Kunstverein INGAN e.V.

Kunstverein INGAN e.V. The Kunstverein INGAN e.V. aims to broaden the art discourse. Its program shows international contemporary visual art. We organize and plan international art projects as well as issuing the INGAN Magazine which reports about contemporary arts.

Christine Istad Lecture as part of the program of the exhibition"Boundary, dealing with physical, political and social b...
06/10/2015

Christine Istad Lecture as part of the program of the exhibition
"Boundary, dealing with physical, political and social borders in digital times". Till 10.10.2015

Christine Istad Lecture as part of the program of the exhibition
"Boundary, dealing with physical, political and social borders in digital times". Till 10.10.2015

Antragsfristen - Berlin.de
09/01/2015
Antragsfristen - Berlin.de

Antragsfristen - Berlin.de

Auslandsstipendien des Bundes: Rom (Villa Massimo), Olevano (Casa Baldi), Paris (Cité des Arts), Venedig (Studienzentrum) für 2016

WRITING ABOUT ART (espanol, deutsch)SVEN MARQUARDT: Nachtblende. Por Sofía Cuadrado AlmuiñaDurante el mes de marzo el ce...
15/03/2014
Marquardtfotografie - Portrait und Szenefotografie, Berlin

WRITING ABOUT ART (espanol, deutsch)

SVEN MARQUARDT: Nachtblende.
Por Sofía Cuadrado Almuiña

Durante el mes de marzo el centro cultural Künstlerhaus Bethanien de Berlín acoge los proyectos de cuatro artistas (Donna Ong, Sam Smith, Zsu Szabó y Sven Marquardt) que, a pesar de que sus propuestas no tengan una relación clara y no construyan narración conjunta alguna, comparten espacio expositivo.

En el caso de Sven Marquardt (1962, Berlín), el fotógrafo muestra en su concepto y proyecto Nachtblende, algunas de las fotografías, situadas en la planta baja del edificio, de las series realizadas en 1990 a mujeres en el Berlín Este, mientras que en la planta superior el conjunto forma parte del proyecto desarrollado en colaboración con Lasse Holger Mitterhausen para la firma “HUGO BOSS / BOSS Orange” en el 2013.

Centrándose en tres elementos (blanco y negro, cuerpo y contacto visual entre el observador y el fotografiado) las fotografías de Sven Marquardt se mueven entre la ambigüedad. Erotismo y melancolía, fuerza y fragilidad, sombras y luces. Partiendo de la sencillez compositiva Sven consigue crear mundos paralelos a la propia realidad pero que tampoco se centran exclusivamente en elaborar un lenguaje simbolista, en palabras del propio Sven. Se trata de una atmósfera paralela, en las que las personas retratadas fingen ser ellos mismos sin parecerlo, a hacernos sentir un mundo ajeno y desconocido a partir de un lenguaje artístico personal y único.
Según el fotógrafo, los retratos y retratados son por así decirlo la auténtica personalidad de Berlín, ciudad única e incomparable, la cual es defendida como algo único y especial por sus propios ciudadanos. Los aquí retratados son la auténtica sinfonía de Berlín. Son los verdaderos protagonistas de esta gran ciudad, al igual que lo eran los ciudadanos en la película de 1927 de Walter Ruttmann, (Berlin: Die Sinfonie der Großstadt).

Aquellos ciudadanos de los años 20 y los retratados por Sven son el día y la noche berlinesas de distintas épocas. Son lo auténtico de la ciudad: ritmo imparable, personalidad inagotable. En el caso de Marquardt, próximo como está a la cultura del club y techno, su trabajo y su persona se mueven en situaciones y atmósferas que si no transcurren únicamente en la noche, si tienen algo de ella.
Las fotografías de Sven Marquardt y la noche son el lugar, el momento, de los antagonismos y la ambigüedad. La noche es compartida con los mayores desconocidos o dedicada al ser más íntimo. Puede ser el momento de mayor comunidad o el lugar de mayor soledad, donde poder o temer estar únicamente con uno mismo. La noche es también el único momento en el que podemos conseguir liberarnos de las obligaciones diurnas, sentir más el cuerpo, la música, el lenguaje más primitivo que todos nosotros compartimos. Es el momento de la libertad, de la oscuridad y de atreverse a probar y vivir lo desconocido. En este sentido las fotografías de Sven Marquardt son su testimonio más directo, la huella de la auténtica personalidad de Berlín y sus personas. Hablan el lenguaje de la noche y su ritmo, enseñándonos a ser un poco más nosotros mismos.

http://marquardtfotografie.com/

Künstlerhaus Bethanien
Kottbuser Str. 10
Del 7 al 30 de Marzo 2014.
Martes-Domingo, de 14 a 19h.
Entrada Gratuita.


SVEN MARQUARDT: Nachtblende.
Von Sofía Cuadrado Almuiña

Im Laufe des Monats März finden im Kulturzentrum Künstlerhaus Bethanien in Berlin vier Projekte von vier Künstlern (Donna Ong, Sam Smith, Zsu Szabó und Sven Marquardt) statt, deren künstlerische Beiträge keine klare Beziehung haben und keine gemeinsame Erzählung aufbauen, während sie sich den Raum teilen.

Bei der Fotoausstellung von Sven Marquardt (1962, Berlin) zeigt der Fotograf in seinem Projekt und Konzept Nachtblende Fotos von Frauen (Erdgeschoss), die um 1990 in Ost-Berlin entstanden, und von Männern (erste Etage), die ein Teil des Projekts in Zusammenarbeit mit Lasse Holger Mitterhausen für die Firma “HUGO BOSS / BOSS Orange” aus dem Jahre 2013 ist.

Die Fotos von Sven Marquardt konzentrieren sich auf drei Elemente (schwarzweiß, Körperlichkeit und Blickkontakt zwischen dem Beobachter und dem Fotografierten). Sie bewegen sich um die Zweideutigkeit. Er**ik und Melancholie, Stärke und Zerbrechlichkeit, Schatten und Lichter. In seinen Fotos macht Sven Kompositionen, die einfach aussehen, um eine parallele Realitäten zu schaffen. Die konzentrieren sich aber nicht auf die Entwicklung einer symbolistischen Sprache, so Sven. Die Fotos zeigen eine parallele Atmosphäre, in der die porträtierten Menschen vorgeben, anders zu sein, um uns eine fremde und unbekannte Welt mit einer persönlichen und einzigartigen künstlerischen Sprache zu zeigen.

Sven sagt, die Porträts seien sozusagen die authentische Persönlichkeit Berlins, die eine Stadt mit einer einzigartigen und unvergleichlichen Persönlichkeit ist, die von seinen eigenen Bürgern verteidigt wird. Die Porträtierten sind hier die authentische Sinfonie der Großstadt Berlins. Sie sind die eigentlichen Protagonisten dieser großen Stadt, wie die Bürger in dem 20er Jahren im Film von Walter Ruttmann (Berlin: die Sinfonie einer Großstadt).
Die Bürger des Walter Ruttmann Films und die porträtierten von Sven sind der Tag und die Nacht Berlins aus verschiedenen Epochen. Sie sind, was von der Stadt authentisch ist: unhaltbarer Rhythmus, unendliche Persönlichkeit. Als Fotograf ist Sven Marquardt nahe bei der Techno- und Klubkultur. Sein Werk bewegt sich deswegen in Situationen und Stimmungen, die etwas mit der Nacht und ihr Gefühl zu tun haben.

Die Fotos von Sven Marquardt und die Nacht sind der Ort und die Zeit der Gegensätze und der Mehrdeutigkeit. Die Nacht kann mit Fremden oder nur mit dieser anderen bestimmten Person geteilt werden. Dies kann der Zeitpunkt der Großgemeinde sein oder der Ort der großen Einsamkeit, wo man nur mit sich selbst sein kann, was aber auch Angst bereiten kann. Die Nacht ist auch der einzige Moment, in denen wir uns von unseren alltägigen Verpflichtungen lösen können, um die Körperlichkeit, die Musik, die die primitivste Sprache ist, zu fühlen und mitzuteilen. Es ist der Moment der Freiheit und der Dunkelheit. Es ist der Moment, um etwas Neues und Unbekanntes zu erleben. Es ist der Moment, wo die Fotos von Sven die richtige Aussage der Nacht sind. Die sind die Spuren der Persönlichkeit dieser Stadt und ihrer Menschen. Sie sprechen die Sprache der Nacht und ihrem Rhythmus. Sie lehren uns, ein bisschen mehr selbst zu werden.

http://marquardtfotografie.com/

Künstlerhaus Bethanien
Kottbusser Str. 10
7. März- 30. März 2014
Dienstag-Sonntag, 14-19 h.
Kostenloses Eintritt.

Fotografien von Sven Marquardt - 13 Monde

WRITING ABOUT ART (espanol, deutsch)LENS/BASED SCULPTURE. La tranformación de la escultura a través de la fotografíaPor ...
01/03/2014

WRITING ABOUT ART (espanol, deutsch)

LENS/BASED SCULPTURE.
La tranformación de la escultura a través de la fotografía

Por Sofía Cuadrado Almuiña.

La exposición lens/based sculpture, en colaboración con la Akademie der Künste de Berlín y el Kunstmuseums Lichtenstein de Vaduz es, a través de la propuesta llevada a cabo por los comisarios Bogomir Ecker, Raimund Ku**er, Friedemann Malsch y Herbert Molderings, el testimonio de la obsesión y pasión de la escultura por captar el movimiento, el cuerpo, y con ello la vida.

Lens/based sculpture muestra por primera vez la relación entre escultura y fotografía desde la perspectiva de la historia de la escultura, contando con 200 obras de 70 artistas internacionales como Giuseppe Penone, Marcel Duchamp, Ana Mendieta, Kiki Smith, Ron Mueck o Gordon Matta-Clark, con los que recorremos la época que nos define como espectadores contemporáneos, desde finales del siglo XIX hasta finales del siglo XX. La exposición se presenta como un paseo no agotador sino dinámico, prescindiendo de cartelas explicativas, lo que favorece que nos centremos en captar en la escultura lo que a ella se adhiere a lo largo del tiempo. Si primero fue la obsesión por fijar el movimiento, esto derivó en rodearse de testimonios fotográficos y vídeos donde el cuerpo y con ello el espacio eran los protagonistas.

Desde finales del siglo XIX y a lo largo del siglo XX lo que se persiguió a través de la escultura era jugar con el movimiento y las infinitas posibilidades y perspectivas que éste ofrece a la hora de crear y contemplar la pieza en cuestión. Piezas como la de Étienne-Jules Marey (quien, a finales del siglo XIX, destacó por sus investigaciones en torno al estudio del movimiento a través de la fotografía), Humberto Boccioni o Marcel Duchamp, son testigos en esta exposición de la obsesión por captar el movimiento y su lenguaje a través de la fotografía. La escultura es la pieza esencial para entender las rupturas constantes que inquietaron e inquietan a los más diversos artistas que buscan alejarse del discurso tradicional. Gracias a Auguste Rodin y su batalla contra el hegemónico pedestal Duchamp consiguió fijar una rueda de bicicleta en algo estático como es el taburete y Boccioni consiguió crear a un nuevo hombre hecho de bronce pero que se sitúa a nuestra misma altura.

El cuerpo como soporte y testimonio de juegos y performances sólo es posible a través de fotografías y vídeos, soportes empleados por artistas como Bruce Nauman, Ana Mendieta o Rebecca Horn. La artista alemana en Berlin-Übungen in neuen Stücken (1974) emplea su cuerpo como lugar donde experimentar con diversos objetos-máquina para crear nuevas vías de expresión de sus emociones o fobias, llegando a cuestionar el mecanismo y los límites del cuerpo y sus movimientos, sus ataduras y barreras.

Lens/based sculpture se hace eco, en definitiva, de las inquietudes de diversos artistas por demostrar que la escultura ha sido el punto de partida para captar el movimiento o el punto final de su estudio. Ésta también puede formar parte de un complejo arquitectónico, crear una arquitectura, deshacerla o construir un nuevo paisaje. Puede ser el propio cuerpo o incluso una ampliación del mismo, un cuerpo inventado a partir de nuevos materiales como el plástico o el uso de materiales nobles.

Se trata, al fin y al cabo de superarnos a nosotros mismos. Romper las barreras que nos atan a nuestros límites, jugar con nuestras fronteras a través de diversos soportes y lenguajes, siendo el arte el más cercano y por ello el más salvajemente humano. Escultura y fotografía debían de aliarse para perseguir un mismo fin: estudiar el movimiento, incorporarlo a las expresiones artísticas, buscando de ese modo una respuesta a la necesidad humana de no sentirse limitado por nuestra piel e ir más allá. En definitiva, confirmar que hemos formado parte de un tiempo, y que de ese tiempo algo ha permanecido como materia inerte.

Akademie der Künste
Hanseatenweg 10, 10557 Berlin

24. Januar-21. Abril 2014

De martes a domingo, de 11:00-19:00
Precio de la entrada: 6/4 Euros.
Martes de 15:00-19:00 gratis.
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LENS/BASED SCUPTURE.
Die Veränderung der Skulptur durch die Fotografie.

Von Sofía Cuadrado Almuiña.

Die Ausstellung lens/based sculpture, entstanden in der Zusammenarbeit der Akademie der Künste Berlin und dem Kunstmuseum Lichtenstein Vaduz, ist gemäß dem angenommenen Vorschlag der Kommisionsmitglieder Bogomir Ecker, Raimund Ku**er, Friedemann Malsch und Herbert Molderings ein Zeugnis der Obsession und Passion des Skulptur, die Bewegung, den Körper und damit das Leben einzufangen.

Lens/based scuplture zeigt zum ersten Mal den Zusammenhang zwischen Skulptur und Fotografie aus der Perspektive der Geschichte der Skulptur mit 200 Arbeiten von 70 internationalen Künstlern wie Guiseppe Penone, Marcel Duchamp, Ana Mendieta, Kiki Smith, Ron Mueck oder Gordon Matta-Clark, mit denen wir uns die Epoche vom Ende des 19. bis zum Ende des 20. Jahrhunderts in Erinnerung rufen dürfen, als ob wir Zeitzeugen wären. Die Ausstellung präsentiert sich wie ein leichter und dynamischer Spaziergang ohne belehrende Besuchertafeln, die uns bevorzugt auf eine Wahrnehmung der Skulptur fokussieren würde, die entlang der zeitlichen Entwicklung aufgereiht wäre. Doch zuerst war die Obsession, die Bewegung einzufangen, weshalb die Herleitung aus dem Umfeld der Fotografie und des Videos erfolgt, wo der Körper und damit der Raum die Protagonisten sind.

Seit dem Ende des 19. Jahrhunderts und während des 20. Jahrhunderts verfolgte man quer durch die Skulptur das Spiel mit der Bewegung und die unendlichen Möglichkeiten und Perspektiven, die es im Moment des Entstehung und der Reflexion der betreffenden Werke bietet. Arbeiten wie die von Étienne-Jules Marey, der am Ende des 19. Jahrhunderts für seine Untersuchungen um das Thema der Bewegungsstudien mit Hilfe der Fotografie auffiel, von Humberto Boccioni oder von Marcel Duchamp sind in dieser Ausstellung Zeugen der Obsession nach dem Einfangen von Bewegungen und dem erfassen einer geeigneten Sprache durch Fotografie. Die Skulptur ist das essenzielle Glied, um die ständigen Erschütterungen zu verstehen, zu denen es die unterschiedlichsten Künstler auf der Suche, sich vom traditionellen Diskurs abzusetzen, umtrieb und umtreibt. Dank an Auguste Rodin und seinem Kampf gegen die Hegemonie des Sockels, an Duchamp der erreichte, ein Rad eines Fahrrades sowie einen Hocker zu etwas Statischem zu machen und an Boccioni, dem es gelang, einen neuen Menschen in Bronze zu kreieren den er auf Augenhöhe platziert.

Der Körper wird erst durch die Fotografie und das Video, Medien von Künstlern wie Bruce Naumann, Ana Mendieta oder Rebecca Horn, zum Träger und Zeugnis von Spielen und Performances. Die deutsche Künstlerin in Berlin-Übungen in neuen Stücken (1974) setzt ihren Körper zum spielerischen Experimentieren in verschiedenen Kunst-Maschinen ein, um neue Wege zum Ausdruck ihrer Emotionen oder Phobien zu kreieren, wobei sie erreicht, den Appartat mit seinen Beschränkungen, Bewegungen, Fesseln und Grenzen in Frage zu stellen

Lens/Based sculpture spiegelt deutliche die Unruhe von verschiedenen Künstlern wieder und zeigt, dass die Skulptur die Ausgangsbasis für das Einfangen von Bewegung oder der Endpunkt seiner Studien ist. Lens/Based sculpture spiegelt deutliche die Unruhe von verschiedenen Künstlern wieder und zeigt, dass die Skulptur die Ausgangsbasis für das Einfangen von Bewegung oder der Endpunkt seiner Studien ist. Dies kann auch ein Bestandteil eines architektonischen Komplexes sein, aber auch eine Architektur erschaffen, zerstören oder eine neue Landschaft erstellen. Dies kann ein Körper oder eine Erweiterung derselben sein, auch aber ein erfundener Körper anhand der neuen Materialien wie Kunststoff oder edlen Materialien.

In der Ausstellung handelt es sich darum, wie wir uns selbst zu übertreffen - die Barriere, die uns an unseren Grenzen bindet, zu überwinden, mit verschieden Medien und Sprachen zu spielen, von deren die Kunst die wildeste ist und dem menschlichen Ausdruck gleichzeitig so gerecht wird. Es wird gezeigt wie sich Skulptur und Fotografie verbinden, um das gleiche Ziel zu verfolgen: Das Studium der Bewegung, um es in künstlerische Ausdrucksformen zu übersetzen. Auf diese Weise suchen wir eine Antwort auf die menschliche Notwendigkeit, trotz unserer einschränkenden Haut weiterzugehen. Schließlich bestätigt sich, dass wir uns als ein Teil in einer Zeit bewegen, die bewegungslos zurückbleibt.

Akademie der Künste
Hanseatenweg 10, 10557 Berlin

24. Januar-21.April 2014

Dienstag bis Sonntag, von 11:00-19:00
Eintritt: 6/4 Euro.
Dienstag von 15:00-19:00 frei.

Akademie der KünsteHanseatenweg 10, 10557 Berlin
01/03/2014

Akademie der Künste
Hanseatenweg 10, 10557 Berlin

Akademie der Künste
Hanseatenweg 10, 10557 Berlin

WRITING ABOUT ARTText: Deutsch / EspanolANTONIO PAUCAR: Poesie in der zeitgenössischen Kunst (von Vanessa Farfán)Während...
15/02/2014

WRITING ABOUT ART
Text: Deutsch / Espanol

ANTONIO PAUCAR: Poesie in der zeitgenössischen Kunst
(von Vanessa Farfán)

Während eines Gesprächs mit einem guten Künstler und Freund redeten wir über den Umstand, ein lateinamerikanischer Künstler zu einer Zeit zu sein, in der neue Techniken und Technologien zum Erstellen von künstlerischen Arbeiten angewendet werden und die "Hand des Künstlers zu verschlingen" scheinen.

Der Vorteil, sagt er, den die lateinamerikanische Künstler haben, ist die Fähigkeit, besondere poetische Dinge zu finden, auch diejenigen, die auf den ersten Blick absolut nicht poetisch erscheinen. Die Gründe sind verschieden: die Wurzeln unser alter Kultur, unsere sozioökonomischen Bedingung als Entwicklungsländer und sogar unsere Sprache.

Antonio Paucar, peruanischer Künstler in Huancayo 1973 geboren, setzt sich als lateinamerikanischer Künstler in Europa unter Zuhilfenahme der Mittel der zeitgenössischen Kunst mit den Bedingungen des menschlichen Körpers, des Gedächtnisses und der Kultur auseinander.
Mit einer tiefgründigen Herangehensweise, geprägt von der peruanischen Kultur, verhandelt Paucar in seinen Performances Konzepte von Zeit, Tod und Dauer. Durch die Klarheit seiner Sprache und die Einfachheit, wie er seine Strukturen bildet, erreicht Paucar den Eindruck, als ob jedes dieser Konzepte in einem einfachen Satz erklärt werden könnte.

Espanol:
ANTONIO PAUCAR: La poética en el arte contemporáneo
(por Vanessa Farfán)

Hace tiempo en una charla, con un buen amigo y artista conversábamos sobre la condición de ser artistas latinoamericanos en un tiempo en el que las nuevas técnicas y tecnologías aplicadas para la creación de piezas artísticas, parecen devorar “la mano” del artista. La ventaja, decía él, es que los artistas latinoamericanos tenemos la capacidad de encontrar una especial poética de las cosas, incluso de las que podrían parecer totalmente antipoéticas.

Las razones pueden ser muchas: nuestra arraigada cultura ancestral, nuestra condición socioeconómica de países en desarrollo y hasta nuestra lengua. Antonio Paucar, artista peruano nacido en Huancayo en 1973, ha confrontado su condición de artista latinoamericano en Europa buscando establecer los vínculos humanos del cuerpo, el recuerdo y la cultura con las técnicas del arte contemporáneo.

Con una carga ritual impregnada de la cultura peruana, Paucar desarticula en sus performances conceptos como el tiempo, la muerte, la permanencia. La claridad de su lenguaje y la simplicidad en la forma en que estructura sus piezas, Paucar brinda la sensación de que cada uno de esos conceptos podrían ser explicados en una simple oración.

Text: Vanessa Farfan, http://www.europafocus.com/2014/01/05/berlinearte-vanessa-farfan-desde-berlin-3/

Foto:
Antonio Paucar, "Zapatos que rompen el silencio, 2009" (Shoes that break the silence).
Moscas muertas, hilos de nylon y par de zapatos negros (Dead flies, nylon thread, a pair of black shoes)
Medidas variables (Dimensions variable)

WRITING ABOUT ART
Text: Deutsch / Espanol

ANTONIO PAUCAR: Poesie in der zeitgenössischen Kunst
(von Vanessa Farfán)

Während eines Gesprächs mit einem guten Künstler und Freund redeten wir über den Umstand, ein lateinamerikanischer Künstler zu einer Zeit zu sein, in der neue Techniken und Technologien zum Erstellen von künstlerischen Arbeiten angewendet werden und die "Hand des Künstlers zu verschlingen" scheinen.

Der Vorteil, sagt er, den die lateinamerikanische Künstler haben, ist die Fähigkeit, besondere poetische Dinge zu finden, auch diejenigen, die auf den ersten Blick absolut nicht poetisch erscheinen. Die Gründe sind verschieden: die Wurzeln unser alter Kultur, unsere sozioökonomischen Bedingung als Entwicklungsländer und sogar unsere Sprache.

Antonio Paucar, peruanischer Künstler in Huancayo 1973 geboren, setzt sich als lateinamerikanischer Künstler in Europa unter Zuhilfenahme der Mittel der zeitgenössischen Kunst mit den Bedingungen des menschlichen Körpers, des Gedächtnisses und der Kultur auseinander.
Mit einer tiefgründigen Herangehensweise, geprägt von der peruanischen Kultur, verhandelt Paucar in seinen Performances Konzepte von Zeit, Tod und Dauer. Durch die Klarheit seiner Sprache und die Einfachheit, wie er seine Strukturen bildet, erreicht Paucar den Eindruck, als ob jedes dieser Konzepte in einem einfachen Satz erklärt werden könnte.

Espanol:
ANTONIO PAUCAR: La poética en el arte contemporáneo
(por Vanessa Farfán)

Hace tiempo en una charla, con un buen amigo y artista conversábamos sobre la condición de ser artistas latinoamericanos en un tiempo en el que las nuevas técnicas y tecnologías aplicadas para la creación de piezas artísticas, parecen devorar “la mano” del artista. La ventaja, decía él, es que los artistas latinoamericanos tenemos la capacidad de encontrar una especial poética de las cosas, incluso de las que podrían parecer totalmente antipoéticas.

Las razones pueden ser muchas: nuestra arraigada cultura ancestral, nuestra condición socioeconómica de países en desarrollo y hasta nuestra lengua. Antonio Paucar, artista peruano nacido en Huancayo en 1973, ha confrontado su condición de artista latinoamericano en Europa buscando establecer los vínculos humanos del cuerpo, el recuerdo y la cultura con las técnicas del arte contemporáneo.

Con una carga ritual impregnada de la cultura peruana, Paucar desarticula en sus performances conceptos como el tiempo, la muerte, la permanencia. La claridad de su lenguaje y la simplicidad en la forma en que estructura sus piezas, Paucar brinda la sensación de que cada uno de esos conceptos podrían ser explicados en una simple oración.

Text: Vanessa Farfan, http://www.europafocus.com/2014/01/05/berlinearte-vanessa-farfan-desde-berlin-3/

Foto:
Antonio Paucar, "Zapatos que rompen el silencio, 2009" (Shoes that break the silence).
Moscas muertas, hilos de nylon y par de zapatos negros (Dead flies, nylon thread, a pair of black shoes)
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