Apothéose

05/12/2021

Découvrez l'interview de Théodore et de son impressionnant stop-motion😎

05/11/2021

Découvrez l'œuvre époustouflante de Kelly-Ann Anglehart à travers de cette courte interview 😍

05/09/2021

Kelly-Ann Anglehart
Féminité de porcelaine
182,88 x 96,52 x 5,08 cm
Impression de composition numérique et dessin graphique

Pour mon projet de fin d’études, j’ai voulu répertorier des éléments récurrents dans ma vie artistique : la femme, la beauté, la douceur et la fragilité. J’ai donc regroupé ces éléments pour créer un univers où la féminité y est représentée sous toutes ses formes. L’art numérique est un type d’art que j’ai apprécié utiliser durant les sessions passées et c’est cette technique de création que j’ai voulu traiter pour mon projet synthèse de programme. J’ai donc créé un univers en mêlant des photographies à un dessin graphique pour créer une composition numérique actuelle. J’ai intégré des motifs de porcelaine, car la porcelaine est l’exemple même de la fragilité et est aussi une métaphore de la femme. Ainsi est né le projet de composition numérique « Féminité de porcelaine ».

Cette œuvre, une composition numérique avec ajout de dessin graphique, est le résultat d’un long travail de photographie avec un modèle. Ensuite, trois de ces photos ont été choisies et agrémentées de dessin numérique pour donner l’impression d’une couche de porcelaine cassée composant l’armure de la femme. Finalement, le contour des photos et le restant de l’image sont dessinés au dessin graphique. L’impression de mon image finale est de grande dimension et est posée sur un grand cadre pour donner de la prestance et ainsi, elle permet de mieux communiquer l’émotion provenant des photos en grand format.

Lorsque l’on observe mon impression, ce sont les trois grandes photographies que l'on perçoit en premier. L’émotion est très présente dans ma composition numérique, car les regards, le corps fragmenté et les fissures laissent envisager un sentiment de fragilité. L’armure, composée de porcelaine, est censée protéger les émotions intérieures de la femme, mais elle ne fait pas ce qu’elle est censée être en mesure de servir, puisqu’elle la rend vulnérable aux yeux de tous. En fait, c’est faux de croire que la femme se trouve à être un être fragile et vulnérable. Sa peau est à découvert à quelques endroits et la porcelaine cassée insinue que sa fine couche de porcelaine, si longtemps conservée, s’apprête à laisser place à son propre corps, qui lui, n’a pas besoin d’être protégé.

En regardant attentivement les images, celle du bas laisse croire que la modèle est dans une position de vulnérabilité, puisqu’elle semble dormir. Celle du centre laisse envisager qu’avec le temps, elle se relève et fixe le spectateur du regard pour lui montrer sa force intérieure. Celle du haut, qui est un gros plan du visage du modèle, représente la métamorphose complète de la femme, où elle se sent enfin libre et lève sa tête fièrement vers le ciel.

05/08/2021

Théodore Lavoie
Traveller
Durée de 4 minutes 10
Stop motion en plasticine

Comme projet final de fin d’études, je voulais créer une œuvre cinématographique triste et angoissante, dans le but de non-seulement me rapprocher de ma passion pour le montage, mais aussi pour faire le bilan des différentes techniques apprises durant mes cours d’art. J’ai donc décidé de créer un stop-motion ayant comme thème le voyage dans le temps. La science-fiction a toujours été pour moi un genre filmique passionnant, passant par Marvel jusqu’aux films d’horreur. Je tenais à représenter, à l’aide d’une œuvre originale, mes connaissances et ma passion pour le cinéma et son histoire.

Premièrement, l’histoire derrière le personnage est plutôt triste. En effet, le métrage met en scène un scientifique habité par les remords de son passé, tentant donc de retourner là où son chien s’est fait tuer par une voiture. Son côté fou prendra le dessus, lui poussant donc à créer une machine à voyager dans le temps qui fonctionnera de manière erratique. C’est donc pourquoi mon œuvre se nomme « Traveller » ou « Voyageur » en français. Celui-ci s’apprête à faire un bond dans le temps afin d’aller retrouver son chien. Il est donc en quelque sorte considéré comme un voyageur du temps.

Derrière un scénario angoissant et captivant se cache le thème du deuil. L’idée de perdre un proche ou un animal de compagnie est, en effet, une étape obligatoire à surmonter qui peut parfois être très difficile. J’ai voulu créer une personnalité au personnage à l’aide de l’émotion qu’il vivait, celui-ci venant de perdre la prunelle de ses yeux et donnant tout pour le retrouver. Cet élément de tristesse absolue joue un rôle considérable dans mon scénario puisque les émotions ressenties par le personnage altèrent la réalité en noir et blanc, reflétant donc ce que l’homme vit intérieurement.

Côté technique, mes personnages et éléments du décor sont faits principalement en pâte à modeler. J’ai d’ailleurs utilisé l’agent tachant de la pâte à modeler pour dessiner des effets et des formes sur le plancher et les murs de mes maquettes. Les murs sont faits de carton « Hi-art » (cartons minces et rigides) et les sols sont principalement faits de béton et de panneaux de fibres à densité moyenne afin de maintenir solidement les principales structures en place.

Traveler is a short film animation about depression and sadness due to the loss of someone precious. As a final graduation project, I wanted to create a sad ...

05/07/2021

Nathanaël Boisvert
Les personnes qui m’ont marquée
165,1x81,28x2,54cm
Dessin au feutre noir, papier Fabriano

Au cours de ce projet, cette œuvre est passée par de multiples évolutions. D’abord, je voulais en faire un paravent avec 36 dessins, toutefois, à mi-chemin de la création de l’œuvre je me suis rendu compte que c’était trop. J’ai donc réduit à 18 et j’ai pris l’initiative de faire 3 panneaux, qui seraient placés en triangle si l’on observe sur le dessus. Toutefois, au moment où j’écris ces lignes, j’ignore si j’aurai le temps pour suivre cette idée, donc mon projet sera probablement installé au mur, tout simplement.
J’ai décidé de faire ce projet avec des feutres et d’explorer le noir et blanc. J’aime beaucoup cette technique, d’abord car j’arrive à développer un style graphique près de la bande dessinée que j’aime beaucoup, mais également car c’est un bon défi de n’utiliser que le blanc et le noir pour toute l’œuvre, créer des ombres et des lumières, faire des contrastes intéressants, etc. On s’impose ainsi des contraintes et il faut jouer avec, arriver à les utiliser dans le but de réaliser ce que l’on veut. Pour le papier, j’ai pris du Fabriano, car j’ai déjà eu l’expérience de l’utiliser par le passé et j’aime beaucoup la qualité de ce papier.

Mon œuvre parle des diverses personnes qui m’ont influencé au cours de ma vie. Des gens qui m’aiment, des gens qui m’inspirent, des gens qui m’ont apporté des choses, en bref, qui m’ont fait grandir. J’aurais aimé en mettre plus et accorder plus de temps à ces dessins, bien que j’y ai mis tout le temps que je pouvais trouver, quitte à manquer des cours parfois. J’ai voulu faire un hommage à ces gens qui m’ont marquée, dans le but de les remercier d’avoir fait la personne que je suis aujourd’hui. D’abord ma famille, pour une raison évidente, qui m’a transmise mes principales valeurs et qui se sont occupé de mon éducation. Ensuite mon ami Gwendal, qui est comme un frère pour moi et avec qui je peux être qui je suis réellement, sans trop réfléchir à mes faits et gestes. Il y a également des personnages de films et des personnalités publiques. Certains, comme Keanu Reeves, par exemple, sont des personnes que je trouve inspirantes, parce que peu importe les drames que l’on peut vivre, la vie nous apprend à nous relever et à savoir que ça peut toujours être pire. Ce ne sont que des épreuves à surmonter et il faut simplement se relever et avoir le courage de rester présent et gentil pour les autres.

Au final, bien que je n’aie pas pu faire ce que je voulais au départ, je suis content que ce projet soit enfin terminé. J’ai trop mis de temps sur cette œuvre, je suis content de pouvoir enfin passer à autre chose. J’ai d’autres projets qui m’attendent, des projets que je juge plus intéressant. Merci d’avoir lu ce texte en entier et d’avoir pris la peine d’observer mon projet.

05/06/2021

Victor Labrie
Further
175,26 cm par 91,44 cm
Acrylique sur toile

Further est l’œuvre que j’ai créée pour conclure mon cours d’activité d’intégration ainsi que mon diplôme d’études collégiales. Ce diptyque témoigne du développement de mon travail et de mon approche artistique que j’ai développée ces deux dernières années, tout en étant un pont vers mes futurs projets d’envergure.
Suite à plusieurs recherches, j’ai eu un grand intérêt pour la technologie militaire, plus particulièrement les sous-marins nucléaires. Je propose donc à travers cette œuvre dynamique, composée de plusieurs plans tridimensionnels, une réflexion par rapport à l’absurdité des sous-marins nucléaires lanceurs d’engins. En effet, dans cette œuvre-ci, sans être dans la dénonciation ni dans la glorification, je me questionne sur cette machine qui est aux extrêmes de la création et de la destruction humaine. Ce questionnement peut ainsi être appliqué à plusieurs technologies militaires modernes, mais le sous-marin m’interpellait particulièrement par le fait qu’ils sont en permanence omniprésents dans les eaux, tout en ayant le pouvoir de décimer plusieurs pays en une frappe. La virtuosité et le génie derrière la création d’un sous-marin m’amène à me questionner à savoir jusqu’où l’humain poursuivra le progrès technologique facilitant de plus en plus la capacité d’autodestruction. Il était donc pertinent pour moi d’inclure, par la structure squelettique, un aspect représentant l’humain qui est derrière l’opération et le développement de ces engins.
Ma démarche artistique se penche grandement sur la relation entre l’humain et la technologie et qu’est-ce que cela peut signifier pour le futur. J’ai créé un environnement surréel en superposant sous plusieurs formes le thème du sous-marin tant sur le plan technique, réel, et de l’intérieur, ce qui vient lier les deux toiles ensemble. J’interviens beaucoup sur les contrastes d’échelle dans cette œuvre-ci pour amplifier des éléments, comme avec le personnage en gros plan par rapport aux sous-marins. J’utilise les tons de vert et de bleu comme couleur dominante afin d’inspirer l’aspect de progrès et d’évolution, que je viens ensuite contraster avec des tons orangés. J’exploite une technique d’application en dégradé, sans être dans l’hyperréalisme, tout en exploitant beaucoup le traitement de la ligne. Le traitement de la ligne se retrouve surtout au niveau de la perspective linéaire et des plans techniques illustrant les mécanismes intérieurs et la décomposition des missiles balistiques.

05/05/2021

Roxanne Marchand
Pustules Sans Scrupules
91 cm x 91 cm x 110 cm
Polystyrène expansé haute densité, uréthane, argile polymère, acrylique

Dans le cadre de ce projet de synthèse de programme, j’ai décidé d’explorer un thème que j’ai abordé antérieurement durant mon parcours en arts visuels : l’horreur. Cependant, afin de donner un rendu plus intéressant et d’éviter les répétitions, j’ai choisi s’aborder le sujet de la monstruosité et de la putréfaction pour mon œuvre.
Ma démarche actuelle est relativement simple : j’explore les différents thèmes de reliés à l’horreur. Sans me définir, mes phobies sont, selon moi, une bonne source de créativité. De plus, au lieu de laisser ces peurs me pourrir la vie, je les utilise comme sujets pour mes œuvres, ce qui rend l’expérience presque thérapeutique. D’autre part, j’apprécie grandement travailler tout ce qui est très figuratif, mais il m’arrive parfois d’incorporer une touche d’abstrait, afin de donner un rendu plus ambigu à mes œuvres. J’aime étirer et déformer la réalité dans mes œuvres, car mon but n’est pas de faire des œuvres mignonnes ou nécessairement jolies. Je veux déstabiliser le regardeur avec des œuvres ayant un aspect déroutant.
Malgré l’apparence déroutante et singulière de mon œuvre, elle se veut actuelle par l’entremise de l’effet qu’elle a sur le regardeur. En effet, la situation de la pandémie provoque beaucoup d’anxiété chez les gens. Mon projet est donc en quelques sorte une représentation de cette anxiété et de ce sentiment d’inconfort constant que vivent la plupart d’entre nous chaque jour à cause du virus. En revanche, puisque l’art peut être interprété différemment, mon œuvre peut aussi, dans un sens, moquer mon interprétation initiale d’une pandémie. Par exemple, lorsqu’on aborde ce sujet dans les médias, nous pensons tout de suite aux morts-vivants, à un virus mutant qui nous transforme en monstre, etc. J’ai conclu qu’en rendant mon œuvre ridiculement dégoûtante, l’expérience deviendrait en quelques sortes, ludique, d’où le nom de mon œuvre.
Dans l’œuvre, j’ai utilisé des couleurs de manière à instaurer d’avantage un aspect dégoûtant et purulant à mon œuvre. Je souhaitais que mes couleurs soient semblables à celles de la réalité, car j’ai conclu que l’effet escompté serais plus efficace à atteindre. En somme, je souhaitais accentuer les traits physiques du monstre comme les pustules, les plis dans la peau et les bouches.

05/04/2021

Loriane Lambert
Préhension
152,4 x 101,6 cm
Photographie

Au cours de mon parcours en arts visuels, j’ai su me développer en tant que personne ainsi qu’en tant qu’artiste. Mes idées et mes choix de projets en sont sortis grandis et ceux-ci ont beaucoup évolué. J’ai développé une grande affinité pour tout ce qui touche le corps humain. Je trouve qu’il y a quelque chose de beau en chacun de nous.

Dans mes projets, j’affectionne particulièrement la main comme partie du corps humain, puisque celle-ci est unique chez chacun d’entre nous. En tant qu’artiste, en devenir ou seulement de passage, c’est ce qui nous unit les uns les autres sans même y porter attention. C’est alors pourquoi j’ai décidé de l’illustrer d’une manière que je n’avais encore jamais exploitée, c’est-à-dire par la photographie.

Chacune des images qui constituent mon œuvre sont des photos de gens de mon entourage. Ma famille, mes amies proches et mes collègues de travail ont tous participé. Si nous nous rapprochons de la toile et regardons de près les images, il sera possible d’apercevoir que ce sont bel et bien toutes des mains. Elles sont toutes en train d’effectuer une tâche bien précise, représentant plusieurs états d’âme. Quand les spectateurs se reculeront, il sera possible pour eux de voir une seule et unique main grâce à toutes les petites photos réunies.

J’ai décidé de procéder à l’utilisation de la photographie et du montage pour mon travail final. Une technique que je n’avais pas encore approfondit au long de mon parcours au cégep et qui me semblait être un bon défi. La capture des images était la tâche la plus facile à effectuer durant ce projet. Puis, vint la partie du montage qui m’a demandé beaucoup d’énergie et d’efforts. Environ quatorze mille photos ont dû être nécessaires. Bien évidemment, la plupart se répètent régulièrement, mais le fait de placer toutes les photos une par une dans le logiciel, ainsi de les mettre au bon endroit afin que les ombrages de la main soient bien placés était tout un défi.

Bref, je suis personnellement très fière du résultat final. Le projet a pris plus de temps que je ne l’avais imaginé, j’ai dû me donner corps et âme, mais j’ai tout de même réussi à le terminer à temps. J’ai beaucoup aimé travailler la photographie, cela était différent de ce que nous avions l’habitude de faire et j’ai adoré découvrir ce moyen de création.

05/04/2021

La deuxième partie de l'exposition Apothéose est commencée! À partir d'aujourd'hui jusqu'au 17 mai, vous verrez les oeuvres de Natanaël Boisvert, Laurence Thériault, Kelly-Ann Anglehart, Victor Labrie, Sandrine Ricard, Roxanne Marchand, Loriane Lambert et Théodore Lavoie! Ne manquez pas les prochaines publications pour en apprendre plus sur eux et leur œuvre! 👩‍🎨👨‍🎨

05/03/2021

Sandrine Ricard
Rebirth
152,4 cm x 114,3 cm
Acrylique sur toile

C’est à travers cette œuvre que pour la toute dernière fois au collégial, j’exprime mon intérêt et mes préoccupations face à un sujet qui a su constamment m’inspirer tout au long de mes études : les traumas relationnels et les conséquences qui s’en suivent.

Ayant moi-même été victime d’abus dans une relation toxique, je peux très bien comprendre l’ampleur des souffrances d’une personne dans cette situation. Dans mon parcours, j’ai souvent traité du narcissisme et de la douleur éprouvée par ses victimes. Par contre, je n’ai jamais parlé du sentiment de victoire que l’on ressent lorsque l’on trouve la force de se débarrasser de son abuseur. Nous imaginons facilement le triomphe ultime qu’est d’atteindre la fusion de deux âmes, mais le triomphe qu’est de rompre cette fusion est rarement évoqué de manière grandiose. Mon œuvre final cherche à faire vivre à son auditoire la victoire que permet de se libérer d’une relation toxique, de voir enfin la lumière au bout du tunnel et de pouvoir enfin renaître.

Pour ce qui est de la réalisation de l’œuvre, je me suis laissée emporter et je me suis tournée vers le surréalisme pour représenter une personne qui renaît suite à un trauma. Au centre de ma toile se trouve une femme aux couleurs argentées qui est transpercée par un serpent bleu symbolisant le changement, la renaissance et la transformation. Ce serpent force donc la carapace argentée de la femme à céder pour laisser place à sa nouvelle peau, comme un serpent qui mue. La personne se situe sur deux serpents qui semblent illuminer celle-ci dans la noirceur. Les couleurs de l’œuvre ont été choisies en raison de leur symbolique, le jaune représente la joie, la bonne humeur et le bien-être, tandis que le bleu symbolise le changement. De plus, l’un des serpents est jaune et l’autre est bleu dans le but de créer un contraste chaud et froid qui dynamise l’ensemble de l’œuvre.

Je suis heureuse de constater que j’ai réussi à réaliser une composition dynamique, vibrante et intrigante qui met en valeur une femme en pleine transformation.

05/03/2021

La deuxième partie de l'exposition Apothéose est en cours de montage. À partir de demain, venez voir nos publications sur la page Facebook ou à l'espace Jeanne-Vanasse si vous êtes étudiants ou membres du personnel du Cégep!

04/30/2021

Présentation de l'œuvre «Fragments»
Série de trois tableaux 77,2 cm par 91,44 cm
Acrylique sur panneau de fibres dur
Courte interview avec l'artiste Julianne Lauzon sur son œuvre composé de trois tableaux. 1 min 23 bien investi 😍