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Este viernes pasado empezamos la jornada con Crónica de un niño solo (1965), película que, a través de la historia de Po...
09/08/2026

Este viernes pasado empezamos la jornada con Crónica de un niño solo (1965), película que, a través de la historia de Polín, nos introduce sutilmente en el universo autobiográfico de Leonardo Favio y en algunas de las experiencias que marcaron su infancia.
Desde el inicio del largometraje, el espectador es expuesto a una puesta en escena de gran precisión, marcada principalmente por la dirección de arte y la fotografía. Esta última fue la que sacó más elogios en las conversaciones posteriores, y es que la película cuenta con un manejo de cámara que aprovecha cada espacio y unas tomas que, incluso en los momentos más sencillos, construyen imágenes complejas y finamente logradas. El dominio de la cámara y la composición de imágenes destacan especialmente en una película en la cual cada espacio parece tener algo que decir.
Por otro lado, el uso del silencio resulta especialmente importante. En una película donde los adultos son los encargados de hablar y decidir constantemente sobre el destino de los niños, Favio muchas veces prefiere dejarlos observar, caminar o simplemente permanecer en silencio. Es a través de estas pausas y de sus gestos que podemos acercarnos a Polín y a su anhelo de escapar del orfanato. El silencio también ayuda a construir momentos de tensión, como aquel en el río, donde un bello instante de libertad rápidamente toma un giro violento e inesperado.
Quizás por eso una de las imágenes más simbólicas sea la del caballo blanco y el reflejo de Polín, que puede entenderse como una representación de aquello que el niño busca durante toda la película: la libertad. Una libertad que parece siempre estar al alcance de la vista, pero que nunca termina por pertenecerle. Finalmente, el policía encargado de encontrarlo, lo devuelve al reformatorio, cerrando la película sobre sí misma y dejando la sensación de que el ciclo está destinado a repetirse.
Con Crónica de un niño solo, Favio construye una historia sobre la infancia y el abandono, pero también demuestra desde su primera película una mirada cinematográfica extraordinariamente sensible, capaz de encontrar belleza incluso en los espacios más duros.

(Continúa en la próxima foto)

Nazareno Cruz y el l

Acá en Chile Leonardo Favio fue más conocido como un cantante que brilló por su voz inigualable y sus canciones que hab...
06/08/2026

Acá en Chile Leonardo Favio fue más conocido como un cantante que brilló por su voz inigualable y sus canciones que hablaban de sufrimiento, amor y a veces con insinuaciones sexuales que rompieron los esquemas y se diferenciaron de otras letras ingenuas o ultra politizadas que escribían sus pares contemporáneos que se quejaban de sus letras "alienantes" y poco comprometidas con la resistencia anticapitalista.
Diez años antes de lanzar su primer disco Fuiste mía un verano (1968) Favio realizó su primera incursión en el cine con El señor Fernández, cortometraje inconcluso de 1958.
Fue parte de la Generación del sesenta en Argentina y a pesar de ser hoy considerado uno de los cineastas más importantes de América Latina, en aquel tiempo su cine fue cuestionado por un sector de analistas académicos por no estar comprometido con las denuncias políticas de la época y por desarrollar un cine cargado de melodrama poético, con trágicas historias personales, con la ficción como género predilecto y lejos de los objetivos del Grupo Cine Liberación formado por sus compatriotas Fernando Solanas, Octavio Getino y Gerardo Vallejo, y de la mayoría de los representantes del Nuevo Cine Latinoamericano que se caracterizaron en gran medida por visibilizar las injusticias a sectores vulnerables de la sociedad, por insistir en una expresión anticolonialista, por oponerse al cine de autor, privilegiando la creación colectiva enfocada en los movimientos sociales y políticos, y por su preferencia al cine documental o a formatos experimentales mixtos.
En Cine Ocvlto amamos a Leonardo Favio y este viernes terminaremos nuestro ciclo de Cinematografía Sudamericana con dos joyas que en su forma son muy diferentes entre si: Crónica de un niño solo (1965) autoretrato dramático muy influenciado por la Nouvelle Vague francesa y el Neorrealismo italiano, y Nazareno Cruz y el lobo (1975) adaptación del radioteatro del mismo nombre creado por Juan Carlos Chiappe en 1951 y que es una versión del mito criollo del Lobizón, séptimo hijo varón que en las noches de luna llena se transtorma en lobo. (JS)

Afiche: Claudia Sánchez Componer en-sueños

Ayer continuamos con nuestro ciclo latinoamericano de la mano de Fernando Birri. Antes del largometraje Los inundados, p...
02/08/2026

Ayer continuamos con nuestro ciclo latinoamericano de la mano de Fernando Birri. Antes del largometraje Los inundados, proyectamos el cortometraje Tire dié.
Si bien el largometraje aportó un tono distinto al ser la única comedia del ciclo, junto con el carisma de sus personajes y el papel que desempeña la música en la narración, fue Tire dié el que dejó una impresión más profunda entre quienes asistieron.
La conversación posterior giró principalmente en torno a la fuerza con que el cortometraje retrata la desigualdad y a la capacidad que tienen algunas películas de denuncia para seguir interpelando al espectador con el paso del tiempo.
Entre los comentarios surgió también la sensación de que el doblaje de la versión proyectada no nos permitió disfrutar plenamente de una parte importante de la experiencia, especialmente en un documental de esta naturaleza: escuchar las voces y las formas de hablar de quienes habitan ese mundo que Fernando Birri decidió registrar en aquellos años. La conversación derivó entonces en cómo algunas películas de denuncia logran trascender la urgencia política que les dio origen y continúan encontrando nuevas formas de interpelar a espectadores de distintas épocas.
En ese sentido, Tire dié continúa siendo una película de una vigencia y una potencia extraordinarias, consolidándose como una de las obras fundamentales del cine argentino y latinoamericano.

Sofía Mosqueira sopahia

Fernando Birri (1925) es un cineasta argentino oriundo de la ciudad de Santa Fe y que dentro de sus aportes culturales d...
30/07/2026

Fernando Birri (1925) es un cineasta argentino oriundo de la ciudad de Santa Fe y que dentro de sus aportes culturales destacan: la fundación del primer teatro experimental de la Universidad Nacional del Litoral, la fundación del primer cineclub de Santa Fe, la formación de la Escuela Documental de Santa Fe y la fundación junto a Gabriel García Márquez de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de Los Baños de Cuba en 1986.

Aquí les dejamos un extracto del "Manifiesto de Santa Fe" también conocido como "Cine y desarrollo", libro publicado por Fernando Birri en 1962.

¿Qué cine necesita Argentina?, ¿qué cine necesitan los pueblos subdesarollados de Latinoamérica?
Un cine que los desarrolle. Un cine que les dé conciencia, toma de conciencia; que los esclarezca; que fortalezca la conciencia revolucionaria de aquellos que ya la tienen; que los
fervorice; que inquiete, preocupe, asuste, debilite, a los que tienen “mala conciencia”, conciencia reaccionaria; que defina perfiles nacionales, latinoamericanos; que sea auténtico; que sea antioligárquico y antiburgués en el orden nacional y anticolonial y antimperialista en el orden internacional; que sea propueblo y contra antipueblo; que ayude a emerger del subdesarrollo al desarrollo, del subestómago al estómago, de la subcultura a la cultura, de la subfelicidad a la
felicidad, de la subvida a la vida.
Nos interesa hacer un hombre nuevo, una sociedad nueva, una historia nueva, y por lo tanto un arte nuevo, un cine nuevo. Urgentemente. Con la materia prima de una realidad poco y mal comprendida: la realidad del área de los países subdesarrollados de Latinoamérica, o si se prefiere el eufemismo de la OEA: de los países en vías de desarrollo de Latinoamérica, para cuya comprensión —o más bien incomprensión— se han aplicado siempre los esquemas interpretativos de los colonialistas extranjeros o de sus súbditos locales, deformados según la mentalidad de aquellos. (JS)

Luego de una breve pausa, esta semana retomamos el ciclo de cine latinoamericano con Vidas Secas (1963), del brasileño N...
26/07/2026

Luego de una breve pausa, esta semana retomamos el ciclo de cine latinoamericano con Vidas Secas (1963), del brasileño Nelson Pereira Dos Santos.
El ritmo pausado del largometraje, los escasos diálogos y la dureza de sus imágenes hicieron que la conversación
posterior fuera diferente a la de las
semanas anteriores. Hubo quienes
comentaron que la pelicula les resultó
difícil de ver; otros destacaron la fuerza de
un paisaje que termina por dar sentido al propio título. Sin duda uno de los comentarios que más resonó en la función fue la sensación de que Vidas Secas funciona como un bucle. La película comienza y termina de una manera muy similar, como si sus personajes estuvieran condenados a recorrer una y otra vez el mismo camino.
Esta idea dialogó con una de las escenas más recordadas de la noche, cuando el niño pregunta por el in****no. La respuesta que para la madre del pequeño parecía difícil de responder terminó siendo evidente para nosotros: el in****no no aparece como un lugar lejano, sino como la realidad cotidiana que atraviesan los personajes.
Esta película nos recordó que un territorio también puede convertirse en protagonista y que, a veces, el silencio puede transmitir tanto como las palabras.

Sofía Mosqueira sopahia

El sertón brasileño es una extendida región geográfica semiárida del nordeste de Brasil, constituida principalmente por ...
24/07/2026

El sertón brasileño es una extendida región geográfica semiárida del nordeste de Brasil, constituida principalmente por colinas terrosas de baja altura y arbustos aparentemente secos.
Entre 1877 y 1879 se produjo en aquella región la sequía más grande de la historia de Brasil, provocando la muerte de 500.000 personas, un desastre en cuanto a cosechas y ganados de los campesinos y con esto un éxodo masivo de personas -que sobrevivieron- a trabajar en la extracción de caucho en el Amazonas o a la gran ciudad de Sao Paulo.
Graciliano Ramos escritor y periodista brasileño se inspiró en estos acontecimientos para escribir y publicar en 1938 "Vidas Secas", novela escrita de manera cíclica, siendo su comienzo interpretado como continuación de su propio final, acentuando con esto la cruda pobreza de nunca acabar en la sequía del sertón.
Posteriormente en 1963 Nelson Pereira Dos Santos adaptó al cine la obra literaria de Graciliano Ramos, pero ambientada en 1942 año que fue testigo de otra sequía extrema en el sertón brazuca.
El impacto social y cultural que provocó este acontecimiento "seco" fue tan grande que dio origen a otras obras cinematográficas como: "La tierra quema" (1964) cortometraje de Raymundo Gleyzer, "Dios y el Diablo en la tierra del sol" (1964) largometraje de Glauber Rocha y "Viramundo" (1965) mediometraje de Geraldo Sant. (JS)

Afiche: Claudia Sánchez.

Resulta contradictorio que, siendo parte de América Latina, conozcamos tan poco el cine producido en ella. En un país co...
19/07/2026

Resulta contradictorio que, siendo parte de América Latina, conozcamos tan poco el cine producido en ella. En un país como Chile, y especialmente en una ciudad como Rancagua, estas funciones se convierten en una oportunidad para mirar nuestra propia región desde perspectivas diversas y, muchas veces, poco conocidas. Frente a esa realidad, este ciclo se presenta como una invitación a descubrir historias, realidades y problemáticas que también forman parte de nuestra identidad como latinoamericanos.

Hasta ahora, en este ciclo de cine latinoamericano se han proyectado Yawar Mallku (Bolivia, 1969), Araya (Venezuela, 1959), Nuestra voz de tierra, memoria y futuro (Colombia, 1982) y El Chacal de Nahueltoro (Chile, 1969). Aunque pertenecen a contextos nacionales muy distintos, las cuatro películas han dado lugar a conversaciones sorprendentemente cercanas. Nuestro público no abandona su silla inmediatamente al término de la película porque entiende que la función continúa con el diálogo que se da después.

Las conversaciones nos han llevado a preguntarnos qué significa pertenecer a una nación, cómo el cine puede convertirse en parte de una memoria colectiva o de qué manera el cine dialoga con la historia de nuestros países. Han surgido también reflexiones sobre la violencia, la justicia, la resistencia de los pueblos indígenas y las distintas formas en que América Latina ha construido y representado su propia identidad. Lo más interesante es que ninguna de estas preguntas ha quedado confinada al contexto histórico de las películas: todas siguen resonando de alguna u otra forma con nuestro presente.

Terminada cada función, la conversación se extiende sin importar el número de asistentes. Se comparten ideas e interpretaciones, y muchas veces aparecen sentimientos encontrados como la rabia, la esperanza, la impotencia o la satisfacción. Esa es, quizás, la mayor riqueza de este ciclo: entender que las películas no terminan cuando aparecen los créditos, sino que continúan en el diálogo que construimos a partir de ellas.
Ese diálogo sigue abierto. La invitación es a sumarse a las próximas funciones y a ser parte de las conversaciones que están por venir. Sofía Mosqueira

Película basada en el as*****to múltiple llevado a cabo por el campesino Jorge del Carmen Valenzuela Torres, quien mató ...
08/07/2026

Película basada en el as*****to múltiple llevado a cabo por el campesino Jorge del Carmen Valenzuela Torres, quien mató de manera salvaje a una mujer campesina y sus cinco hijos, en la localidad de Nahueltoro (Coihueco), en 1960.
La cinta fue producida por la Universidad de Chile, escrita y dirigida por Miguel Littín, quien ya había realizado "Por la tierra ajena" (1965) cortometraje musicalizado por Patricio Manns; la música del 'Chacal' estuvo a cargo de Sergio Ortega, compositor y pianista antofagastino creador de obras musicales históricas como "El pueblo unido jamás será vencido"(1973) y "Venceremos"(1970); en la fotografía estuvo Héctor Ríos Henríquez, quien trabajó posteriormente en el cortometraje "Entre ponerle y no ponerle" (1971) y en "La Frontera" película de 1991; el gran Pedro Chaskel fue el encargado del montaje, quien ya había trabajado junto a Héctor Ríos en 5 cortometrajes, entre los que destaca "Ab**to" documental dramatizado experimental realizado en 1965.
El elenco estuvo compuesto por Nelson Villagra, Shenda Román, Luis Alarcón, Marcelo Romo y Héctor Noguera entre otros.
"El Chacal de Nahueltoro" llegó a ser tan importante en la historia del cine chileno por la gran cantidad de artistas talentosos de diversas disciplinas que participaron en su ejecución, nombres importantes que le dieron forma al Nuevo Cine Chileno y que siguieron siendo protagonistas en las décadas venideras tanto en Chile como en otros países de Latinoamerica. (JS)

Juan Moreira fue un legendario gaucho argentino, que debido a muchas injusticias, tuvo que defender a golpes y cuchillaz...
07/07/2026

Juan Moreira fue un legendario gaucho argentino, que debido a muchas injusticias, tuvo que defender a golpes y cuchillazos su vida y honor, este ritmo de vida provocó una persecución policiaca que terminó en su as*****to por parte de la policía en Lobos (ciudad de la provincia de Buenos Aires) en 1874.
Esta crónica roja inspiró al escritor argentino Eduardo Gutierrez la creación de una novela gauchesca que fue publicada como folletín entre noviembre de 1879 y enero de 1880 en el diario La Patria Argentina.
En 1884 Gutierrez transformó la novela en una pantomima que fue representada en un circo, luego en 1886 el actor circense teatral uruguayo José Podestá adaptó el escrito a su primer drama criollo con cantores, guitarreros y bailarines, considerado el primer drama argentino e inicio simbólico del teatro rioplatense.
Juan Moreira se convirtió con el tiempo en uno de los personajes populares más importantes del folclore argentino, provocando ya en el siglo XX la realización de dos películas mudas y tres sonoras, la última de ellas fue la adaptación creada por el gran Leonardo Favio en 1973. (JS)

A pesar del frío nocturno esta semana la gente asistió al cine, el jueves vimos una película del cineasta brasileño Glau...
06/07/2026

A pesar del frío nocturno esta semana la gente asistió al cine, el jueves vimos una película del cineasta brasileño Glauber Rocha, inspirada en la Comedia del Arte italiana del siglo XVI, pero con personajes arquetípicos teatrales que representaban muy bien la identidad y cultura brasileña.
El viernes fue el turno de Martha Rodríguez y Jorge Silva, cineastas de Colombia especialistas en el documental antropológico, creadores de una obra audiovisual muy potente en cuanto a su contenido politizado que visibilizaba las problemáticas indigenistas y campesinas en sectores rurales de aquella Colombia de la década de los setentas y ochentas, pero que siguen ocurriendo hasta el día de hoy en diferentes lugares de Latinoamérica.
Una conversación extensa tuvimos luego de ver el documental el viernes, con análisis profundos por parte de la audiencia, que nos hizo reflexionar sobre el peligroso avance que ha tenido la ultraderecha con mecanismos y operaciones sucias que son más antiguas que el hilo negro.
Gracias a la audiencia que asistió esta semana, gracias por compartir sus impresiones y por tener la voluntad de dialogar luego de cada proyección, la verdad que fue una semana muy especial donde confirmamos en conjunto que es muy buena idea seguir insistiendo en la existencia de este extraño, pero prolífico cineclub. (JS)

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