer and musical director, he remains above all one of the founding pillars of Orchestra Baobab, the legendary ensemble born in the early 1970s in Dakar’s vibrant Club Baobab nightlife scene. With its sophisticated fusion of Afro-Cuban Rhythms, Mandingue influences and Wolof traditions, the group left a profound mark on the history of West African music.

Originally from Casamance, Balla Sidibé first abandoned a career in the police force to devote himself entirely to music. By the mid-1960s, he had gradually established himself in Dakar’s nightlife before helping found Orchestra Baobab in 1970 alongside musicians such as Rudy Gomis and Ndiouga Dieng. His supple voice, masterful timbales playing and refined sense of arrangement quickly became central to the band’s distinctive sound.

Over the decades, Balla Sidibé composed or co-composed several classics from the Orchestra Baobab repertoire, including “Cabral”, “Sama Xol Bul Dem” and “Autorail”. He also collaborated with major African artists and ensembles such as Youssou N’Dour, Bembeya Jazz National, Balla et ses Balladins and Aurelio Martínez.

Orchestra Baobab’s international revival in the early 2000s owed much to Nick Gold, founder of World Circuit Records and one of the architects behind the Buena Vista Social Club phenomenon. Captivated by the timeless power of the band’s repertoire, Gold helped spark its renaissance by reissuing the cult album Pirates Choice before producing Specialist in All Styles in 2002 with the support of Youssou N’Dour. In this worldwide rediscovery, the song “Bul Ma Miin” played a central role. Although Balla Sidibé neither composed the track nor performed its lead vocals, which were carried by Ndiouga Dieng, he remained deeply involved in its musical production, arrangements and rhythmic identity, elements that helped turn the song into one of the defining symbols of the group’s rebirth.

Respected for his musical discipline and unwavering loyalty to the spirit of Orchestra Baobab, Balla Sidibé was still rehearsing with the band on the eve of his passing. His birth date is generally believed to have been around May 19, 1942, though no exact civil record has ever been firmly established. He died on July 29, 2020, in Dakar, Sénégal, leaving behind one of the most influential legacies in contemporary African music.

“I saw Chinese people dancing to our music! In Helsinki, we found ourselves playing in a club where, supposedly, nobody had ever managed to get the crowd moving. One song was all it took. Impossible to resist us: since the band was formed, our mission has always been to create an atmosphere where everyone dances,” he once said.

The Baobab fell on July 29, 2020, with the passing of Balla Sidibé. But like the great African trees, it continues to cast its shadow long after its fall.

Photo by Youri Lenquette/Lenquette/Dalle, 2008, Dakar, Sénégal ©

Joey Ramone: “Gabba Gabba Hey!”Ce n’est pas la lymphopénie,  ni le syndrome de Marfan dont il souffrait qui lui a inspir...
19/05/2026

Joey Ramone: “Gabba Gabba Hey!”

Ce n’est pas la lymphopénie, ni le syndrome de Marfan dont il souffrait qui lui a inspiré “I Wanna Be Sedated”. Il lui a peut-être favorisé une croissance hors norme : 1,98 m. Certes pas le plus grand Rocker, mais quand même parmi les plus grands. Juste en dessous de Pete Steele, le bassiste et chanteur de Type O Negative : 2,03 m. Voire de Krist Novoselic, cofondateur et bassiste de Nirvana : 2,01 m.

La chanson viendrait de deux épisodes différents de sa vie. Une brûlure à l’eau chaude dont il a été victime et un jour de Noël passé à glander à Londres, d’où la rengaine :
“Twenty-Twenty-Twenty-Four Hours To Go
I Wanna Be Sedated
Nothing To Do, No Where To Go, Oh
I Wanna Be Sedated”

Cet admirateur des Beatles (c’était un être humain !) était une icône du mouvement Punk, identifiable par sa grande taille, ses pantalons Jeans destroy quand ce n’était pas du cuir, son perfecto noir, ses lunettes de vue sombres à montures rondes et des sneakers puants selon Philippe Garnier du journal Libération.

C’est presque inimaginable que cette bande de durs, sur proposition de leur bassiste Dee Dee Ramone, se soit inspirée du pseudonyme de Paul McCartney (Paul Ramon) pour créer ce groupe nihiliste, porte-étendard du mouvement Punk.

Passons sous silence le conflit entre Johnny Ramone et lui-même, qui viendrait de la déloyauté du guitariste qui guignait sa petite amie ; et sûrement plus de ses positions plutôt borderline, qui frisaient l’antisémitisme. Chose inconcevable pour le Juif qu’était Joey. La chanson rageuse : “The K*K Took my Baby Away” peindrait la réelle situation.

Jeffrey Ross Hyman de son vrai nom, s’est éteint (peut-être sous sédation) le 15 avril 2001 à New York City, NY, des suites de lymphopénie. Pour paraphraser certains de ses amis pour le chambrer, il avait été malade toute sa vie. Lui qui était né dans la même ville, le 19 mai 1951 !

Son album solo Don’t Worry About Me allait être publié une année plus t**d, avec une cover survitaminée de “What A Wonderful World”. Il avait 49 ans...

We still worry about him: “Gabba Gabba Hey!”

https://youtu.be/bm51ihfi1p4

Joey Ramone: “Gabba Gabba Hey!”

It was not the lymphopenia or the Marfan syndrome from which he suffered that inspired him to "I Wanna Be Sedated". It may have favored him an extraordinary growth: 1.98 m. Certainly not the tallest Rocker, but still among the tallest. Just below Pete Steele, the bassist and singer of Type O Negative: 2.03 m. Even Krist Novoselic, co-founder and bassist of Nirvana: 2.01 m.

The song would come from two different episodes of his life. A hot water burn he suffered and a Christmas day spent hanging out in London, hence the catchphrase:
“Twenty-Twenty-Twenty-Four Hours To Go
I Wanna Be Sedated
Nothing To Do, No Where To Go, Oh
I Wanna Be Sedated”

This Beatles fan (he was a human being after all!) was an icon of the Punk movement, identifiable by his large size, his destroyed jeans pants when it was not leather, his black biker jacket, his dark framed glasses round shoes and stinky sneakers according to Philippe Garnier of the newspaper Liberation.

It's almost unimaginable that this band of toughs, on the proposal of their bassist Dee Dee Ramone, was inspired by the pseudonym of Paul McCartney (Paul Ramon) to create this nihilistic group, standard bearer of the Punk movement.

Let's ignore the conflict between Johnny Ramone and himself, which would come from the disloyalty of the guitarist who was watching his girlfriend; and surely more of his rather borderline positions, which bordered on anti-Semitism. Something inconceivable for the Jew that was Joey. The angry song: "The K*K Took my Baby Away" would paint the real situation.

Jeffrey Ross Hyman, his real name, died (possibly under sedation) on April 15, 2001 in New York City, NY, from complications of lymphopenia. To paraphrase some of his friends, he had been sick all his life. Him who was born in the same town, on May 19, 1951!

His solo album Don't Worry About Me would be released a year later, with a supercharged cover of "What A Wonderful World." He was 49...

We still worry about him: “Gabba Gabba Hey!”

Photo by M. Rossi, 1994, Sao Paulo, Brazil ©

Oskar Cartaya Oskar Cartaya is a highly accomplished Grammy-nominated bassist, composer, arranger and musical director w...
19/05/2026

Oskar Cartaya

Oskar Cartaya is a highly accomplished Grammy-nominated bassist, composer, arranger and musical director whose versatile playing has moved effortlessly between Latin Jazz, Fusion, Salsa and Funk. Raised in Bayamón, Puerto Rico after being born in New York City, NY, Cartaya developed a signature sound shaped by the musical crossroads of Puerto Rico, New York and Los Angeles. Over the decades, he has collaborated with an impressive range of artists, including Celia Cruz, Rubén Blades, Tito Puente, Willie Colón, Jennifer Lopez and Robbie Robertson. He also spent five years with the acclaimed Jazz-Fusion group Spyro Gyra and worked alongside artists such as Herb Alpert and Dave Valentin, while regularly contributing to the global music collective Playing For Change.

Cartaya’s career has been marked by both critical recognition and musical versatility. He received a Latin Grammy nomination for Best Latin Jazz/Jazz Album for his solo project Bajo Mundo, while an earlier Grammy nomination came through his work with Spyro Gyra on the album Fast Forward. After studying at the Escuela Libre de Música in Puerto Rico, he relocated to Los Angeles, where he later taught at the Musicians Institute (BIT). Beyond the stage and studio, he also contributed to the music departments of films including Contact and Kill Me Later.

Oskar Cartaya was born on May 19, 1963, in New York City, NY.

Tony Succar & Oskar Cartaya: https://youtu.be/9UCR9B_OI48?si=Nt2Z493BNZvVg34L

Oskar Cartaya

Oskar Cartaya est un bassiste, compositeur, arrangeur et directeur musical nommé aux Grammy Awards, reconnu pour sa remarquable polyvalence entre le Latin Jazz, la Fusion, la Salsa et le Funk. Né à New York, élevé à Bayamón, Porto Rico, Cartaya a façonné une signature sonore nourrie par les influences croisées de Porto Rico, de New York et de Los Angeles. Au fil des décennies, il a collaboré avec quelques-unes des plus grandes figures de la musique, parmi lesquelles Celia Cruz, Rubén Blades, Tito Puente, Willie Colón, Jennifer Lopez et Robbie Robertson. Il a également passé cinq années au sein du groupe de Jazz-Fusion Spyro Gyra et travaillé aux côtés d’artistes comme Herb Alpert et Dave Valentin, tout en collaborant régulièrement avec le collectif musical international Playing For Change.

La carrière de Cartaya est caractérisée autant par son éclectisme que par les distinctions reçues. Il a obtenu une nomination aux Latin Grammy Awards dans la catégorie Best Latin Jazz/Jazz Album pour son projet solo Bajo Mundo, après avoir déjà été nommé aux Grammy Awards avec Spyro Gyra pour l’album Fast Forward. Formé à l’Escuela Libre de Música de Porto Rico, il s’est ensuite installé à Los Angeles, où il a également enseigné au Musicians Institute (BIT). En parallèle de ses activités de scène et de studio, il a participé aux départements musicaux des films Contact et Kill Me Later.

Oskar Cartaya est né le 19 mai 1963 à New York City, NY.

Photo by Magda Cartaya ©

Pete Townshend Peter Dennis Blandford Townshend, aka Pete Townshend, aka Bijou Drains, fête ses 81 ans… L’homme aux Doc ...
19/05/2026

Pete Townshend

Peter Dennis Blandford Townshend, aka Pete Townshend, aka Bijou Drains, fête ses 81 ans…

L’homme aux Doc Martens 1461 reste un Géant toutes Générations confondues, même s’il ne bondit plus dans les airs, sa guitare à la main.

https://youtu.be/qN5zw04WxCc

Pete Townshend, the legendary guitarist and principal songwriter of The Who, celebrates his 81st birthday today.

The man in the 1461 Doc Martens remains a Master, even if he no longer leaps through the air with a guitar in hand.

A towering figure in Rock history — simply a giant. All generations…

Photo by Neal Preston, 1974, Kia Forum, Los Angeles, CA ©

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