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Rock show In Concert, São Paulo (2026)

17/05/2026

Sepultura recebe Evan Seinfeld, do Biohazard, para “Slave New World” em show nos EUA

O Sepultura teve uma participação especial de peso durante o show realizado em 13 de maio, no Reverb, em Reading, Pensilvânia. A banda recebeu Evan Seinfeld, vocalista e baixista do Biohazard, para uma performance de “Slave New World”, clássico presente no álbum Chaos A.D., lançado em 1993. Vídeos gravados por fãs registraram o momento.

A participação tem um significado especial. Seinfeld foi um dos nomes envolvidos na composição da letra de “Slave New World”, uma das faixas mais marcantes da fase em que o Sepultura consolidou sua identidade global, misturando thrash, groove, hardcore e crítica social em um pacote que ajudou a redefinir o metal dos anos 90.

O encontro aconteceu durante a etapa norte-americana da turnê “Celebrating Life Through Death”, que marca a despedida do Sepultura dos palcos. Nesta perna, a banda conta com Exodus, Biohazard e Tribal Gaze como atrações de apoio, reforçando o caráter histórico da jornada final do grupo.

A turnê começou em 2024, ano em que o Sepultura anunciou a celebração de seus 40 anos com uma série de shows ao redor do mundo. O primeiro show da turnê aconteceu em 1º de março de 2024, no Arena Hall, em Belo Horizonte, marcando também a estreia ao vivo de Greyson Nekrutman na bateria da banda.

Greyson assumiu o posto após a saída de Eloy Casagrande, anunciada poucos dias antes do início da turnê. Mais tarde, Eloy foi confirmado como baterista do Slipknot, enquanto o Sepultura seguiu com a turnê de despedida e com a proposta de registrar diferentes momentos dessa reta final.

Além dos shows, o Sepultura também lançou em abril o EP “The Cloud Of Unknowing”, pela Nuclear Blast. O material foi antecipado pelos singles “The Place” e “Beyond The Dream”, esta última com colaboração de Sérgio Britto e Tony Bellotto, dos Titãs.

O registro também tem peso histórico por marcar a estreia de Greyson Nekrutman em estúdio com o Sepultura, funcionando como mais um capítulo da fase final da banda antes do encerramento definitivo das atividades ao vivo.

A etapa norte-americana da turnê segue passando por cidades dos Estados Unidos e Canadá, com encerramento marcado para 29 de maio, no The Wiltern, em Los Angeles.

Ver Evan Seinfeld dividindo o palco com o Sepultura em “Slave New World” é mais do que uma participação especial. É um aceno direto a uma era em que metal, hardcore e contestação social se encontraram em alto volume. E, na despedida de uma das bandas mais importantes da história do metal mundial, esse tipo de momento pesa ainda mais.

Metal Never Die
Porque o Sepultura pode estar se despedindo dos palcos, mas o estrago que deixou na história do metal continua impossível de apagar.

17/05/2026

Integrante do Apocalyptica chama St. Anger de “álbum maravilhoso”

Poucos discos na história do metal dividem tanto opiniões quanto St. Anger, do Metallica. Lançado em 2003, o álbum virou alvo constante de críticas por sua produção crua, ausência de solos, músicas longas e, claro, aquele som de bateria que até hoje causa discussões dignas de guerra civil em mesa de bar.

Mas para Eicca Toppinen, do Apocalyptica, o disco merece ser olhado com outros olhos.

Em entrevista à Pipeman Radio, o músico finlandês saiu em defesa do álbum e afirmou que considera St. Anger um grande trabalho. Segundo ele, a impressão mudou principalmente depois de revisitar o material durante o processo de criação de Apocalyptica Plays Metallica, Vol. 2, sequência do clássico projeto em que a banda recria músicas do Metallica com cellos.

Eicca contou que teve contato com algumas músicas antes mesmo de ouvir o álbum completo, quando o Metallica passava pela Europa com Robert Trujillo, então recém-chegado à banda. Na época, ele ouviu faixas como “Frantic” e “St. Anger” ao vivo e ficou impressionado com a força das composições.

O problema, segundo ele, estava menos nas músicas e mais na forma como o disco soava para quem esperava algo mais tradicional do Metallica.

Para Eicca, quando o ouvinte se acostuma com a sonoridade crua do álbum, o material revela sua verdadeira força. Ele descreveu St. Anger como um disco raivoso, apaixonado, honesto e verdadeiro. Na visão do músico, essa honestidade é justamente o que faz o álbum continuar relevante.

O Apocalyptica chegou a gravar uma versão da faixa-título “St. Anger” para Apocalyptica Plays Metallica, Vol. 2. Durante os shows, Eicca costuma recomendar que o público dê uma nova chance ao disco, principalmente no contexto atual, em que boa parte das produções soa cada vez mais polida, limpa e controlada.

Segundo ele, é justamente nesse cenário que a produção áspera de St. Anger passa a soar “refrescante”.

O músico também comparou a proposta do álbum a certa estética do black metal norueguês original, em que a sujeira sonora não era exatamente um defeito, mas parte da intenção artística. Para Eicca, St. Anger não tenta ser bonito, agradável ou confortável. Ele tenta ser uma descarga brutal de tensão.

E isso faz sentido quando se lembra o contexto em que o disco foi criado. O Metallica atravessava um dos períodos mais turbulentos de sua história: Jason Newsted havia deixado a banda, James Hetfield passou por reabilitação, o grupo quase implodiu e todo esse processo foi documentado no filme Some Kind of Monster.

O resultado foi um álbum que parecia menos uma coleção de músicas e mais um registro de colapso emocional em tempo real.

Naturalmente, nem todo mundo comprou essa ideia. St. Anger segue sendo frequentemente citado como um dos trabalhos mais controversos do Metallica. A Rolling Stone, por exemplo, chegou a incluí-lo em uma lista de álbuns “genuinamente horríveis” feitos por artistas brilhantes, criticando especialmente a produção, o som da bateria e a falta de foco das composições.

Mesmo assim, o álbum também tem seus defensores ilustres. O produtor Bob Rock já afirmou que nomes como Jimmy Page, do Led Zeppelin, e Jack White demonstraram apreço pelo disco. Lars Ulrich, por sua vez, também já defendeu a escolha sonora, dizendo que o objetivo era desafiar o ouvinte e manter tudo cru, sem arrependimentos.

Para Eicca Toppinen, essa disposição de correr riscos é justamente o que torna o Metallica uma banda interessante mesmo depois de mais de quatro décadas de carreira. Ele destacou que o grupo sempre seguiu sua própria intuição criativa, mesmo quando isso significava desagradar parte do público.

No fim das contas, St. Anger talvez nunca deixe de ser o disco que muita gente ama odiar. Mas a defesa de Eicca coloca uma questão interessante na mesa: será que o problema era o álbum ser ruim ou ele simplesmente era feio demais para a expectativa que o público tinha do Metallica naquele momento?

Duas décadas depois, em uma era de produções cada vez mais perfeitas, editadas e esterilizadas, talvez aquela pancada torta, seca e sem polimento faça mais sentido do que muita gente gostaria de admitir.

17/05/2026

Led Zeppelin🤘🤘🤘KNEBWORTH 1979

Led Zeppelin foi uma banda britânica de rock formada em Londres, em 1968. É um dos artistas mais vendidos e influentes da história, e reconhecido como um dos fundadores do heavy metal, junto das bandas Black Sabbath e Deep Purple. Graças a seu som pesado e violento de guitarra, enraizado no blues e música psicodélica de seus dois primeiros álbuns, a banda ganhou aclamação da crítica e do público, além de ser uma das responsáveis por criar e popularizar o heavy metal e o hard rock. Seu estilo foi inspirado em uma grande variedade de influências, incluindo a música folk, psicodélica e o blues. Consistia no guitarrista Jimmy Page, no vocalista Robert Plant, no baixista e tecladista John Paul Jones e no baterista John Bonham, amplamente considerado como um dos melhores bateristas do mundo até os dias atuais,

Depois de mudar seu antigo nome de New Yardbirds, o Led Zeppelin assinou um contrato favorável com a Atlantic Records, que lhes ofereceu uma considerável liberdade artística. O grupo não gostava de lançar suas canções como singles, pois viam os seus álbuns como indivisíveis e completas experiências de escuta. Embora inicialmente impopular com os críticos, o grupo conseguiu um impacto comercial significativo nas vendas com Led Zeppelin (1969), Led Zeppelin II (1969), Led Zeppelin III (1970), o quarto álbum sem título (1971), Houses of the Holy (1973), e Physical Graffiti (1975). O quarto álbum, com a música "Stairway to Heaven", está entre as obras mais populares e influentes do rock e ajudou a consolidar a popularidade do grupo.

Álbuns posteriores da banda visaram uma experimentação maior e foram acompanhados por extensos recordes e concertos que renderam à banda uma reputação pelos seus excessos e sua devassidão. Apesar de terem permanecido bem-sucedidos comercial e criticamente, a sua produção e agenda de shows foram limitadas no final da década de 1970, e o grupo se desfez após a morte repentina de Bonzo (apelido de John Bonham), em 1980. Desde então, os membros remanescentes esporadicamente colaboraram e participaram em raras reuniões juntos. A mais bem-sucedida delas foi em 2007 no Ahmet Ertegun Tribute Concert, em Londres, com Jason Bonham no lugar de seu pai.

Led Zeppelin é amplamente considerado como um dos grupos de rock mais bem sucedidos, inovadores e influentes da história, sendo até hoje um dos artistas mais vendidos de todos os tempos. É uma das bandas que mais vendeu discos na história da música, com várias fontes estimando recordes de vendas do grupo entre 200 a 300 milhões de unidades em todo o mundo. Com 111,5 milhões de unidades certificadas pela Associação da Indústria de Gravação da América, é a segunda banda de maior recorde de vendas de discos nos Estados Unidos. Cada um de seus nove álbuns de estúdio apareceram no Billboard Top 10 e, seis deles, atingiram a primeira posição. O músico Dave Grohl os descreveu como "a maior banda de rock and roll de todos os tempos", "a maior banda dos anos 70" e a revista Rolling Stone como o 14º maior artista da música. É uma das bandas mais contrabandeadas da história da música, com diversas gravações ilegais notáveis que indiretamente fizeram parte de sua discografia. Foram introduzidos no Rock and Roll Hall of Fame em 1995. Sua biografia no museu cita que a banda era "tão influente" na década de 1970 quanto os Beatles foram na década anterior.

17/05/2026

Anthrax retorna com “It’s For The Kids” e anuncia o aguardado álbum Cursum Perficio

Anthrax retorna com “It’s For The Kids” e anuncia o aguardado álbum Cursum Perficio
Anthrax retorna com “It’s For The Kids” e anuncia o aguardado álbum Cursum Perficio
Por MND
15 de maio de 2026
Mundo Metal
Lançamentos

O Anthrax está oficialmente de volta com música inédita. A banda lançou “It’s For The Kids”, primeiro single de Cursum Perficio, seu aguardado 12º álbum de estúdio, previsto para 18 de setembro de 2026.

O disco marca o primeiro trabalho de inéditas do grupo desde For All Kings, lançado em 2016, encerrando o maior intervalo entre álbuns de estúdio da carreira do Anthrax. O lançamento acontece na América do Norte pela Megaforce Records e na Europa pela Nuclear Blast.

A nova faixa chega como uma pancada direta, com riffs pesados, andamento agressivo e uma letra carregada de crítica social. O título “It’s For The Kids” aparece com ironia amarga, contrastando com versos que apontam para discursos vazios, cinismo público, empatia tratada como fraqueza e a recorrente resposta de “pensamentos e orações” diante de tragédias que seguem se repetindo.

Sem precisar suavizar o recado, o Anthrax transforma indignação em munição sonora. A música mira justamente essa lógica em que muita gente afirma agir “pelas crianças” enquanto alimenta ciclos de violência, omissão e conveniência política. É thrash metal com raiva, mas também com alvo.

Cursum Perficio terá 11 faixas e chega após anos de expectativa. O álbum vinha sendo comentado publicamente pelos integrantes desde antes da pandemia, com partes do processo sendo desenvolvidas remotamente e sessões realizadas no Studio 606, estúdio de Dave Grohl, em Northridge, na Califórnia.

O título em latim, Cursum Perficio, pode ser interpretado como “eu completo a jornada” ou “eu termino o percurso”, uma escolha que carrega peso especial para uma banda com mais de quatro décadas de história e um dos nomes centrais do Big 4 do thrash metal.

A formação do álbum reúne Joey Belladonna nos vocais, Scott Ian na guitarra, Jonathan Donais na guitarra, Frank Bello no baixo e Charlie Benante na bateria. Segundo informações divulgadas antes do lançamento, Benante já havia descrito o novo material como mais extremo e mais raivoso em alguns momentos, enquanto Scott Ian demonstrou entusiasmo com o resultado final.

A lista de faixas de Cursum Perficio é:

Persistence of Memory
The Long Goodbye
It’s For The Kids
Everybody’s Got A Plan
The Edge of Perfection
Infectious
NYC 93
Cursum Perficio
T.O.M.B.
Watch It Go
My Victory
O retorno também acontece em um ano movimentado para o Anthrax. A banda tem datas na Europa entre maio e julho de 2026, incluindo festivais e shows de apoio ao Iron Maiden, além de apresentações na América do Norte em setembro e outubro.

Com “It’s For The Kids”, o Anthrax não volta tentando soar confortável. A banda retorna com uma música amarga, direta e cheia de tensão, lembrando que o thrash sempre funcionou melhor quando a raiva encontra propósito.

Depois de uma década sem álbum novo, o recado é simples: o Anthrax ainda sabe bater onde dói.

17/05/2026

Symphony X: três décadas de grandiosidade no prog metal

Poucas bandas conseguiram unir técnica, peso e sofisticação musical de forma tão marcante quanto o Symphony X. Formado em 1994, em Nova Jersey, nos Estados Unidos, o grupo se consolidou como um dos maiores nomes do progressive metal mundial, atravessando gerações e mantendo uma identidade sonora única ao longo de mais de trinta anos de carreira.

Combinando influências de música clássica, heavy metal tradicional, power metal e elementos sinfônicos, o Symphony X construiu uma discografia respeitada e ajudou a redefinir os limites do metal progressivo moderno.

O nascimento de um gigante do prog metal
O Symphony X surgiu através da visão do guitarrista Michael Romeo, músico conhecido por sua técnica impressionante, riffs pesados e composições complexas. Após o lançamento do álbum de estreia homônimo em 1994, a banda começou a chamar atenção dentro do underground do metal progressivo.

No entanto, foi com a entrada do vocalista Russell Allen, em 1995, que o grupo encontrou sua formação clássica e iniciou uma trajetória ascendente. A poderosa voz de Allen se tornou um dos grandes diferenciais da banda, equilibrando agressividade, melodias épicas e interpretação teatral.

Ao lado de Michael Pinnella (teclados), Michael Lepond (baixo) e Jason Rullo (bateria), o Symphony X formou uma das line-ups mais respeitadas do estilo.

A evolução sonora e os discos clássicos
Durante a segunda metade dos anos 1990, o Symphony X lançou uma sequência de álbuns fundamentais para o prog metal. Trabalhos como “The Divine Wings of Tragedy” (1997), “Twilight in Olympus” (1998) e “V: The New Mythology Suite” (2000) ajudaram a transformar o grupo em referência mundial.

Com longas composições, arranjos sofisticados e letras inspiradas em mitologia, filosofia, literatura e fantasia, a banda conquistou fãs tanto do metal progressivo quanto do heavy metal tradicional.

“The Divine Wings of Tragedy”, em especial, é frequentemente citado como um dos maiores discos da história do progressive metal. A faixa-título, com mais de 20 minutos de duração, se tornou um verdadeiro marco do gênero.

Peso, modernidade e reinvenção

Nos anos 2000, o Symphony X decidiu incorporar elementos mais pesados ao seu som. Álbuns como “The Odyssey” (2002), “Paradise Lost” (2007) e “Iconoclast” (2011) apresentaram riffs mais agressivos, atmosferas sombrias e uma sonoridade moderna, sem abandonar a essência progressiva.

A mudança mostrou a capacidade da banda de evoluir sem perder identidade. O Symphony X conseguiu dialogar tanto com fãs antigos quanto com novas gerações de ouvintes do metal.

“Paradise Lost”, inspirado na clássica obra literária de John Milton, marcou um dos momentos mais sombrios e pesados da carreira do grupo, enquanto “Iconoclast” trouxe uma abordagem quase futurista e industrial em determinados momentos.

Influência e legado no metal mundial
Ao longo de três décadas, o Symphony X influenciou inúmeras bandas de progressive metal, power metal e metal técnico. O virtuosismo de Michael Romeo se tornou referência para guitarristas ao redor do mundo, enquanto Russell Allen passou a ser reconhecido como um dos maiores vocalistas do metal contemporâneo.

Mesmo sem alcançar o mainstream comercial, a banda construiu uma base de fãs extremamente fiel e conquistou respeito absoluto dentro da cena metal.

O grupo também se destacou pelas apresentações ao vivo intensas e tecnicamente impecáveis, levando ao palco músicas complexas sem perder peso e energia.

O hiato e a expectativa por um novo álbum

O álbum mais recente da banda, “Underworld”, foi lançado em 2015 e recebeu ótima recepção da crítica e dos fãs. Inspirado na “Divina Comédia”, de Dante Alighieri, o disco reafirmou a capacidade do Symphony X de unir narrativa épica, técnica refinada e riffs pesados.

Desde então, os fãs aguardam ansiosamente por um novo trabalho de estúdio. Apesar do longo intervalo entre lançamentos, os integrantes seguem ativos em projetos paralelos e frequentemente comentam sobre a produção de novas músicas.

Michael Romeo lançou trabalhos solo elogiados, enquanto Russell Allen continuou participando de diversos projetos dentro do cenário hard rock e metal.

Trinta anos de excelência

Celebrar os trinta anos do Symphony X é reconhecer a importância de uma banda que ajudou a moldar o progressive metal moderno. Em uma cena musical em constante transformação, o grupo conseguiu manter relevância sem abrir mão da complexidade musical e da personalidade artística.

Mais do que técnica impressionante, o Symphony X construiu uma identidade própria, marcada por composições épicas, peso, emoção e ambição musical.

Três décadas depois de sua formação, a banda segue sendo uma verdadeira instituição do metal progressivo — e continua inspirando músicos e fãs ao redor do planeta.

17/05/2026

Korn escreveu quase 40 músicas para novo álbum, diz Munky: “Não queremos lançar algo medíocre”

O Korn segue trabalhando no aguardado sucessor de “Requiem”, lançado em 2022, mas o processo está longe de ser simples. Em nova entrevista a Igor Miranda, da Rolling Stone Brasil, o guitarrista James “Munky” Shaffer revelou que a banda já escreveu quase 40 músicas para o próximo álbum, passando por um longo ciclo de composição, revisão, descarte e reconstrução de ideias.

Segundo Munky, o disco está demorando porque o Korn se tornou ainda mais crítico em relação ao próprio material. A banda quer manter sua identidade original, mas sem simplesmente repetir fórmulas. Para o guitarrista, quando os integrantes começam a tocar juntos, especialmente com a formação atual, o som naturalmente soa como Korn. Ainda assim, o desafio é encontrar novas cores dentro dessa assinatura sonora.

O músico destacou a presença de Roberto “Ra” Díaz, atual baixista da banda, como uma adição importante ao processo criativo. De acordo com Munky, Ra trouxe muita energia para a seção rítmica e desenvolveu uma boa química com o baterista Ray Luzier. Essa parceria, segundo ele, tem sido uma das partes mais interessantes das novas composições, já que os dois ainda não haviam trabalhado juntos em um álbum de estúdio do Korn.

Munky explicou que Ra e Ray passaram bastante tempo tocando músicas antigas da banda, o que ajudou os dois a absorverem melhor a linguagem rítmica do catálogo clássico. Essa experiência acabou influenciando o material novo, trazendo uma vibração familiar, mas com uma abordagem renovada.

Mesmo com a intenção de experimentar, o guitarrista deixou claro que os fãs não devem esperar uma mudança radical. O próximo álbum, segundo ele, continuará baseado em guitarras e baixo pesado, sem uma presença exagerada de eletrônicos ou elementos muito distantes da sonoridade tradicional do Korn.

Para Munky, qualquer artista busca evitar pintar “a mesma imagem” repetidamente. A ideia é acrescentar algo novo o suficiente para manter a música fresca, mas sem perder o DNA que fez a banda se tornar uma referência mundial do metal moderno.

O guitarrista também explicou que a demora no novo álbum tem relação direta com a agenda pesada de turnês da banda após a pandemia. Ele relembrou que “The Nothing”, lançado em 2019, acabou não recebendo o ciclo de divulgação que merecia por causa da COVID-19. Já “Requiem” nasceu justamente de uma tentativa de reunir os integrantes em segurança durante aquele período de isolamento.

Agora, o Korn prefere levar o tempo necessário para entregar algo realmente forte. Munky afirmou que a banda poderia simplesmente continuar excursionando com os discos antigos, mas ainda sente prazer em escrever e gravar músicas novas. Ele chegou a citar o Metallica como inspiração nesse sentido: uma banda que segue tocando clássicos, mas também mantém espaço para lançar material inédito.

Outro ponto abordado na entrevista foi a ausência do baixista original Reginald “Fieldy” Arvizu, afastado da banda desde 2021 para cuidar da saúde após recaídas em antigos hábitos. Munky afirmou que, em alguns momentos, foi difícil imaginar como certas músicas seriam caso Fieldy estivesse presente. Ainda assim, ele ressaltou que a relação permanece respeitosa.

Segundo o guitarrista, Fieldy já parecia menos envolvido nos processos criativos dos últimos discos e talvez tenha perdido a ambição de seguir na rotina intensa da banda. Munky evitou tratar o caso como uma separação definitiva e preferiu usar a palavra “hiato”. Para ele, o mais importante é que Fieldy esteja saudável, feliz e em paz com sua família.

O Korn lançou recentemente a música “Reward The Scars”, incluída na trilha sonora da expansão “Diablo IV: Lord Of Hatred”. A faixa marcou o primeiro material inédito da banda desde “Requiem” e foi apresentada ao vivo no festival Sick New World, em Las Vegas.

Com mais de 40 milhões de álbuns vendidos, dois prêmios Grammy e uma carreira que ajudou a definir os rumos do nu metal e da música pesada a partir dos anos 90, o Korn continua tentando equilibrar legado e reinvenção. Pelo que Munky descreve, o próximo álbum deve mirar exatamente esse ponto: soar clássico sem parecer estacionado no tempo.

16/05/2026

16 de maio: o dia em que o heavy metal perdeu Ronnie James Dio

Algumas vozes jamais desaparecem. Elas continuam ecoando em riffs, palcos, camisetas, gestos levantados para o céu e principalmente na memória coletiva de quem vive o heavy metal de verdade.

Em 16 de maio de 2010, o mundo recebia uma das notícias mais dolorosas da história da música pesada: Ronnie James Dio havia partido aos 67 anos após uma batalha contra um câncer no estômago. E naquele momento, o metal não perdia apenas um vocalista.

Perdia um símbolo.

Mais de uma década depois, o nome de Dio continua atravessando gerações como uma entidade permanente dentro do heavy metal. Seja através do Rainbow, Black Sabbath, Heaven & Hell ou de sua carreira solo, sua voz ajudou a construir alguns dos capítulos mais importantes da história do gênero.

E talvez nenhum período represente tão bem a força de seu legado quanto a era Heaven & Hell.

Quando Dio assumiu os vocais do Black Sabbath no final dos anos 70, muita gente acreditava que substituir Ozzy Osbourne seria impossível. Mas o que aconteceu foi exatamente o contrário: nasceu uma nova identidade para a banda. Mais épica, mais sombria, mais melódica e carregada de atmosfera.

O álbum Heaven and Hell de 1980 não apenas revitalizou o Sabbath.
Ele redefiniu o heavy metal.

Faixas como “Neon Knights”, “Children of the Sea” e principalmente “Heaven and Hell” ajudaram a moldar toda uma geração de bandas que surgiria nos anos seguintes. A mistura entre peso, teatralidade, melodia e lirismo filosófico transformou Dio em uma referência absoluta dentro da música pesada.

E quando Heaven & Hell voltou aos palcos décadas depois, o impacto foi imediato.

A apresentação da banda no Holy Ground em 2009 permanece até hoje como um dos registros mais emocionantes da reta final da carreira de Dio. Tony Iommi despejava riffs monumentais, Geezer Butler conduzia o peso como poucos baixistas na história conseguiram fazer, Vinny Appice mantinha tudo pulsando com precisão absurda e Dio… bem, Dio continuava dominando multidões como se o tempo simplesmente não existisse.

Não era apenas um show. Era a celebração de tudo que o heavy metal representa.

E existe outro elemento impossível de separar da figura de Ronnie James Dio: o gesto das mãos conhecido mundialmente como “mano cornuta”.

O famoso símbolo dos chifres não nasceu como uma pose de palco aleatória. Dio aprendeu o gesto com sua avó italiana, que utilizava o símbolo como proteção contra o mau-olhado e energias negativas. Quando entrou no Black Sabbath, começou a utilizar o sinal durante os shows e aquilo rapidamente se transformou em uma linguagem universal dentro do metal.

Hoje, levantar os chifres significa muito mais do que “curtir rock”.

É um símbolo de pertencimento. De resistência. De união entre diferentes De identidade cultural.

É o reconhecimento silencioso entre pessoas que talvez nunca tenham se visto antes, mas compartilham a mesma paixão pelo peso, pela liberdade e pela honestidade que o metal sempre carregou.

E talvez seja exatamente isso que mantém Dio eterno. Porque artistas assim deixam de pertencer apenas às bandas. Eles passam a pertencer à cultura.

Na MND, falar de Ronnie James Dio não é apenas falar de nostalgia ou reverência ao passado. É reconhecer a responsabilidade de manter vivo um legado que ajudou a construir o próprio espírito do heavy metal.

O metal continua mudando.
Novas bandas surgem.
Novas vertentes aparecem.
Novas gerações descobrem o underground todos os dias.

Mas algumas permanecem imortais.E Ronnie James Dio é uma delas.

Rest in peace, Dio. O heavy metal sente sua falta.

Rock show In Concert

17/05/2026

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